Favoritos de seberg en Espinof https://www.espinof.com/usuario/ seleccionado por seberg https://www.espinof.com <![CDATA[Añorando estrenos: 'Incendies' de Denis Villeneuve]]> https://www.espinof.com/criticas/anorando-estrenos-incendies-de-dennis-villeneuve https://www.espinof.com/criticas/anorando-estrenos-incendies-de-dennis-villeneuve Fri, 29 Nov 2013 18:16:21 +0000 seleccionado por seberg incendiesf1

Reciente el estreno de ‘Prisioneros’ (‘Prisoners’, Denis Villeneuve, 2013), película a la que es fácil augurarle alguna que otra nominación en la próxima edición de los Oscars, me ha parecido oportuno rescatar su anterior trabajo, ‘Incendies’ (id, 2010), que tuvo una muy merecida nominación al Oscar a la mejor película de habla no inglesa en la edición celebrada en el 2012, premio arrebatado por ‘En un mundo mejor’ (‘Haeven’, Susanne Bier, 2010). Dejando a un lado la absurda discusión sobre qué película merecía el citado premio, lo cierto es que el nombre de Villeneuve es de los que vamos a tener en cuenta a partir de ahora, uno de esos realizadores que afortunadamente no se dejan llevar por la moda imperante en el cine actual: narrar deprisa y corriendo.

Las historias que pone en imágenes Villeneuve son para disfrutar con su tempo, lentamente y a la vez con una gran intensidad debido al detallismo del canadiense en su dirección. Historias densas que encuentran su razón de ser en un trabajo lleno de mimo por lo que se está narrando, en una armoniosa conjunción entre lo que se narra y cómo se narra logrando ese milagro tan discutido de la forma es el fondo. En el caso que hoy nos ocupa hablamos de una historia pequeña que mirada en un contexto mayor habla de algo tan evidente como el horror de la guerra y los enfrentamientos entre pueblos por ideas políticas y sobre todo religiosas. Y cómo no, sobre las terribles consecuencias de estar metido entre todo eso, y también sobre el difícil acto de entender y a partir de ahí perdonar o no. Un tema crudo y difícil que Villeneuve logra hacer comprender como algo sencillo. Una película demoledora, dolorosa en cada uno de sus muy calculados pasos.

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(From here to the end, Spoilers) ‘Incendies’ da comienzo con la reunión de dos hermanos, Jeanne (Mélissa Désormeaux-Poulin) y Simon (Maxim Gaudette) con el notario de la madre de ambos, Nawal (Lubna Azabal), en la lectura del testamento de la misma. Nawal ha fallecido dejando un sorprendente legado en forma de último deseo hacia sus hijos, deben encontrar a un hermano del que nunca han oído hablar y a un padre que jamás han conocido. Ambos deberán perderse en el intrincado Oriente Medio, aún con las secuelas del enfrentamiento entre musulmanes y cristianos, para un encargo no demasiado bien recibido por Simon. Un viaje lleno de dolorosas revelaciones que poco a poco irán desvelándose hasta una conclusión que deja sin aliento, y en el que el recuerdo de su madre como “la mujer que canta” aún sigue dejando huella, con todo lo bueno y lo malo que ello tiene. El recuerdo de la guerra y sus víctimas, algo tan delicado y aterrador como la experiencia en sí misma.

La película fluye como si se tratase de una ecuación matemática, uno de los aspectos más inteligentes del conciso guión, para unos hijos más sorprendidos que nunca con el hecho de conocer quién fue realmente su madre. ¿Hacia dónde les llevará un viaje que no han pedido hacer? ¿Qué terrible secreto ha ocultado su madre durante tantos años y que le ha llevado a un estado casi catatónico? ¿Serán capaces de comprender lo que les espera? Todas esas preguntas y algunas más irán desvelándose en una película que utiliza las elipsis de forma magistral, al tener que llenar el espectador los huecos de lo “no mostrado” en un ejercicio que en apariencia puede resultar algo caprichoso, pero que Villeneuve hace comulgar lo escrito en su propio guión, partiendo de la obra teatral de Wajdi Mouawad, con lo que sus imágenes nos muestran. Para ello echa mano de cuidados planos secuencia y un ritmo cadencioso que jamás cae en la lentitud, al contrario, cuando uno se da cuenta la película ha pasado como un suspiro, y hablamos de dos horas y cuarto.

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‘Incendies’ está llena de instantes muy duros —sin ir más lejos el de la primera imagen, doloroso hasta decir basta y que muestra sin miramientos las crueldades cometidas en nombre de la religión, en nombre de un dios que hace tiempo murió de vergüenza—, y aunque camina por el espinoso terreno de la ideología Villeneuve no condena a sus personajes, muestra las razones, las dudas, de todos a través del paso del tiempo que convierte al enemigo en amigo o vecino y a éste en eterno adversario movido por los prejuicios o la tradición de un pueblo al que la palabra sufrimiento le queda corta. No hay justificación en algunos de los demoledores actos de alguno de los personajes que pueblan ‘Incendies’, sobre todo el de cierto torturador, clave en la historia, están las circunstancias, atroces, y los bandos que uno elige en tiempos de guerra con las consabidas consecuencias.

Como toda ecuación matemática las incógnitas se despejan y la solución llega en forma de suma inesperada como un golpe directo a las entrañas en un aparentemente rocambolesco giro final que en realidad siempre ha estado delante de nuestras narices, oculto como un secreto tapado por el transcurrir de los años, losas en el alma de una mujer que creía en lo que hacía y cuyo único legado es un amor que no pudo obtener en vida de una forma digna. Un amor que nace del entendimiento. No se habla de perdón, no se habla de olvidar, sino de entender, de comprender. Y de saber de dónde viene cada uno, de la identidad.

Villeneuve volvería a hablar sobre la familia en su debut estadounidense, volviendo a utilizar al grupo Radiohead, que personalmente no me gustan, de forma muy sabia. Pronto hablaremos de ello.

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<![CDATA['La vida de Adèle', en busca del color azul]]> https://www.espinof.com/criticas/la-vida-de-adele-en-busca-del-color-azul https://www.espinof.com/criticas/la-vida-de-adele-en-busca-del-color-azul Fri, 29 Nov 2013 08:13:10 +0000 seleccionado por seberg lavida de adele

‘La vida de Adèle’ (‘La vie d’Adèle’, Abdelatif Kechiche) es, sin duda y junto a ‘Nynphomaniac’ (id, Lars von Trier’), una de las películas polémicas del año. Su flamante triunfo en la pasada edición del Festival de Cine de Cannes, donde el mismísimo Steven Spielberg quedó fascinadísimo con esta historia de amor lésbica y los posteriores comentarios sobre ‘esclavismo’ y ‘abuso’ que sus protagonistas lanzaron contra el director antes de su estreno comercial en Francia hicieron el resto. La película ha hecho mucho ruido y ha creado muchas expectativas y quizás por eso, para los que la hemos visto algo tarde ha resultado una pequeña decepción, aunque no por ello no apreciamos su intención.

La película nos cuenta la historia de Adèle, una joven de 15 años que no tiene dudas en que un chico debe salir siempre con una chica, pero cuando una noche conoce a Emma, una joven de pelo azul, sus sentimientos e identidad sexual se volverán confusos y la someterán a un juicio de valores por parte de su familia y amigos. La película nos muestra todo el crecimiento personal de la joven, el cambio en su forma de ver el mundo y la manera en la que los otros la miran y descubren. Adèle descubrirá lo que es ser adulta en una sociedad en la que no se termina de comprender su orientación sexual.

El azul es el color más cálido

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Sí, la película fue una pequeña decepción. Demasiadas expectativas y demasiadas comentarios sobre la historia de amor definitiva. Y no es así. La evolución de la relación entre Adèle y Emma termina convirtiéndose en un cliché tras otro y aunque algunos me vapuleéis y me digáis que la vida es así, lo cierto es que ya hemos visto estos tópicos más de una y de dos veces —y para ver el deterioro de una pareja, yo me quedo con ‘Blue Valentine’ (id, Derek Cianfrance, 2010)—. Esto no quiere decir que ‘La vida de Adele’ sea una mala película, al contrario, y es que tiene varios elementos estilísticos, narrativos e interpretativos que hacen que valga la pena aguantar las tres horas de metraje.

La película de Kechiche es larga y puede llegar a resultar aburrida en su evolución haciendo que el espectador pierda interés en la historia de amor de Adèle y Emma y en el paso de la primera a la edad adulta. Y es que al final, lo que resulta más interesante del film es eso: el descubrimiento de la sexualidad y los problemas que pueden acarrear las tomas de decisiones que afectarán y cambiarán la forma de ver la vida del personaje de Adèle. Por eso, la primera parte y todo ese conflicto interior de la joven Adèle que cambiará su vida para siempre es lo mejor de la película. Un descubrimiento que vendrá marcado por el color azul —el color del pelo del personaje de Emma— y que desde su primer encuentro, el azul irá apareciendo en la vida de Adèle hasta que termina de encontrarse a sí misma y que funciona a la perfección como metáfora visual de este cambio interior.

Adèle Exarchopoulos, ¿ha nacido una estrella?

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Pero lo que sin duda ha hecho de la película de Kechiche lo que es son sus dos protagonistas. Por un lado, Adèle Exarchopoulos, a la que han bautizado como la nueva ‘star francesa’ y arrasa la película como una auténtica fuerza de la naturaleza. Exhala naturalidad por todos sus poros y hace cosas que ni los más expertos podrían hacer. Y es ahí, precisamente, donde está su punto débil: tanta naturalidad e inexperiencia frente a la cámara puede llegar a causarle una mala pasada a no saber sacar recursos interpretativos en escenas que quizá requieran algo más de técnica.

Junto a ella, esta Léa Seydoux, la que se consagró como la nueva ‘star francesa’ no hace mucho y que hasta aquí no había demostrado de lo que era capaz. Eso sí, Léa sabe quedarse en un segundo plano para dejar que la Exarchopoulos despliegue sus encantos, además de establecer con ella una conexión brutal. Una química poderosa al juntar la fragilidad de la adolescente e inexperta Adèle con la grandísima presencia en pantalla de Léa Seydoux. Una pena que las tan comentadas —y largas— escenas de sexo sean eso, demasiado largas, coreografiadas y por lo tanto, poco creíbles: terminamos viendo a las dos actrices cansadas de repetir una y otra vez la misma secuencia en lugar de a sus personajes descubriéndose.

‘La vida de Adèle’
es uno de los títulos imprescindibles del año, que aunque sea larga y pierda el ritmo y contexto en su segunda parte, no deja de ser una propuesta interesante sobre el descubrimiento de la sexualidad y lo díficil que puede ser convertirse en adulto en una sociedad que no entiende muy bien por qué eres como eres.

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<![CDATA['Una cuestión de tiempo', la película que quieres ver (aunque aún no lo sepas)]]> https://www.espinof.com/criticas/una-cuestion-de-tiempo-la-pelicula-que-quieres-ver-aunque-aun-no-lo-sepas https://www.espinof.com/criticas/una-cuestion-de-tiempo-la-pelicula-que-quieres-ver-aunque-aun-no-lo-sepas Wed, 23 Oct 2013 13:45:14 +0000 seleccionado por seberg Cartel de

La comedia romántica es un subgénero que nos ha dado muchas grandes películas, pero también muchas producciones estándar con la única finalidad de apropiarse del dinero de los espectadores con una marcada debilidad hacia ellas. Lo peor de todo es que esta última tendencia ha ganado tal peso durante las últimas décadas que es difícil que no dejemos ver nuestro lado más escéptico cuando una nueva comedia romántica llega a nuestros cines, y no es que eso sea precisamente un fenómeno aislado.

Una de las comedias románticas más celebradas de lo que llevamos de siglo es la estupenda ‘Love Actually’, la película con la que Richard Curtis dio el salto a la dirección en 2003 tras muchos años centrándose en la escritura de guiones, primero en la televisión —‘La víbora negra’ (‘Black Adder’, varios directores, 1983-1989), una de las mejores sitcoms que haya tenido el placer de ver— y luego en la gran pantalla —‘Cuatro bodas y un funeral’ (‘For Weddings and a Funeral’, Mike Newell, 1994)—. En los últimos años no ha bajado el ritmo, pero lo que considero innegable es que es una de las últimas gran esperanzas para los amantes del humor y las historias románticas, siendo ‘Una cuestión de tiempo’ (‘About Time’, 2013), la última gran demostración de ello.

Una cuestión de tiempo y talento

Escena de

Únicamente tres películas en diez años, una cifra bastante discreta para alguien que había conectado a lo grande con el público con su ópera prima, pues ‘Love Actually’ consiguió una recaudación mundial de 246 millones de dólares cuando apenas había costado 40. Sin embargo, Richard Curtis había demostrado en varias ocasiones que el vil metal sí tiene importancia en su carrera, pero que no está dispuesto a permitir que sea lo que dicte su siguiente paso a dar. Seis años tuvieron que pasar hasta el estreno de la notable ‘Radio encubierta’ (‘The Boat that Rocked’, 2009), cinta en la que abordaba con el talento que le caracteriza el amor hacia la música, y más específicamente a un hecho real de lo más curioso, siendo esto lo que quizá motivó que pasase mucho más desapercibida que su primer largometraje.

No voy a negar que tenía mis dudas acerca del resultado final de ‘Una cuestión de tiempo’, ya que el entusiasmo que siento hacia las comedias románticas escritas por Curtis antes de decidir probar fortuna también en la dirección es bastante moderado. Por no hablar de su singular premisa argumental —¿un hombre que puede viajar atrás en el tiempo para intentar conquistar a la chica de sus sueños? Tan curioso como peligroso—, pero Curtis ha logrado cautivarme de nuevo, sorprenderme y jugar a su antojo con mis emociones sin que yo pudiera o quisiera hacer nada para contrarrestarlo, ya que estaba demasiado fascinado, preocupado por lo que iba a ser de los personajes —hasta el nivel de llevarme las manos a la cara como escudo invisible ante lo que temía que pudiera pasar— o incluso con las lágrimas amenazando con escapar de mis ojos.

Lo primero que hay que tener claro es que ‘Una cuestión de tiempo’ es mucho más que la historia de chico conoce chica, se gustan, él la pifia y tiene que hacer lo imposible por reconquistarla. Eso sí que tiene un peso importante en la película, pero el amor que desea exponernos Curtis va mucho más allá de lo meramente romántico, jugando su familia un papel fundamental, seguramente incluso superior a la, eso sí, deliciosa forma de iniciar y desarrollar el interés romántico de un impecable Domhnall Gleeson en el siempre complicado rol de hacer de tío normal que ha de ganarse el aprecio del espectador —muchas películas recurren a un guaperas que, salvo raras excepciones, jamás da la talla— hacia una adorable Rachel McAdams.

El amor y los viajes en el tiempo

Los protagonistas de

Para que una historia que incluya viajes en el tiempo funcione, ésta ha de incluir una serie de reglas alrededor de los mismos para que uno no se sienta estafado cuando el guión recurra a pequeñas sorpresas con la que dejarnos con la boca abierta. En el caso que nos ocupa, Curtis dosifica con genialidad la información que nos va suministrando —algo esencial para que la historia no se estanque y mantenga su encanto—, siendo su mayor debilidad en lo referente a la credibilidad un detalle totalmente ajeno a ello. Tampoco esperéis grandes indagaciones al respecto, ya que el elemento de ciencia ficción no es más que un catalizador para el lado más humano de ‘Una cuestión de tiempo’.

Bill Nighy era un actor muy poco conocido fuera de Reino Unido antes del estreno de ‘Love Actually’, pero el demencial rockero al que interpretó allí disparó su popularidad. Curtis volvió a contar con él en ‘Radio encubierta’ y tampoco ha querido prescindir de él aquí en un personaje más importante de lo que aparenta en la historia. Y es que uno de los grandes logros de Curtis como director es que sabe sacar lo mejor de sí mismos de sus actores para unos papeles por los que nunca ganará un Oscar, pero sí que les permitirá acceder al corazón del espectador, un logro mucho más importante que una estatuilla dorada tremendamente devaluada. Esta combinación entre el innegable talento de Curris para la creación de personajes cercanos y adorables y la escritura de diálogos con un reparto que consigue la ilusión de que lo que está sucediendo no es un mero artificio es lo que eleva a ‘Una cuestión de tiempo’ por encima de sus coetáneas en el subgénero de la comedia romántica.

Escena de la película

‘Una cuestión de tiempo’ jamás será una de esas películas tan comentadas que se convierte en casi una obligación el verla lo antes posible, pero sí pertenece a esa rara estirpe en la que, salvo por un par de pequeños detalles del guión, me resulta muy complicado aceptar que pueda haber alguien que no vaya a disfrutar con ella en mayor o menor medida. Una comedia romántica no ya solamente de las buenas, sino de las que deberían recordarse dentro de unos años. Una película con encanto, muy divertida y entretenida, que te tocará la fibra sensible y que, por encima de todo, te hará valorar más las pequeñas cosas de la vida, esa compañera traicionera que a veces llegamos a odiar, pero que únicamente vamos a poder tener una vez. Aprovechad las últimas horas de la Fiesta del cine para verla y, sobre todo, disfrutarla.

Otra crítica en Blogdecine:

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<![CDATA[Ben Affleck, Charlie Hunnam y la presión de los fans ]]> https://www.espinof.com/proyectos/ben-affleck-charlie-hunnam-y-la-presion-de-los-fans https://www.espinof.com/proyectos/ben-affleck-charlie-hunnam-y-la-presion-de-los-fans Mon, 14 Oct 2013 06:58:18 +0000 seleccionado por seberg Facepalm

Siempre defenderé que jamás va a existir una película que pueda gustar a todo el mundo, por lo que es mejor dejarse de debates al respecto, a no ser que sea para pasar el rato en una tarde de aburrimiento o para contrastar nuestra opinión con la de otras personas con una finalidad enriquecedora. Los comentarios atacando lo que defienda otra persona echando mano a la descalificación barata pueden servir a modo de pequeñas pullas para recordar que no nos fiamos del todo de su criterio, pero nunca como arma de destrucción masiva.

Los fans suelen ser los más propensos a recurrir a ello, ya que creen estar en posesión de la verdad absoluta sobre cualquier tipo de adaptación o continuación de una obra que aman incluso más que a sus propios hijos —si es que los tienen—. Son los mismos que dicen que jamás verán a Ben Affleck dando vida a Batman, pero luego serán los primeros en acercarse a su cine más cercano a ver ‘Batman vs. Superman’ (Zack Snyder, 2015). Es obvio que los fans van cambiando según el material de partida —no creo que haya muchos fanáticos al mismo tiempo de Batman y Christian Grey—, pero está llegando un punto en el que su presión para salirse con la suya está llegando a unos límites irracionales, lo cual amenaza con sacar a la luz la cobardía de alguno de sus implicados.

Dos formas muy diferentes de lidiar con los fans

Charlie Hunnam

Ahora todo el mundo le conocerá como el de las 50 sombras y no como el puto amo de Sons.

danigarcia78

Ese fue el comentario mejor valorado por vosotros cuando os comenté el fichaje de Charlie Hunnam y Dakota Johnson para protagonizar el salto a la gran pantalla de ‘Cincuenta sombras de Grey’ (‘Fifty Shades of Grey’, Sam Taylor-Johnson, 2014). La situación del primero en Hollywood estaba en tela de juicio por aquel entonces, ya que ‘Pacific Rim’ (Guillermo del Toro, 2013) no había respondido a las expectativas económicas depositadas en ella, por lo que el líder del extenso reparto de la televisiva ‘Sons of Anarchy’ (Varios directores, 2008-En emisión) acabó sucumbiendo a la tentación de la fama sencilla que podría proporcionarle un personaje que a esas alturas ya estaba bastante claro lo que iba a suponer para su carrera. Tanto es así que había llegado a rechazar la primera oferta que recibió para el mismo.

Las fanáticas de la novela de E. L. James no se tomaron demasiado bien la contratación de Hunnam y empezaron un boicot para que el estudio se replantease su decisión. Si ha sido decisivo o no en su reciente abandono del proyecto es algo que seguramente nunca sabremos a ciencia cierta, pero me inclino a pensar que así ha sido y que el propio Hunnam ha sido el responsable de la decisión y no el estudio detrás de la película. ¿Qué va a pasar ahora? Pues que habrá algunos que no quieran ser segundo plato de nadie y otros que ante la problemática situación tampoco estén muy por la labor de sustituir a Hunnam, por no mencionar que muchas fans también van a estar desencantadas sea quien sea el elegido. Y no me quiero olvidar de que el rodaje debería empezar en cosa de pocas semanas. Todo problemas.

Por su parte, el anuncio de que Ben Affleck iba a ser el nuevo Batman fue un auténtico shock para todo el mundo, ya que era obvio que su elección era algo que no iba a dejar indiferente a nadie. También era de esperar que el protagonista de ‘Hollywoodland’ (Allen Coulter, 2006) iba a ser objeto de una campaña de acoso y derribo tal que muchos se hubieran acojonado. Su reacción la podéis ver en el vídeo superior, pero básicamente podría decirse que se lo tomó con filosofía y buen humor. Correcto y directo, muy alejado de la aparente cobardía indecisa de Hunnam.

Ya sabía a lo que se exponía y los fanáticos de Batman en general o de la visión del mismo realizada por Christopher Nolan no tardaron en recordar su participación en la endeble ‘Daredevil’ (Mark Steven Johnson, 2003) o su supuestamente inexistente talento para la actuación. Poco después se estrenaba ‘Runner Runner’ (Brad Furman, 2013), donde Affleck demostraba poseer un carisma no visto hasta entonces, aunque no faltarán los que incluso nieguen lo que yo veo con una verdad irrebatible. Que sea una buena elección o no acabará dependiendo tanto de él como de la propia película, porque sobre el papel George Clooney podría haber sido un Batman mucho mejor que Michael Keaton, quien también sufrió varios ataques cuando se confirmó su contratación para ‘Batman’ (Tim Burton, 1989), pero todos sabemos lo que acabó pasando.

Las consecuencias de sus actos

Si realmente ha sido el propio Hunnam quien ha decidido abandonar ‘Cincuenta sombras de Grey’, ningún otro estudio va a volver a arriesgarse a ofrecerle un papel relevante en una gran superproducción. Puede que gracias a ‘Sons of Anarchy’ no lo note demasiado por el momento, pero la serie de Kurt Sutter llegará a su fin en un momento u otro y será entonces cuando se arrepienta. Además, nos quedaremos siempre con la duda sobre si hubiese sido un buen Christian Grey, ya que una actuación hay que juzgarla tras haber visto la película y no mezclando las fantasías que tengas en tu cabeza con lo que crees que un actor podría dar de sí mismo.

En cambio, Affleck sólo puede acabar ganando con su decisión, ya que ha recibido tantos ataques que todo lo que no sea una de las peores actuaciones de la historia debería ser reconocido como una agradable sorpresa por sus innumerables detractores. Además, si los peores presagios se cumplen, siempre le quedará su creciente prestigio como director y el hecho innegable de que podrá seguir encontrando trabajo como actor pase lo que pase con ‘Batman vs. Superman’.

La ceguera del fan

Heath Ledger como Joker

Todo es blanco o negro en la cabeza de los fans más radicales y estás con ellos o contra ellos. Este extremismo es algo que siempre habría que dejar de lado, pero a veces es imposible no contaminarse por el ruido que surge a tu alrededor. La clave siempre será ofrecer una buena película que a poder ser al menos respete la esencia del material de partida —que no clonándolo al pie de la letra— y luego que se queje quien quiera, estén más o menos fundadas sus quejas.

Aquí podéis leer una cuidada selección de las reacciones que hubo en Internet tras la contratación de Heath Ledger para dar vida a Joker en ‘El caballero oscuro’ (‘The Dark Knight’, Christopher Nolan, 2008). Odio y desprecio por todos lados para una elección que difícilmente pudo ser más acertada, ya que su actuación se ha convertido ya en un icono de la historia del cine que incluso le permitió ganar un Oscar a título póstumo. La mesura y la esperanza en que sea algo mejor de lo que podamos temer es lo que debería vertebrar siempre nuestras reacciones incluso ante noticias que a primera vista puedan parecernos un disparate. A veces incluso tendremos razón en nuestros prejuicios, pero dejemos de ejercer como adivinos y disfrutemos más del presente en lugar de centrarnos en criticar un futuro del que nada sabemos.

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<![CDATA['Cómo conocí a vuestra madre', un fin de semana para recordar]]> https://www.espinof.com/series-de-ficcion/como-conoci-a-vuestra-madre-un-fin-de-semana-para-recordar https://www.espinof.com/series-de-ficcion/como-conoci-a-vuestra-madre-un-fin-de-semana-para-recordar Wed, 25 Sep 2013 07:00:26 +0000 seleccionado por seberg HIMYM

Un sentimiento de nostalgia anticipado nos invade cuando conocemos que nos adentramos en la última temporada de una serie, sobre todo si esta nos ha acompañado durante un buen número de años. Es el caso de ‘Cómo conocí a vuestra madre‘, que el lunes estrenó su novena y última temporada con un doble episodio que sentó las bases de lo que nos depararía el resto del curso. Todo indica que ninguno de los episodios se librará de ese aire de despedida, sobre todo porque estos supondrán una cuenta atrás hacia la boda del año y, en consecuencia, hacia el encuentro más esperado de la historia de la televisión.

La apuesta de esta temporada es que vivamos esa espera casi en tiempo real, una decisión arriesgada que podría jugar en su contra, ya que podríamos asistir a una saturación melodramática que no estuviera a la altura de las circunstancias. De momento, esto no ha sido así, y ‘Cómo conocí a vuestra madre’ ha vuelto con ganas de ofrecer una buena despedida y con promesas de que en los próximos capítulos tendremos sorpresas, alguna que otra locura y sobre todo, un mayor acercamiento a la madre, que ya se ha dejado ver como una más, dando un juego que suponemos que se sucederá constantemente en el futuro.

Que la novena temporada se centre en las horas previas a la boda de Barney y Robin no significa que no veamos más allá, ya que ‘Cómo conocí a vuestra madre’ vuelve a utilizar como nadie los flashbacks y los flashforwards para redondear una historia a la que ya le quedan pocos cabos sueltos. De hecho, una de las cosas que más me ha sorprendido es que ya hayamos visto a Ted con la futura madre de sus hijos, en la tierna escena que cerraba el segundo episodio y que demostró que la presencia de La Madre será muy recurrente en todos los episodios y no precisamente en el mismo plano temporal.

Hasta el momento, parece que Cristin Milioti se ha adaptado bien al resto del reparto regular. Su personaje ya ha mostrado pequeñas dosis de encanto que si se mantienen no hará más que aumentar el deseo de que llegue el esperado encuentro. También es un acierto que se siga recurriendo a personajes del pasado, como el hermano de Barney, que cuentan con su invitación para asistir a la boda y que seguiremos viendo durante el resto de episodios, provocando que la despedida se haga aún más grande.

Con los dos primeros capítulos emitidos hasta el momento, ‘Cómo conocí a vuestra madre’ ha comenzado a gastar los últimos cartuchos que le quedan, provocando un buen arranque de temporada que promete bastante y que de momento ha cumplido las expectativas que ha levantado con las novedades de su última temporada. La carrera de Marshall por llegar a Nueva York o las inseguridades de Barney y Robin de cara a su enlace ya han dado sus primeros frutos y todo parece indicar que es el principio de una temporada que no pasará inadvertida, como sí ha ocurrido con algunas de las que ha tenido la serie en el pasado. Que La Madre esté presente es un aliciente y si todo sigue como hasta ahora sería la guinda de un pastel muy dulce que vamos a poder degustar durante este curso.

En ¡Vaya tele! | ‘Cómo conocí a vuestra madre’ promociona su último saludo… sin la Madre

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<![CDATA[Cine en el salón: 'Stoker', alcanzar la madurez ]]> https://www.espinof.com/criticas/cine-en-el-salon-stoker-alcanzar-la-madurez https://www.espinof.com/criticas/cine-en-el-salon-stoker-alcanzar-la-madurez Wed, 18 Sep 2013 05:36:50 +0000 seleccionado por seberg Stoker cartel

Supongo que para cualquiera que ya la haya visto, la aclaración siguiente sobrará de principio a fin; pero para aquellos que todavía no hayan tenido la oportunidad de deleitarse con la suma elegancia de sus imágenes, valga precisar que el titular de la presente crítica no hace referencia desde ningún ángulo a que la labor de Chan-wook Park haya alcanzado la plena madurez cinematográfica, ya que insinuar tal cosa sería hacerle flaquísimo favor a esa obra maestra que es ‘Oldboy’ (‘Oldeuboi’, 2003) y al fascinante mundo que el cineasta coreano desplegaba tanto en ‘Simpathy for Mr.Vengeance’ (‘Boksuneun naui geot’, 2002) como en ‘Sympathy for Lady Vengeance’ (‘Chinjeolhan geumjassi’, 2005).

En su lugar, ese “alcanzar la madurez” incide directamente en la trama de ‘Stoker’ (id, 2013), primera incursión de Park en el mercado norteamericano y una propuesta que, como sus producciones anteriores, versa sobre una de tantas formas diferentes que puede adquirir la venganza, apoyándose para la ocasión el realizador en un guión ajeno firmado por Wentworth Miller —el hermano pequeño de ‘Prison Break’ (id, 2005-2009)— que encaja de forma precisa con las obsesiones temáticas del coreano y que, al tiempo, sirve como perverso homenaje de guionista y cineasta a uno de los clásicos indiscutibles de Hitchcock, ‘La sombra de una duda’ (‘Shadow of a Doubt’, 1943).

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Y no es que uno quiera ver préstamos dónde no los hay —como suele pasar en muchísimas ocasiones cuando nos ponemos a elucubrar sobre éste o aquél filme— sino que es el propio Miller el que confirma las más que evidentes deudas de su historia para con aquella que Thornton Wilder, Sally Benson y Alma Reville, la esposa del cineasta británico, pusieron en pie a partir del texto original de Gordon McDonell, afirmando que:

El punto de partida es ‘La sombra de una duda’. Ahí es donde empezamos y después tomamos una dirección muy, muy diferente.

No debería extrañar pues a nadie que en algún momento de su vida de cinéfilo haya disfrutado con el delicioso thriller interpretado por Joseph Cotten y Teresa Wright el encontrarse en ‘Stoker’ con la singular relación entre una adolescente bastante perspicaz y su tío, que tiene mucho que ocultar. Las coincidencias entre ambas cintas se mueven pues entre lo evidente, como que el protagonista masculino reciba el mismo nombre, el de tío Charlie, y el espectro de lo perceptible, caso de la forma en la que se trata la relación entre la joven India y el misterioso hermano de su padre, caso de algún detalle visual y auditivo que reclama para sí ciertas ideas del “maestro del suspense”.

Stoker 2

El alucinante y cristalino diseño de sonido del filme, justificado a través del personaje de India, personaje central encarnado con singular maestría y turbador carácter por Mia Wasikowska, es uno de esos puntos de contacto del filme de Park con ciertas ideas derivadas de la idiosincrasia hitchcockiana —el momento en el que un tren prorrumpe en la pantalla nos evoca a esa metáfora de la sexualidad que era el ferrocarril para el director británico— llevando el director coreano de mano del correspondiente departamento dicha idea hasta el más absoluto paroxismo, siendo la sonoridades durante el metraje las responsables de jugar con el espectador o las encargadas de transmitir, antes que la propia imagen, lo que está ocurriendo en pantalla, aunque ésto se haga de forma tan sutil que casi no seamos capaces de percibirlo.

En ambos sentidos, el del juego y la anticipación, encontramos varias secuencias brillantes a lo largo de la cinta aunque, por méritos propios, las que se elevan como claras vencedoras en ambos terrenos son la de tío y sobrina tocando el piano en el primer caso —brillante aquí la minimalista música de Clint Mansell imitando los modos de Philip Glass, primer compositor asociado a la producción— y la de la ducha en el segundo, minutos éstos últimos en los que, a través de un habilísimo uso de la metonímia visual, Park consigue despistar por completo al espectador sobre lo que realmente estamos contemplando.

Stoker 3

En uno y otro terreno, y lo afirmaba al principio, la extrema elegancia de la que hace gala Chan-wook Park sirve para atrapar al espectador desde el primer minuto de proyección en la tela de araña de engaños, traiciones, crímenes y herencias genéticas sobre las que el guión de Miller va apoyándose. Y si bien el libreto del artista no es el colmo de la originalidad, y no resulta nada complicado anticiparse en todo momento a las veredas por las que la trama va discurriendo —aunque haya que valorarle en su justa medida la metafórica evolución del personaje de India—, es ‘Stoker’ uno de esos filmes en los que la historia, con todas sus fallas, queda completamente subyugada a cómo se nos transmite por parte de un director que no escatima en recursos para sorprendernos a cada minuto de proyección.

Y así, unidas a las citadas secuencias de la ducha —un prodigio de montaje, todo sea dicho— y el piano, que destila un erotismo bestial, se unen otras como la del motel, el “revelador” flashback o, cómo no, ese clímax que, rodado con igual ritmo letánico que el resto de la película, consigue elevar la tensión hasta límites inexistentes en el guión, logrando hipnotizar al respetable de tal manera que no nos queda más remedio que permanecer atentísimos a la pantalla aunque sepamos de sobra cómo va a discurrir todo.

Stoker 4

Añadido al ejemplar trabajo de Park, la labor de la terna de actores resulta igualmente encomiable. Ya hemos comentado algo más arriba lo que Mia Wasikowska alcanza con el personaje de India, demostrando que lo insufrible de su Alicia se debía poco a ella y mucho a los excesos de Tim Burton. Como su aletargada madre, Nicole Kidman resulta efectiva y por momentos brillante, aunque para apreciar su interpretación haya que ignorar en ocasiones esos labios hiper-deformados por mano de los excesos quirúrgicos. Completando la terna, la actuación de Matthew Goode palidece, aunque no en demasía, con respecto a las de sus dos partneaires femeninas, aunque hay que valorarle al actor la capacidad para, sin cambiar de expresión, conseguir enervar al espectador.

No estará a la altura de ‘Oldboy’ —mucho le va a costar a Chan-wook Park superar la alargadísima sombra que sigue proyectando este grandioso filme— pero ‘Stoker’ es un ejercicio en preciosismo cinematográfico que, apoyado en un guión que funciona y al que poco más se le puede pedir, logra cautivar con unas imágenes que sí cuentan con la misma fuerza que las de la obra maestra del coreano. Habrá que seguir esperando a que el director encuentre un guión a la altura de su talento para volver a felicitarnos por otro logro redondo de tan singular artista.

Otra crítica en BlogdeCine

‘Stoker’, la sombra de una duda

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<![CDATA['The East', Ellen Page, Alexander Skarsgård y ecoterrorismo]]> https://www.espinof.com/proyectos/the-east-ellen-page-alexander-skarsgard-y-ecoterrorismo https://www.espinof.com/proyectos/the-east-ellen-page-alexander-skarsgard-y-ecoterrorismo Sun, 02 Oct 2011 20:40:44 +0000 seleccionado por seberg ellen-page-alexander-skarsgard

Esta semana se ha sabido que Ellen Page se incorpora al reparto de ‘The East’, así que ya tenemos un proyecto interesante en el horizonte. La joven actriz, a la que veremos en lo próximo de Woody Allen (y está fantástica en ‘Super’, una comedia muy gamberra que pudo verse en Sitges 2010 y que debería haberse estrenado ya en España), dará vida a una “ecoterrorista” en un thriller de Fox Searchlight que han escrito Zal Batmanglij y Brit Marling, una actriz que está dando mucho que hablar con su trabajo en ‘Otra Tierra’ (‘Another Earth’). Ridley Scott y su hermanico Tony se encuentran entre los productores.

Marling también será una de las protagonistas de la película, dando vida a una agente de policía que se infiltra en un grupo de ecologistas radicales que empieza a poner nerviosas a las grandes corporaciones; su misión se complica cuando intima demasiado con el líder de la banda. Alexander Skarsgård es el otro actor que ha sido confirmado hasta el momento. Conocido por la serie ‘True Blood’, poco a poco está consiguiendo papeles de cierta relevancia en el cine (‘Melancolía’, ‘Battleship’...), y en ‘The East’ dará vida a ese líder del que se enamora la infiltrada, y que previamente había mantenido un romance con el personaje de Page, lo que quizá provoque tensión entre las dos chicas, y a partir de ahí se acabe descubriendo la verdadera identidad de la policía. Ya veremos, igual se llevan estupendamente.

De la puesta en escena se encargará Batmanglij, quien debutó como director recientemente, con el drama ‘Sound of My Voice’ (2011), igualmente coescrito y coprotagonizado por Marling.

PD: El papel de Page se le ofreció primero a Felicity Jones, pero no estaba disponible para las fechas del rodaje.

Vía | Comingsoon

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<![CDATA[Sundance 2013 | Palmarés]]> https://www.espinof.com/otros-festivales-de-cine/sundance-2013-palmares https://www.espinof.com/otros-festivales-de-cine/sundance-2013-palmares Mon, 28 Jan 2013 11:51:34 +0000 seleccionado por seberg Una imagen de la película Fruitvale

El Festival de Sundance cerró su trigésima edición este pasado domingo, tras diez días y más de cien largometrajes de producción independiente. El título con el que tenemos que quedarnos este año es ‘Fruitvale’, ópera prima de Ryan Coogler. La película logró los premios del jurado y del público en la sección de drama. La historia está basada en un hecho real, la muerte de un joven negro abatido por la policía. Los hermanos Weinstein la han comprado así que ya tenemos la primera candidata fija en los Oscar de 2014.

Entre los documentales sobresale igualmente un título, ‘Blood Brother’, de Steve Hoover, ganador de los premios del jurado y del público en su categoría. La película gira en torno a un hombre que abandona su vida en Estados Unidos para vivir en la India y ayudar a un grupo de niños enfermos de SIDA. También se ha llevado un galardón ‘Pussy Riot – A Punk Prayer’, de Mike Lerner, un documental sobre el grupo femenino ruso que el verano pasado causó un escándalo pidiendo la dimisión de Putin en una catedral ortodoxa, motivo por el cual tres de sus componentes fueron encarceladas. A continuación os dejo el palmarés de Sundance 2013:

  • Gran premio del jurado de drama (EE.UU.): ‘Fruitvale’


  • Gran premio del jurado de documental (EE.UU.): ‘Blood Brother’

  • Gran premio del jurado de drama (internacional): ‘Jiseul’

  • Gran premio del jurado de documental (internacional): ‘A River Changes Course’


  • Premio del público en drama (EE.UU.): ‘Fruitvale’


  • Premio del público en documental (EE.UU.): ‘Blood Brother’


  • Premio del público en drama (internacional): ‘Metro Manila’


  • Premio del público en documental (internacional): ‘The Square’


  • Premio a la mejor dirección de drama (EE.UU.): ‘Afternoon Delight’


  • Premio a la mejor dirección de documental (EE.UU.): ‘Cutie and the Boxer’


  • Premio a la mejor dirección de drama (internacional): ‘Crystal Fairy’


  • Premio a la mejor dirección de documental (internacional): ‘The Machine Which Makes Everything Disappear’


  • Premio especial del jurado a la mejor interpretación: Miles Teller y Shailene Woodley por ‘The Spectacular Now’


  • Premio especial del jurado por diseño de sonido: Shane Carruth y Johnny Marshall por ‘Upstream Color’


  • Premio especial del jurado internacional en documental: ‘Pussy Riot – A Punk Prayer’


  • Premio del público al mejor cortometraje: ‘Catnip: Egress to Oblivion’ (abajo lo tenéis entero)

Podéis consultar el resto de los premiados en la web oficial de Sundance.

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<![CDATA['La espuma de los días', de Michel Gondry, tráiler y cartel]]> https://www.espinof.com/trailers/l-ecume-des-jours-trailer-y-cartel-de-la-nueva-pelicula-de-michel-gondry https://www.espinof.com/trailers/l-ecume-des-jours-trailer-y-cartel-de-la-nueva-pelicula-de-michel-gondry Fri, 25 Jan 2013 23:35:15 +0000 seleccionado por seberg El cartel de La Espuma de los Días (L

No os perdáis este tráiler. Es el primer y esperado avance de ‘La espuma de los días’ (‘L´écume des jours’, 2013), la nueva película de Michel Gondry tras ‘The We and the I’ (2012), cuyo estreno sigue pendiente en España.

Mi compañero Mikel nos informó el año pasado sobre ‘La espuma de los días’ (‘Mood Indigo’ en el mercado internacional) cuando nos trajo las primeras imágenes oficiales. Se trata de una adaptación de la novela homónima de Boris Vian publicada en 1947 y editada en España con el título ‘La espuma de los días’. La trama gira en torno a Colin, un millonario inventor de un extraño instrumento musical conocido como “pianocktail”. Se casa con Chloe pero ella cae enferma durante la luna de miel, y el único tratamiento posible es rodearla siempre de flores frescas, algo que hará que su fortuna vaya reduciéndose de forma alarmante…

Con ese argumento, el tráiler, el cartel y Gondry al mando —a todos nos encanta ‘¡Olvídate de mí!’ (‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’, 2004), ¿verdad?—, para mí esto tiene ya la etiqueta de imprescindible, pero es que además el reparto está encabezado por algunas de las estrellas actuales del cine francés, como Audrey Tautou, Romain Duris, Gad Elmaleh y Omar Sy —al que recordaréis por ‘Intocable’ (‘Intouchables’, Olivier Nakache, Eric Toledano, 2011)—. Sin duda estamos ante uno de los estrenos más atractivos de 2013. En Francia la podrán ver a partir del 24 de abril, de momento no hay fecha para nuestro país.

PD: Ya hay una versión cinematográfica de ‘La espuma de los días’; la dirigió Charles Belmont y se estrenó en 1968.

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<![CDATA['Inside Llewyn Davis', tráiler y cartel de la nueva película de los hermanos Coen ]]> https://www.espinof.com/trailers/inside-llewyn-davis-trailer-y-cartel-de-la-nueva-pelicula-de-los-hermanos-coen https://www.espinof.com/trailers/inside-llewyn-davis-trailer-y-cartel-de-la-nueva-pelicula-de-los-hermanos-coen Thu, 24 Jan 2013 15:53:58 +0000 seleccionado por seberg Imagen con un cartel de

Hemos tenido que esperar más de un año desde que tuvimos las últimas noticias sobre ‘Inside Llewyn Davis‘, la nueva película de Joel y Ethan Coen, pero hoy la paciencia se ha visto recompensada con la aparición de su tráiler y primer cartel.

‘Inside Llewyn Davis’ está basada en ‘The Mayor of MacDougal Street‘, un libro de memorias escrito por Dave Van Ronk centrado en el auge de la música folk en la ciudad de Nueva York durante los años 60 del siglo pasado. El propio tráiler nos recuerda este punto con la brillante utilización de un tema del gran Bob Dylan. Ya entrando en apuntes más específicos, Oscar Isaac da vida al Llewyn Davis del título, quien tiene una problemática relación amorosa con el personaje interpretado por Carey Mulligan.

Una de las grandes curiosidades sobre la película es que los hermanos Coen han preferido no someterse a los designios de ningún gran estudio de Hollywood, ya que han financiado la película con el apoyo de Canal + y sin la garantía de tener un distribuidor en Estados Unidos. Un movimiento valiente que espero que no acabe volviéndose en su contra. En el reparto, aparte de los ya mencionados Isaac y Mulligan, podremos ver a Justin Timberlake, Garrett Hedlund, John Goodman, F. Murray Abraham y Adam Driver.

El próximo sábado 9 de febrero tendrá lugar el primer pase con público de la película, pero aún se desconoce cuándo tendrá lugar exactamente su estreno. Se espera que sea uno de los títulos más llamativos del próximo Festival de Cannes, pero eso es algo que aún está por confirmar.

Vía | The Film Stage

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