Aunque ahora el thriller español está tan establecido en la industria que se generan películas ya con precisión algorítmica (además de ausencia de textura peligrosa), nada de este fenómeno sería posible sin el cine quinqui. Las expresiones intensas y crudas de la realidad social convertidas en explotación de calidad que dieron imprescindibles como ‘El pico’.

Picados hasta la muerte

Eloy de la Iglesia firma una incunable del cine quinqui y una de las mejores películas españolas de la historia haciendo buen uso de su cine callejero y de un reparto que incluye a José Luis Manzano y Enrique San Francisco. Un clásico que se puede ver hoy en televisión a partir de las 22:30 a través de Be Mad, además de en streaming a través de FlixOlé.

Paco y Urko son dos jóvenes del Bilbao de la década de los ochenta adictos a una heroína que circula por las calles con virulencia. Para Paco es un problema especial, ya que su padre es comandante de la Guarcia Civil y espera que siga sus pasos, por lo que escapa equipado con su pistola, desencadenando una odisea urbana peligrosa.

De la Iglesia no tenía demasiados remilgos para dejar que la letra entrase con sangre. O con melodrama bien cargado, eliminando aspectos sutiles pero convirtiéndolos en autenticidad y empatía de clase con la cercanía de su cámara. La suciedad de sus imágenes acercan en ocasiones la situación al docudrama.

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El thriller ibérico se ha convertido en el gran género de la industria española

Con este explosivo cóctel no sólo refleja la realidad social que se vivía con la drogadicción, especialmente en áreas como la región vasca, sino que condensa una España de aparente cambio pero dinámicas imperturbables. Los policías se vanaglorian de que su situación ha mejorado incluso tras Franco y la juventud está abandonada a su suerte.

Llano y sin contemplaciones, la contundencia visual y tonal de De La Iglesia vuelve a ‘El pico’ un cañonazo directo a la boca del estómago. Thriller bruto, pero con ideas claras y maneras de que plasmadas te revuelvan las entrañas y te importen personajes más allá de la precariedad actoral de sus intérpretes. Un punto de referencia que sigue siendo asombroso.

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Después de competir por la Palma de Oro en la pasada edición del Festival de Cine de Cannes, 'El ser querido', la nueva película de Rodrigo Sorogoyen, acaba de estrenarse y ha empezado su recorrido en las salas de cine con muy buen pie. El director de 'As bestas', 'El Reino' y 'Antidisturbios' vuelve a la gran pantalla con una historia protagonizada por Javier Bardem y Victoria Luengo que explora una relación paterno-filial marcada por años de distancia, las heridas del pasado y un intento de reconciliación.

Y parece que al público le ha convencido, llevándola a ser el mejor estreno de una película dirigida por Sorogoyen, superando incluso a 'As bestas'. También ha sido uno de los mejores comienzos para una película protagonizada por Javier Bardem, pero hay algo todavía mejor: que ha fascinado incluso a los que se dedican al cine. 

Álex de la Iglesia se queda sin palabras

'El ser querido' cuenta la historia de Esteban Martínez (Javier Bardem), un prestigioso director de cine cuyo enorme talento convive con un pasado marcado por la violencia y los excesos. Cuando decide contratar para su nueva película a su propia hija, Emilia (Victoria Luengo), una actriz que atraviesa dificultades profesionales, ambos vuelven a encontrarse después de cinco años de distanciamiento. Y lo que en principio podría convertirse en una oportunidad para reconstruir su relación pronto hace aflorar todos los conflictos que habían permanecido enterrados durante ese tiempo. 

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Rodrigo Sorogoyen, director de 'El ser querido': "A Javier Bardem solo le dijimos: Padre e hija, abandono, mundo del cine. Y le interesó"

La película, que dura 2 horas y 15 minutos, llegó a los cines ayer 26 de agosto después de competir por la Palma de Oro en Cannes y se ha convertido rápidamente en una de las películas españolas más esperadas del año. En su primera jornada, 'El ser querido' fue la segunda película más vista en España, solo superada por 'Tadeo Jones y la lámpara maravillosa'. 

Entre los que ya la han visto se encuentra Álex de la Iglesia, que reconoce que la película de Sorogoyen le ha afectado especialmente. En una publicación de Instagram después del visionado, De la Iglesia escribió: "El ser querido es apabullante. Es tan buena a tantos niveles que me cuesta explicarlo", antes de reconocer hasta qué punto se había sentido identificado con lo que cuenta la película.

"Al margen de que me implique personalmente hasta el punto de pensar que se han basado en mi propia vida, el trabajo de Rodrigo es tan enorme que me obliga a desmerecer todo lo que he visto anteriormente sobre cine sobre cine"

Y el director no se quedó ahí. Después de confesar que ya consideraba a Sorogoyen "uno de los grandes", De la Iglesia aseguró que la nueva película había cambiado incluso su percepción sobre su propia trayectoria. "Después de ver su ultima película solo puedo decir con calma: eres extraordinario. Gracias por ayudarme a entender mi vida". 

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Voy a ser padre. Esta frase, que hace unos años habría sido el inicio de mi historia de terror particular, hoy es todo lo contrario. Quiero tener a mi hija en las manos. Cantar, leer, pasear, ver su primera película juntos, desesperarme, reír, llorar, amar sin control: todo el espectro de sentimientos humanos, unidos en una persona que aún no existe. Quizá por eso 'El ser querido' me ha tocado tan de cerca, lanzando sus bombas de dolor, tensión y buenas voluntades tiznadas con la negrura de una relación irremediablemente rota, que no puede suplir 13 años de abandono con una oportunidad y una caricia en la espalda. Porque no me queda otra que cruzar los dedos para no acabar así.

El ser poco querido

Rodrigo Sorogoyen e Isabel Peña lo han vuelto a conseguir. Han creado una película infinita, que en su prisma de emociones es capaz de lanzar todos sus reflejos en mil direcciones diferentes e inesperadas. Lo que empieza con una larga conversación en un restaurante de lujo entre la tensión y los reproches acumulados durante años termina en una tienda de campaña de rodaje, con un sándwich barato y la desnudez sentimental de quien siempre sentirá algo (aunque solo sea el anhelo de ser querida), pero nunca lo suficiente como para aguantar más. Esteban, atormentado por un pasado que le obligan a recordar. Emilia, deseando agradar a la figura paterna que teme (y teme querer) hasta el punto de imitar sus cumplidos delante de un espejo. 

Esta relación repleta de espinas funcionaría en cualquier otro ámbito, pero Sorogoyen demuestra una inteligencia increíble al desarrollarla en el mundo del cine, un arte que se tambalea como su relación. Sí, el punto de partida es el mismo que el de 'Valor sentimental'. Pero a partir de la misma sinopsis, Sorogoyen y Joachim Trier hacen cosas totalmente diferentes, aunque igualmente fantásticas (personalmente diría que la española es incluso mejor y más incisiva, pero va por gustos). No es una competición: son maravillas que de alguna manera se complementan, dando visiones distintas de una paternidad fría, distante y que pretende dominar la situación pese a su ausencia consciente.

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Pero 'El ser querido' no sería la gran película que es si no fuera por la brutal, fantástica y arrolladora interpretación de Javier Bardem, que demuestra una vez más que merece estar en la cumbre (sin dejar de lado a Victoria Luengo, claro). En todo momento, sin necesidad de que el guion lo explicite, podemos notar la contención de su personaje para no repetir conductas tóxicas, obligándose a no repetir comportamientos de su pasado (literalmente, en el caso del audiocomentario), aterrando a cualquiera en la escena del rodaje que sale mal, haciendo las paces de la única manera que sabe: pidiendo perdón a posteriori con halagos, prometiendo que será la última vez, que no volverá a pasar. Que esta vez es de verdad. Bardem solo necesita una mirada para convencernos de que es el mejor actor español vivo, y posiblemente de la historia. Y, efectivamente, por redundante que sea, el séptimo Goya debería estar al caer.

Cámara, reproches y acción

Aunque en Cannes quedó tristemente opacada por 'La bola negra', el estreno de 'El ser querido' es un acontecimiento que debe ser celebrado. Sorogoyen ha evolucionado tanto como director delante de nuestros ojos que se atreve a hacer auténticas virguerías no solo con el guion o la dirección de actores, sino también con el montaje (esos planos en blanco y negro que dejan su interpretación abierta, esos cambios de formato), una espectacular fotografía y, especialmente, un diseño de sonido magistral donde da rienda suelta a todo un imaginario de texturas, timbres y tonos que no pueden pasar desapercibidos. Este es el trabajo de un artesano que utiliza cada herramienta a su disposición para crear la mejor película posible. En tiempos de austeridad y fast food, es un acto de pura valentía y confianza en el público.

Sería muy fácil envolver esta película en el tópico cada vez más utilizado y absurdo, de "carta de amor al cine". De hecho, no tengo claro que lo sea tanto como un manifiesto sobre la realidad que surge al crear arte, un arte imperecedero que lleva de manera inevitable a enfrentarte con la realidad de quien eras. Una persona que reconoces en ti mismo, aunque desearías no hacerlo, que vive ahora en rumores, habladurías y anécdotas, pero de la que quedan retazos cuando las cosas van mal. Sin embargo, 'El ser querido' también es una llamada desesperada a las últimas oportunidades, a ese amor que vive entre los márgenes de la tensión y que no puede reconstruirse con grandes gestos porque, aunque los dos pretendáis que sí, ya está completamente extinguido.

Es cierto que esta película corre el riesgo de ser excesivamente metalingüística para el gran público, que pueda sentirse algo expulsado de la narrativa. Sin embargo, a medida que el cine se va convirtiendo cada vez más en un entretenimiento de nicho, es lógico que dé vueltas sobre sí mismo. Que hable sobre cómo las máscaras se caen cuando la cámara se acerca, que insista en que la comida tiene que comerse con ganas dentro de un plano y que subraye que algunas películas encuentran su mensaje después de hacerse. Sorogoyen ha vuelto a demostrar por qué cada una de sus películas es una auténtica celebracion: esta es una de sus mejores obras, una auténtica gozada que removerá conciencias, fascinará a los más cinéfilos y dejará un pequeño gran vacío interior en cada espectador. Todos queremos una segunda oportunidad. En el fondo, todos sabemos que acabaría igual que esta.

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Pocas veces se encuentra uno en esta industria a alguien tan bajado a tierra como Rodrigo Sorogoyen. Sí, tiene un puñado de Goyas, sus películas y series son queridas por crítica y público y 'El ser querido' es una auténtica barbaridad, una explosión de talento en estado puro, pero él no deja de ser un contador de historias profesional, un tipo humilde, simpático y sonriente apasionado por lo que hace.

Por eso fue tal gustazo compartir con él unos minutos charlando sobre el cine, el espectacular diseño de sonido de su última película, el Sáhara, el pasado y mis críticas en Letterboxd. ¡Espero que disfrutéis leyendo la entrevista tanto como yo haciéndola!

El cine querido

Randy Meeks (Espinof): Al principio de la película, Esteban directamente interpela al público afirmando que hay muchos que han dejado de ir al cine, en una película que trata sobre la liberación y el trauma de hacer películas. ¿Crees que a medida que se convierte en un hobby más de nicho el cine hablará más sobre sí mismo?

Rodrigo Sorogoyen: Buena pregunta. Son este tipo de preguntas que hacéis mucho y que me hacen sentir tonto porque la respuesta es "Sí" y ya está. O sea, me parece una reflexión muy interesante. Yo no lo había pensado pero sí, tiene sentido. Cuanto más de nicho, pues más nos ensimismamos nosotros. No voy ni a criticarlo, ni a decir que es bueno o malo porque puede haber bonitas historias. 

Creo que las va a haber, que no va a haber peligro de que el cine desaparezca, pero efectivamente cada vez hay películas más metacinematográficas, como 'Valor Sentimental', por ejemplo. De repente hay muchas después de ella, empezaron a salir películas de "el director de cine tal", "la directora qué tal", "la escritora...". Estamos muy ensimismados, y seguramente tiene que ver con lo que tú has dicho, ¡yo no había llegado a esa conclusión!

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RM: ¿Y entonces, a qué se debe que quieras reflexionar sobre el cine en esta película?

RS: No lo sé. No se debe a que yo quiera reflexionar sobre el cine. Se debe a que amo el cine, pero de una manera inconsciente. Estábamos buscando un contexto para este padre y esta hija. Podrían haber sido zapateros o abogados y dijimos "No, creo que tienen que ser cineastas por la importancia del relato". Para nosotros la historia era muy importante, el relato era muy importante en la historia de este padre y esta hija. 

Ella tiene un relato, él tiene otro. Ella está buscando todo el rato que él escuche su relato. Él no quiere escuchar ese relato... Entonces, qué interesante era que fueran cineastas, qué interesante era que se dedicasen a contar un relato en una isla, que todos los días se levantaran para contar un relato. Y ella le ayuda a él a contar ese relato, mientras ese padre y esa hija tienen que acercar los suyos propios. 

Me interesa el mundo del cine, me interesa mucho. De hecho, fui yo quien se lo propuso a Isabel porque lo primero era este padre, esta hija, un padre que abandona... ¿Y a qué se dedica? Dije: "Tía, es que yo tengo la idea de un corto que quiero hacer sobre un rodaje". Y ella respondió: "Hostia, un rodaje todo". Y ahí es cuando llegamos a la conclusión de que podía estar bien que él fuera director. Es un padre que mira, es un padre que ordena; es un director que mira, es un director que ordena. Y ella se quiere sentir mirada, pero se pregunta "¿Estoy siendo mirada por ser actriz o por ser hija?". Otra cosa es que a mí el mundo del cine me interesa como oficio y como caldo de cultivo, pero siempre, en todas las decisiones, lo intentamos poner al servicio de la historia.

Un paseo por el Sáhara

RM: Hay una escena en particular, donde Esteban está rodando una comida, que tiene una tensión muy real que conoce todo el que alguna vez haya estado en un rodaje. Siempre hay días malos, días fatales. ¿Está basada en una experiencia tuya real, es un filtrado de todo lo que se oye en la industria o se trata de mera ficción pura y dura?

RS: Hombre, mera ficción no puede ser entera porque uno escucha historias, uno vive rodajes. ¡He estado en muchos rodajes! Bueno, muchos... Soy la persona que de mi equipo que en menos rodajes ha estado porque soy el director [risas]. Todos los demás han estado en más rodajes, pero a mí no me ha pasado eso exactamente. 

He vivido algún ataque de risa. Algunos sí, pero obviamente nunca ha provocado ese mal rollo. Alguno he vivido y es muy divertido al principio y luego desesperante, de decir "Ya, por favor, parad ya de reíros". Pero yo no he vivido nada parecido de la parte violenta, nada, nada, nada, ni he vivido alguna vez alguna tensión. Por supuesto, algún cabreo de "Hostia, qué mal rollo", estuviera yo en medio o no. También he visto mal ambiente entre dos personas, lo hemos tenido que hablar... Pero toda esa violencia no. Lo que pasa que uno es guionista y aplico violencias de otros mundos a un oficio. Además escucho muchas historias de rodajes y es fácil imaginárselo.

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RM: Dentro de la película se habla mucho del conflicto del Sáhara, y llama mucho la atención porque justo es un tema con el que Javier Bardem está especialmente preocupado. Supongo que te habrán hecho ya esta pregunta, pero...

RS: Muchas veces.

RM: Bueno, pues te la voy a repetir.

RS: No pasa nada.

RM: ¿Estaba esto antes en el guion o se introdujo después de que se metiera Bardem? ¿Hasta qué punto hubo un cambio sustancial en el guion o siguió todo igual?

RS: No ha habido ningún cambio sustancial en el guion. Esta es la primera vez que le hemos ofrecido una película a un actor y a una actriz, pero la actriz, como era amiga, ya sabíamos que iba a decir que sí. El actor, al ser Javier Bardem, podía decir que no. Y a Bardem solo le dijimos: "Padre e hija, abandono, mundo del cine". Y dijo: "Me interesa". Bueno, un poquito más desarrollado, pero esos tres puntos. 

"Me interesa" significa que escribamos el guion y ya vamos viendo. Entonces, al hacerlo llegamos al momento de decidir: "Vale, ¿de qué va la película que rueda?". Queríamos que fuera una película histórica. Queríamos que Martínez hablase del pasado. ¿Por qué? Porque a Martínez le interesa su pasado. Entonces, que sea una película histórica, no que sea una película actual ni futurista, del pasado. ¿De qué pasado? Del pasado de España, porque así él vuelve a España. ¿De la Edad Media, del Cid? No, algo relativamente reciente, la historia reciente de España. ¿Por qué? Porque así nos interpela más a nosotros como espectadores y a él como personaje. 

Decidimos que la historia se sitúe en el extranjero, pero que hable sobre las colonias. ¿Por qué? Para que tengan que viajar, para que tengan que ir a un lugar exótico, distinto de la ciudad de Madrid, y puedan estar compartiendo un hotel, ¿Las colonias, la historia colonial española? Muy interesante. Pues Cuba, Filipinas, Sáhara, Guinea... Dijimos: "¡Hostia, Sáhara!". En cuanto lees Sáhara se lee la palabra "Abandono" por el abandono de España. Entonces dijimos: "Ya está, no hay tu tía". Martínez quiere hablar del abandono y su manera de hablar de ello a su hija es hacer una historia en el Sáhara sobre cómo España la termina abandonando. Y luego dijimos: "Hostia, Javier Bardem es un gran defensor".

RM: Sí, sí, sí.

RS: Claro. Y dijimos: "A ver si se va a creer que hemos elegido el Sáhara para...". ¡O sea, nosotros fuimos todavía más retorcidos! No fue lo típico de "Ah, vamos a elegir este tema para que diga que sí". Al revés, pensamos "Se va a creer que somos tan burdos que le vamos a cazar por esto y se va a enfadar". Entonces decidimos: "Bueno, pues si se enfada, lo cambiamos". Y al revés, cuando se lo propusimos dijo "Me parece bien que hablemos del Sáhara". Pero por eso digo que nos hemos cuidado muy mucho de no hacer un panfleto.

RM: No, no lo es.

RS: Claro, no hablamos mucho del Sáhara. Se habla sin ninguna causa, sin ninguna ideología política en el restaurante cuando le cuenta la historia y luego se habla en la cena del rodaje con los actores. Pero ya está, no se habla más.

El sándwich de Almodóvar

RM: Sí, eso es verdad. Por cierto, hablando de restaurantes, la primera conversación de la película transcurre en un restaurante pijo con platos gourmet, y la última transcurre en una tienda de campaña negra mientras están comiendo un sándwich. Eso me encanta. Y hablando con sinceridad y relajados, mientras que la primera es todo tensión.

RS: Efectivamente.

RM: ¿Hasta qué punto este cambio simboliza la evolución de la relación entre ellos?

RS: Todo, todo. Claro, un guionista, por lo menos nosotros, pensamos mucho en eso, y nos consta que los buenos guionistas lo hacen. El entorno es muy importante, nos encantaba que el primero fuera un restaurante pijo, tenía mucho sentido. O sea, creo que también hacemos cosas (o intentamos hacerlas) que no sean forzadas. Esas escenas forzadas las odio cuando las noto en una película. Que este tío haya invitado a su hija a un gran restaurante tenía todo el sentido del mundo, es una seducción. Y decíamos: "Cómo mola que la última escena sea en un sitio totalmente alejado". 

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Aunque son dos planos-contraplanos, un hombre frente a una mujer, una mujer frente a un hombre, sentados en dos sillas, que sean dos cosas totalmente distintas. ¿Por qué son distintas? Porque la relación ha cambiado muchísimo. Si quisiésemos contar que están en el mismo punto, les pondríamos en un restaurante pijo. Y entonces, ¿dónde les podemos poner? Lo que quiero es que no haya nada más excepto ellos. La tienda esa, esa tienda donde él siempre está, esa guarida negra, ¿no? Que es además muy poco cinematográfica. Nos encanta eso, el feísmo de la tienda. Luego lo intentamos filmar de una manera cinematográfica con ese viento que suena, con esa raya en medio de la luz entrando, pero filmábamos con un fondo negro donde solo está ella, donde no hay artificios. 

Era una manera de decir: "Papá, solo estoy yo" e "Hija, solo estoy yo". Entonces la duda era "¿Cómo les metemos en la tienda?". Joder, muy sencillo. Este tipo está en la tienda y ella entra. ¿Y por qué entra? ¡Ah! porque están en un momento de rodaje. ¡Ah! Pero hay otra persona. ¡Ah! Cómo mola que esa persona se vaya porque le han llamado y se terminen quedando los dos. Está todo muy construido, pero intentando que sea lo más natural y realista posible.

RM: Tengo que decir que mi crítica en Letterboxd fue decir que toda la película es increíble, pero los sándwiches de rodaje nunca están ricos, porque Martínez dice un momento: "Uy, qué rico está este sándwich".

RS: Los sándwiches al director sí están buenos.

RM: ¡Ostras, claro, claro, no había caído! ¡Tienes razón!

RS: ¡Cámbiala! [Risas] Ya te digo yo que los sándwiches de Almodóvar están buenos, ya te lo digo yo, ¡nos ha jodido! Pues los de Martínez también.

RM: Lo voy a cambiar, prometido. [Nota: Efectivamente, la he cambiado] 

Regreso al pasado

RM: Hay un momento que me parece fantástico, donde Martínez tiene que ver su primera película y hacer un audiocomentario en el móvil a mitad del rodaje, y no lo puede grabar de seguido, tiene que hacerlo en partes porque significa enfrentarse con su propio pasado que quiere rehuir. ¿Tú también estás tan hastiado como Esteban de hablar de tu trabajo? ¿Hasta qué punto tiene valor enfrentarse con el pasado de uno aunque no esté orgulloso?

RS: No tiene mucho valor enfrentarse al pasado de uno. Creo que es lo que tenemos que hacer. Cada uno con sus circunstancias y sus posibilidades, pero es importante enfrentarse al pasado. Nos tenemos que enfrentar al pasado de manera individual y también como sociedad. Nos tenemos que enfrentar a nuestro pasado, que es una cosa que a España le está costando y es una asignatura pendiente. 

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Y a la primera parte de la pregunta, yo no estoy hastiado. La palabra hastiado... yo creo que él no es que esté hastiado, a él le cuesta enfrentarse por cómo se comportó en ese pasado, concretamente en esa película, concretamente en ese rodaje. Su hija estaba recién nacida, y es normal que a él le cueste enfrentarse. A mí, como no me ha pasado nada parecido... Hombre, me habrán pasado cosas y a lo mejor unos rodajes me recuerdan más a unas cosas que a otras, pero es bonito enfrentarse a ellas. Creo que es bonito y es necesario. 

RM: Quiero hablar del uso del montaje de sonido porque es algo que me ha vuelto loco en la película, cómo va variando entre el audio en directo de la película, que también sirve para escuchar conversaciones lejanas, luego escuchamos audio filtrado... hay como un montón de diferentes tonos y de diferentes sonidos que no suelen verse en el cine actual, y me gustaría saber cómo planeaste este ámbito en particular.

RS: Bueno, ha sido muy divertido y muy enriquecedor. Ha sido fascinante todo este trabajo que hemos hecho con el sonido. Ya lo hice en el rodaje con la imagen, intentando utilizar todas las herramientas audiovisuales. Creo que era la película para hacerlo. Creo que haberlo hecho en 'As bestas' no tenía ningún sentido, por ejemplo. Es la película para hacerlo. Es una película sobre un rodaje, es una película sobre el cine, es una película sobre el relato. Al ser una película sobre el relato, yo quería relatarla de todas las maneras posibles. Entonces, por eso están esas decisiones formales tomadas. 

Y en sonido, lo bueno es que podías tomarlas muchas de ellas en postproducción. Entonces tenías tiempo de probar. Nos hemos divertido mucho haciéndolo Fabiola Ordoyo, la directora de sonido, y yo. Hay algunas que están ya planteadas en guion, hay algunas que se me ocurrían ya en rodaje y hay otras que han nacido y surgido en la sala de sonido después, pero siempre buscando la emoción, siempre buscando el bien de la película, siempre buscando que el espectador encuentre algo enriquecedor y estimulante. 

Hemos probado muchísimas texturas, nos hemos permitido cosas, incluso hay cosas muy llamativas que las ves y otras que no, y que me encanta que simplemente el público las sienta. Por ejemplo hay una escena, en la entrevista, cuando un periodista lo entrevista a él, que está sonorizada de distintas maneras, porque está rodada con varias cámaras y con varias texturas. Hay una cámara que es Mini DV, entonces hay momentos en que el sonido (¡pero cambiando de plano a plano, de frase a frase!) parece reproducido por un mal micrófono. Y de repente estás ahí diciendo: "Hostia, ¿por qué él responde con este sonido cuando el entrevistador está preguntando con otro, con otra textura totalmente distinta?". Como si estuviese registrado con otro micrófono, con un micrófono aquí, con un micrófono allá, con un micrófono de una cámara. 

Creo que el espectador lo nota, pero no sabe qué está ocurriendo. Y luego hay otros ejemplos: hay una escena que está totalmente doblada para mostrar la incomodidad de Emilia. Hay una escena que está rodada solo en blanco y negro, que es cuando ella llega tarde al rodaje avergonzada porque le ha vacilado en el paseo marítimo con los hijos y con el helado. Entonces ella llega diciendo: "Este hombre me va a echar la bronca" y termina con él acariciándole la espalda. Esa escena está toda doblada. ¿Para qué? Para poder vaciar. 

No hay ningún sonido ambiente porque está muda. La hemos recreado en postproducción. Los pasos que se oyen son pasos de sala como si fuese el antiguo cine clásico donde todo está recreado, pum, pum, pum. Y entonces de repente ella habla y, aunque estaba rodada normal, dijimos en sonido: "Hostia, cómo mola que todos los actores doblen esto". Daba una sensación de extrañeza, de que está pasando algo raro, que me encantaba. Y luego, en cuanto vemos la caricia, todo vuelve a la normalidad.

RM: ¡Ostras!, no me he dado cuenta, ¿eh?

RS: Sí, si la vuelves a ver, tío, mola mucho.

Hastío en serie

RM: La volveré a ver probablemente, sí. Por cierto, tus últimos cinco trabajos han sido peli, serie, peli, serie, peli. ¿Ahora toca serie o vas a hacer otra película?

RS: ¡No me había dado cuenta! [Risas] No, voy a hacer otra película. Creo que hay que defender el cine. Si se me hubiese ocurrido una historia que me enamora y que es una serie, pues la haría, pero estoy un poquito harto de las series. Creo que hay tanta oferta que se ha vuelto una experiencia poco memorable o nada memorable. Tú ves tu serie en el sofá, te gusta mucho o poco y dices: "Ah, muy buena. ¿Cuál vamos a ver después?". 

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El cine se está convirtiendo en un rango tan extraordinario que las películas las recuerdas porque vas a una sala distinta, porque haces un esfuerzo en ir, porque puedes quedar con alguien... pero lo otro es todo el rato en tu sofá. Tengo que encontrar una historia que tenga que ser una serie y que me emocione para hacerla. Ahora mismo creo que hay que seguir defendiendo la experiencia cinematográfica del cine y contar historias de esa manera.

RM: Hay una pregunta que le hago a todo el mundo y que me parece que dice mucho sobre cómo cada cual ve el cine. A la hora de estrenar la película (en tu caso es distinto porque hay un montón de Q&A preparados y vais a hablar con la gente), ¿qué importancia le das a las críticas, ya sean profesionales, en redes, amateur, de Letterboxd...? ¿Las lees? ¿Prefieres no saber nada?

RS: Bueno, leo todo. No tengo redes y seguro que se me pasan cosas, pero leo mucho. Me interesa. Hay críticas malas que puedes entender, hay críticas malas que no entiendes, que dices: "Creo que no lo ha entendido" o "Esta persona lo que quiere es hacer una crítica mala y no tanto reflexionar sobre ella". Y las buenas, por supuesto. Hay buenas un poco insustanciales, que no te dicen nada, pero hay buenas que suelen ser bonitas y curradas porque notas el entusiasmo de la persona que la ha escrito, y eso te abriga el corazón y te ayuda mucho. Eso está guay. Ahora, creo que no te tienes que obsesionar con las críticas porque si no puedes pasarlo muy mal. Pero bueno, no te negaré que las leo.

RM: Pues hay gente que dice que no, eh, que prefiere irse a meditar al campo.

RS: Puede que mientan o puede que digan la verdad. Si es verdad, me parece la hostia.

¡Ah! Esta entrevista no acaba aquí, porque quedan para los próximos días otros dos extractos que creo que son de lo más interesante y que merecían artículo propio: su relación con 'Valor Sentimental' y la escena que más pena le dio cortar de 'El ser querido'. Un consejo: id a verla lo antes posible, porque merece la pena. 

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El académico Pau Brunet comentó esta mañana en X/ Twitter que el cine español vive un verano particularmente malo en taquilla, con apenas un millón de entradas vendidas. La situación de la industria nacional en las salas contrasta mucho con lo que se vive en la pequeña pantalla, donde son bastantes las producciones que consiguen asaltar las listas de éxitos de las grandes plataformas ya no solo en el país, sino a nivel mundial, permitiendo a muchos actores tener trabajo. Ese es el caso del vitoriano Unax Ugalde.

Y es que según contó en una reciente entrevista con Fotogramas, ha sido precisamente a esta ya no tan novedosa forma de consumir televisión que ha podido sobrevivir. Mejor os dejamos sus declaraciones al completo: "Yo estoy agradecidísimo. Si he sobrevivido estos últimos años no ha sido por el cine español, sino gracias a las plataformas. Es brutal el potencial que tienen de expansión".¿Significa esto que no tiene nada que reprochar a los Netflix, Prime Video y HBO Max de turno? Negativo, lo tiene.

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Ugalde siente que a la ficción española aún le cuesta reconocerse a sí misma, que seguimos sin darnos el abrazo que merecemos pese a estar compitiendo de tú a tú con las grandes potencias: "Lo que no puede ser es que dos series, una española y otra inglesa, lideren el ranking mundial y luego veas las condiciones en las que trabajan ambos equipos… Tenemos que empezar a creernos que estamos sacando productos de primera línea que están dando la vuelta al mundo". Y desde luego, ver éxitos españoles, o de países como Corea, que logran cruzar fronteras y conectar con su audiencia es una prueba de que el talento ya no entiende de geografías… pero no se paga de la misma manera.

"Era imposible caminar por la calle con aquellas audiencias"

El actor de series como 'Amar es para siempre' también recuerda en su charla con Fotogramas lo mucho que ha cambiado la profesión estos últimos años con la irrupción de las plataformas, y lo hace poniendo de ejemplo su participación en la mítica 'Periodistas' de Telecinco. "Lo que más ha cambiado es que todo es mucho más efímero, todo pasa más rápido, todo tiene menos importancia porque al día siguiente se olvida. Yo recuerdo que en ‘Periodistas’ hacíamos unas audiencias de ocho o nueve millones… Era imposible caminar por la calle con aquellas audiencias". 

Unax Ugalde estrenó a comienzos de mes La ventana abierta, dirigida por Ana Graciani, y como bien ha dicho él ha participado en varias series para plataformas. Entre ellas se encuentra 'Oasis' para Netflix, pero también podemos destacar su participación en The Night Manager (en español,'El infiltrado'), un drama de suspense y acción de la BBC y AMC que tienes actualmente disponible para su visionado en Prime Video.

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Si hablamos de sagas de animación, ninguna ha funcionado tan bien en España como 'Tadeo Jones'. De unos cortos animados que se movían con dificultad entre la parodia y el homenaje a Indiana Jones a una franquicia tremendamente exitosa que ahora estrena su cuarta película. 

'Tadeo Jones y la lámpara maravillosa' llega a los cines este 26 de agosto, siguiendo la tradición de explorar lugares lejanos, grandes ruinas, y algún girillo de tuerca con el que la saga consigue reinventarse para bien. 

La familia lo es todo

Esta 'Tadeo Jones 4' nos lleva directamente a Londres, y ya de paso nos presenta a un nuevo miembro en la familia. Siguiendo la tradición de las sagas animadas, ahora Tadeo y Sara tienen su propia hija, Oli, y a la responsabilidad de ser padres se les suma un nuevo misterio con un artefacto perdido que recuperar.

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En este caso, Sara anda tras la pista de la mítica lámpara maravillosa, que pasó de las manos de Aladino a la de las de Ali Babá y sus cuarenta ladrones y numerosos personajes han intentado hacerse con ella a lo largo de la historia. Pero durante las idas y venidas para impedir que caiga en malas manos, pues Momia formula un deseo y toda la tropa termina atrapada en el pasado.

La verdad es que nunca he terminado de entrar a trapo con la saga de 'Tadeo Jones', aunque soy perfectamente consciente de que no soy el público objetivo. Me alegro de su triunfo por lo que representa para la animación española, pero Tadeo y yo no terminamos de encajar. Aún así, 'La lámpara maravillosa' me ha sorprendido para bien en muchos aspectos, porque creo que se nota la madurez de la franquicia y los personajes, y es una película que se nota que ha sido hecha con muchísimo corazón.

A pesar de que era un tanto reticente al cambio de tener a Tadeo y Sara como padres, la familia y su amor por Oli es el gran motor impulsor de la película. Y no solo del trío en sí, sino de toda la tropa que han ido acumulando a lo largo de las anteriores entregas, con Momia, Ramona y los animalillos secuaces a remolque, que han formado un núcleo familiar poco convencional en el que al final todo el mundo es necesario.

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Es cierto que en ocasiones la cantidad de personajes con los que juega 'Tadeo Jones y la lámpara maravillosa' llega a saturar. Un error inevitable que ya hemos visto en otras sagas como 'Hotel Transilvania', porque parece que nos da miedo perder personajes y todos necesitan su momentito de lucirse a costa de sacrificar más desarrollo para los protagonistas. Especialmente para Tadeo, que aunque lleva de maravilla el papel de padre a ratos parece un personaje secundario en su propia película.

Pero, como en las anteriores entregas, la película de Enrique Gato sale de sobra a flote gracias al talento de sus actores de voz. Porque donde quizás pueda flojear más el guion, ahí están Oscar Barberán, Michelle Jenner, Luis Posada y Ana Esther Alborg para recoger el testigo, tirar con todo y conseguir que te preocupes genuinamente de sus personajes.

Aunque sigue teniendo su particular humor (y alguna pullita a la IA y las nuevas tecnologías), lo nuevo de 'Tadeo Jones' apuesta del todo por la aventura y el factor emocional. Y la verdad es que sienta genial a la saga, que parece que va perdiendo la vergüenza a desmarcarse de sus orígenes para marcar su propio ritmo más allá de ser un refrito de Indiana Jones, Lara Croft y otras aventuras de arqueólogos todoterreno.

'Tadeo Jones y la lámpara maravillosa' sale sorprendentemente bien a flote, con una aventura divertida que nos lleva de un lado al otro del globo, llena de guiños y cameos históricos bastante majos y unas cuantas sorpresitas al apostar más por la fantasía y la magia. Como película familiar, está destinada a reventar la taquilla, aunque se nota que Tadeo está creciendo por el buen camino.

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Mientras sigue habiendo mucho ruido en torno a la supuesta dominación woke del cine actual, la realidad es que se aprecia un movimiento pendular que está reduciendo la presencia de diversidad entre quien puede contar historias. Queda al menos la sensación de que muchas cineastas tienen que estar compitiendo en un nicho cada vez más pequeño y reducido.

Muchas voces nuevas conducidas hacia un terreno de cine muy mínimo, que a duras penas consigue distribución para poder llegar a un público al que claramente le beneficiaría una mayor variedad en las historias que se cuentan. Es así como acaban pasando bajo el radar películas como ‘La buena hija’, teniendo que resaltar por su cuenta entre decenas de estrenos semanales.

En medio del conflicto

Pero hay muchas cosas resaltables en la propuesta de la co-escritora y directora Júlia de Paz, que nos mete en un film de crecimiento adolescente inusual para hablar de la realidad de la violencia de género. Con Kiara Arancibia cargando buena parte de la película a sus espaldas en la que es una de las interpretaciones revelación del año, la película se puede ver en streaming a través de Movistar Plus.

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Carmela tiene que mudarse a casa de su abuela con su madre después de que esta decidiese separarse de su padre. En esta nueva situación intenta mantener todavía una cercana relación con su padre, al que idolatra por su humor y su arte. Pero conforme pasa ratos a solas con él va observando dinámicas poco agradables que empiezan a explicar la ruptura de su familia.

De Paz, que previamente estuvo acreditada como parte del equipo de guion de la miniserie ‘Querer’, explora nuevamente esas heridas latentes producidas de un contexto familiar violento. Las dinámicas de género forman conflictos subyacentes bajo lo epidérmico, hasta que llegan momentos donde emergen a la superficie.

‘La buena hija’: la herencia recibida

‘La buena hija’ es interesante por cómo afronta esta separación y esta violencia a través de alguien al que se intenta mantener todo el rato al margen de esas situaciones, o al menos que no sea testigo de ellas. Y también de alguien que está en proceso de maduración y descubrimiento personal, creando un demoledor conflicto de identidad por los miedos que surgen al considerar el dicho “de tal palo, tal astilla”.

El horror de la herencia recibida, de idolatrar alguien que no se conoce del todo, acaban articulándose estupendamente a través de la interpretación de Arancibia, que hace un gran trabajo corporal que resulta tan expresivo como su cara para plasmar los matices conflictivos de una mentalidad trastocada. Este espléndido trabajo logra aterrizar las ambiciones del relato, al igual que el uso de Júlia de Paz hace de espacios contenidos como un coche o una piscina.

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Su tendencia en ocasiones a eliminar cualquier claroscuro que complique lo que se trata de contar, o cómo algunos personajes sólo tienen presencia para avanzar el desarrollo emocional de la protagonista, la separan de sacar su mejor versión. No por ello ‘La buena hija’ deja de tener momentos escalofriantes que la hacen notable.

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Como todo adolescente rojillo de los 90 y los 00, El Jueves fue la revista que no me perdí ni una sola semana durante años y años, viviendo entre 'Tato, con moto y sin contrato', '¡Para ti que eres joven!', 'Pedro Pico y Pico Vena' y las reimpresiones de una de sus series más míticas: 'Makinavaja'. Dos páginas repletas de texto y un lenguaje único que parodiaban (desde el respeto) lo quinqui y barriobajero, por obra y gracia de Ivà, que tristemente murió demasiado joven dejándonos huérfanos y sin el Maki para guiarnos. Por suerte, incluso los que nunca han abierto un cómic disfrutaron de sus desventuras en dos películas que adaptaban a la perfección el universo de 'Makinavaja, el último choriso' y que están disponibles en Prime Video.

Pobueno, pofale

No había otra manera de hacer 'Makinavaja' que cogiendo las mejores tiras de Ivà y uniéndolas con un hilo argumental enano. La primera parte, de 1992, es, vista ahora, el vestigio de otra época, la parodia de unos personajes que ya no existen (o, al menos, no están representados en el cine): los hijos de los barrios bajos, ladrones de poca monta que viven en los bares donde se junta la calaña. Todo lo que el cine quinqui nos había enseñado que era peligroso y dramático, pasado por el filtro cómico de Ivà y Andrés Pajares. Pobueno, pofale, pomalegro.

Sí, 'Makinavaja' no deja de ser una colección de sketches, pero es tan divertida, bestia e incorrecta (no en vano hay un letrero al inicio advirtiendo de que "determinadas essenas desta pinícula puen, pol su contenío, herí la sensibilidá de pelsona esesivamente emotiva") que uno solo puede disfrutarla a carcajada limpia. En el fondo, esto es lo que le hubiera gustado ser a la saga 'Torrente': un chapuzón en los bajos fondos con un personaje tan entrañable como turbio e increíblemente carismático. Ni héroe ni antihéroe: simplemente, el navajero por antonomasia. 

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La película no deja de ser una nueva visión a la picaresca del Lazarillo de Tormes: Maki, Popeye y Matías entran en un banco a robar para pagar sus deudas con Hacienda, emborrachan a un niño para sacar dinero a la gente en un bar, sustraen varios cuadros de Miró y los acaban tirando a la basura creyendo que no valen nada... Pero además, hay hueco para hablar de la brutalidad policial, denunciar el abuso de influencias y hasta incluir sorprendentes reflexiones que, rodadas con más chufla, habrían caído en saco roto ("En un mundo podrido y sin ética, a las personas sensibles solo nos queda la estética. Vamos, que me han tocado mucho los huevos, ¿fale o no fale?"). 

Eto e un atraco, to dió al suelo

Sin embargo, tanto 'Makinavaja' como su secuela, '¡Semos peligrosos!', entienden perfectamente que la historia de estos maleantes no puede rodarse desde la ironía o la superioridad, sino desde la empatía, el arraigo y el amor por los personajes. O sea, tratar de traspasar las intenciones de Ivà casi con papel cebolla. 

Puede que en pleno 2026 choquemos frontalmente contra algunas bromas de la película (especialmente todas las que se ríen de que Maki parezca "un mariconaso, perdón, quería desir homosesuá") o que un nuevo público se quede patitieso al ver que un personaje es conocido como "Moromierda", pero es un reflejo tan imperfecto como paradigmático del humor underground de la época.

'¡Semos peligrosos! (usease, Makinavaja 2)', de 1993, no es tan buena como la primera, en parte por un affaire vacacional que se alarga en exceso, pero a cambio tenemos bromas a costa de la gentrificación, el turismo excesivo ¡hace 33 años! o la Barcelona moderna que quedó tras las Olimpiadas. Tristemente, la saga terminó aquí, y la transgresión del Maki, ya aguada de por sí en la adaptación a cine (os invito a leer los cómics, infinitamente más bestias), quedó convertida a la nada en una serie de televisión de 39 episodios que puedes encontrar en RTVE Play, pero que ni José Luis Cuerda pudo salvar  de la mediocridad en su temporada 2. 

Es un gusto ver 'Makinavaja' y su reparto en estado de gracia, con un Andrés Pajares que encarna perfectamente el espíritu de Maki, acompañado de Jesús Bonilla, el añoradísimo Pedro Reyes (el mejor cómico de su generación) o Mary Santpere, en uno de sus últimos papeles, interpretado a Maru, la madre prostituta del protagonista. Una ventana a otra época que resulta realmente transgresora, única e incómoda, sin por ello dejar de lado el amor incondicional por unos personajes que han elegido su estilo de vida, entrando y saliendo de la cárcel sin parar y a puro atraco por la vida. 'Makinavaja' huele a bocata de fritanga, a cigarro en el bar del Pirata, a Varón Dandy, a orín en una calle de Barcelona, a pólvora y a una era pasada de la que queda como muestra eterna. ¿Fale o no fale?

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Juan Tamariz era un genio. No solo era un reputado mago que dio luz a toda una generación de ilusionistas, sino que, además, ha habido muy, muy pocos que entretuvieran como él, sin mayor arma que una baraja de cartas, un violín invisible y un "¡Chan tatachán!". Poco se sabe, sin embargo, que antes de dedicarse en cuerpo y alma a la magia, Tamariz quiso hacer sus pinitos en el mundo del cine. Ahora nos ha dejado a los 83 años, y ha dejado un vacío en toda una generación con el único truco suyo que nos ha puesto tristes.

El truco final

Después de formar parte, a los 18 años, de la Sociedad Española de Ilusionistas, Tamariz se metió a estudiar en la Escuela Oficial de Cine, donde a finales de los 60 dirigió dos cortos: 'Muerte S.A', con un curioso título que después adoptarían sin querer los hermanos Caballero, y 'El Espíritu', que fue la primera aparición delante de las cámaras de la gran Carmen Maura. Un truco inesperado: el de descubrir el talento.

Sin embargo, cuando el gobierno de la época cerró la escuela por sus constantes huelgas en 1970, decidió que era el momento de dedicarse totalmente a la magia, apareciendo cada vez más en programas televisivos como el 'Un, dos, tres' y dando rienda suelta a su talento con shows a lo largo y ancho de todo el país. Sin embargo, una parte de él seguía añorando el cine. Quizá por eso, en 1987, apareció de fondo en la fantástica 'Moros y Cristianos', de Luis García Berlanga.

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'Moros y Cristianos' es quizá la última gran película del director, que la hizo justo después del éxito de 'La Vaquilla'. En ella explota su habitual estilo verborreico al cien por cien, con los personajes pasando y hablando continuamente, como una metralleta de diálogos e ingenio con la excusa del marketing de una empresa de turrones. Es una película fascinante con un ritmo adictivo que merece la pena recuperar casi 40 años después, y donde, además, podrás ver si te fijas al gran Juan Tamariz (bueno, aunque en los créditos salga como "Juan Tamarit")

Su papel allí es el de un fotógrafo al que solo se le ve de fondo (fijaos en las siguientes fotos, a la izquierda) mientras Jose Luis López Vázquez habla sobre las escorts, y él mismo definió su papel muy brevemente en una entrevista con Teatro.es: "Berlanga incluso quería que actuara en una de sus películas, porque decía que la gente se reía conmigo. Hice un papel muy cortito en 'Moros y Cristianos'. Tenía unas frasecitas, pero todo fue un desastre de lo mal que lo hice. Así que, al final, eliminaron el diálogo y solo silbé… Y lo hice tan pésimamente que me tuvieron que doblar”. Puedes comprobarlo en Prime Video, por cierto.

De fondo en la película no se escucha el silbido, eso sí, sino la pelea con otros dos actores en pleno Templo de Debod, en Madrid. No volvió a aparecer delante de las cámaras en el cine, aunque sí en alguna que otra serie de televisión. Tamariz no necesitaba el cine para ser único, fascinante y buenísimo. El mundo es menos mágico sin él, y nuestra labor es perpetuar su "Chan Tatachán". Hasta siempre, maestro.

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Aunque aún es pronto para empezar a hablar de la temporada de premios y todo puede cambiar muy rápidamente, no son pocos los que están señalando que 'La invitación', la nueva película de Olivia Wilde para A24 con Seth Rogen, Penélope Cruz, Edward Norton y ella misma, va a aparecer en las nominaciones a los Globos de Oro y, muy posiblemente, a los Óscar. En muy poco tiempo se ha ganado un runrún cinéfilo que le vendrá de perlas para los próximos meses, pero todo el mundo parece ignorar una cosa: se trata del remake de una película española.

Olivia se pone sentimental

En 2020, Cesc Gay estrenó en cines, basada en su propia obra de teatro 'Los Vecinos de Arriba', 'Sentimental', en la que Javier Cámara, Belén Cuesta, Alberto San Juan y Griselda Siciliani interpretaban a dos parejas de vecinos que quedan para cenar... y que acaban confesando intimidades que nunca creyeron que acabarían diciendo a personas que apenas conocen. Recaudó un total de 733.364 euros con un total exacto de 119.009 espectadores, y todos nos olvidamos de ella hasta ahora.

Por algún motivo, 'Sentimental' (que, por cierto, puedes ver gratis en RTVE Play) tuvo tanto tirón en el mercado internacional que ya se han hecho nueve remakes. Sí, has leído bien: nueve. Concretamente en Italia, Alemania, Francia, Rusia, República Checa, Corea del Sur, Portugal, Holanda y, por supuesto, Estados Unidos. La película de Wilde llega 6 años después de la original (aquí podremos verla en cines el 16 de octubre) y será inevitable la comparación entre Gay y Wilde.

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Los 21 mejores remakes de la historia del cine

No es la primera vez que en Estados Unidos se fijan en España para hacer sus remakes, pero aquí han sabido ocultarlo mejor que en 'Campeones', 'Vanilla Sky', 'Quarantine' o 'Retribution'. Habrá que ver si Rashida Jones y Will McCormack han conseguido hacer algo nuevo con el guion o nos encontraremos con una fotocopia glorificada. A tenor de las críticas que vienen de Estados Unidos, parece más lo primero que lo segundo, pero estáis invitados a comprobarlo dentro de un par de meses.

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