RSS Críticas

Pese a su apariencia de sátira política con los pies pegados a la tierra, 'Selfie' es una película con un mensaje grandilocuente y metafórico: hay dos facciones en pugna por conquistar España. Una de estas mitades, representada por nuestro protagonista, es clasista, ignorante, retrógrada y con insultantes aires de superioridad. La otra es falsamente solidaria, perezosa, aprovechada, básica, amoral. Entre ambas facciones hay una España bienintencionada y ciega.

Semejante metáfora no es nueva, era la que sostenía, de forma mucho más aparatosa, la fallida 'Balada triste de trompeta' de Álex de la Iglesia. 'Selfie' traslada la idea de las dos Españas a la actualidad y a la cultura del pelotazo, pero por el camino se queda en un simbolismo igual de simplista, y lo que es peor, ingenuo y conciliador. Porque también pese a sus apariencias: 'Selfie' no es una sátira salvaje, sino una comedia de costumbrismo suave.

En Universal se las prometían muy felices con ‘La momia’ (‘The Mummy’), el punto de inicio de un ambicioso universo basado en las míticas películas de terror realizadas por esa misma compañía durante los años 30 del siglo pasado. Con Tom Cruise como gran estrella de la función, seguro que esperaban un enorme éxito que rivalizase con los superhéroes de Marvel, pero pronto llegaron las malas críticas y luego una taquilla por debajo de lo esperado.

¿A qué se debe? Por un lado podríamos dejarlo en que no es una buena película, ni siquiera un pasatiempo satisfactorio, pero vamos a desviarnos un poco de una crítica tradicional para verlo desde otro punto de vista. Lo que ahora nos interesa es ver en qué ha fallado ‘La Momia’ a la hora de sentar los cimientos del Dark Universe y cómo ha demostrado que hacer lo mismo que Marvel no es para nada sencillo.

El cine de superhéroes, empujado por el innegable y arrollador éxito comercial que está experimentando, se ha convertido en los últimos años en una suerte de cadena de montaje digna del Fordismo cuyo único objetivo, como es lógico, no es otro que el de generar dinero.

Durante este proceso, se ha ido dejado de lado progresivamente la esencia y sensibilidades propias del medio que se está adaptando para focalizar el esfuerzo de los equipos creativos en sobresaturar las películas con cameos, personajes que se entrelacen en futuras historias, y mil y un recursos que aseguren la continuidad de las franquicias y, con ellas, de los ingresos multimillonarios.

Recuperando el alma perdida

Lo que se ha perdido por el camino ha sido nada más y nada menos que el alma inherente a un mundo como el del cómic que, durante generaciones, nos ha hecho soñar desde niños con hombres y mujeres extraordinarios, y con la existencia de superpoderes que podrían ayudarnos a hacer de este un lugar mejor; algo que pudo atisbarse hasta cierto punto en cintas como la cautivadora y naíf ‘Capitán América: El primer vengador’ o ‘El hombre de acero’. Un alma que, gracias a su pureza y espíritu clasicista, se convierte en el mejor y más preciado elemento de la maravillosa ‘Wonder Woman’.

Cuando se afronta una serie que, como ‘American Gods’, viene precedida de un hype previo por el nombre de sus autores (Neil Gaiman, Brian Fuller), hay una cierta cantidad de majestuosidad en sus valores de producción y espíritu contracultural esperable. No nos llamamos a engaño cuando su rotundidad visual nos recuerda a los mejores momentos de ‘Hannibal’, la pequeña obra maestra televisiva de Fuller. Aunque esta vez, claro, no es lo mismo.

En la serie sobre el asesino, las tramas tenían interés pero no eran lo más importante, era una experiencia mórbida, sensorial y sangrienta en la que funcionaba la forma sobre el fondo, pero en la adaptación de una novela, el proceso de asimilar un estilo se torna complementario. ¿Hay que conocer el material de partida para poder disfrutar de la serie? No necesariamente, pero la experiencia varía bastante en detalles como el que nos deja su último episodio, es decir, un cliffhanger que sólo funciona si tienes idea de hacia dónde va esto.

Durante los últimos años está siendo cada vez más habitual que las majors de Hollywood confíen en directores con poca o ninguna experiencia en la gran pantalla a la hora de elegir a los responsables de sus próximos blockbusters. Puede salir bien o mal, pero es una jugada comprensible, ya que se trata de realizadores con un caché bastante bajo, lo cual permite que los millones del presupuesto se dediquen a otros apartados.

El caso más reciente es el de Alex Kurtzman, guionistas de cintas como ‘Transformers’ o ‘Star Trek’ que actualmente tiene en salas ‘La momia’ (‘The Mummy’), un completo desastre del que ya tendremos la ocasión de hablar en otro momento. Ahora la que nos interesa es ‘Así somos’ (‘People Like Us’), su primer largo como director y su principal arma para convencer a Universal de que era el candidato idóneo para dar inicio a su Dark Universe. Lo cierto es que es una película tan sosa que cuesta entender qué vieron en él.

En Hollywood siguen pensando que es una buena idea recuperar fórmulas que tuvieron éxito en el pasado. A fin de cuentas, si vas a invertir mucho dinero, quieres tener el máximo de señales posibles de que vas a recuperarlo con creces. El problema es que luego muchas veces no es así, pero los productores no cejan en su empeño y el ejemplo más reciente de ellos lo tenemos con ‘Baywatch: Los vigilantes de la playa’, que llega hoy a los cines españoles.

Es cierto que la serie liderada por David Hasselhoff y Pamela Anderson fue un gran éxito durante los años 90, pero también que era muy hija de su tiempo y que hoy en día no estaba muy claro que algo así pudiera triunfar. Finalmente se ha quedado muy lejos de arrasar, pero sus responsables sí que han optado por una peculiar mezcla que combina algo de ‘Los vigilantes de la playa’ con una comedia descerebrada para adolescentes y toques casi propios del cine de James Bond.

Hay muchas cosas que 'The Handmaid's Tale' ha hecho singularmente bien a lo largo de su primera temporada. Si acceder al libro de Margaret Atwood y el visionado de la interesante pero fallida adaptación al cine en 1990 puedes poner en valor muchas de esas cosas: 'The Handmaid's Tale' podía haberse despeñado en muchos momentos de esta arriesgada primera entrega de las aventuras de Defred, pero el funambulismo ha acabado funcionando.

De todos modos, y aunque su sombra va a ser perenne mientras dure la serie, 'The Handmaid's Tale' se ha desembarazado del sambenito de ser una adaptación de ideas ajenas. Pese a la fidelidad y el respeto tanto estético como argumental y en términos de mensaje que ha demostrado hacia el libro de Atwood, la serie de Bruce Miller ya es una ficción distópica de largo alcance por méritos propios.

(A partir de aquí, spoilers)

'Una mujer atrapada' (Lady in a Cage,1964) fue una pequeña serie B que mostraba a un grupo de ladrones sin escrúpulos, invadiendo el hogar del personaje interpretado por Olivia de Havilland. La mujer sufría las vejaciones del grupo encerrada en una jaula, y es en su sensación de claustrofobia, con la actriz rodeada de una pandilla psicótica, donde se halla el germen que marca el tono sádico del torture porn de la época del cine de terror más salvaje de los años 2000.

En esa etapa cabía de todo, pero siempre bajo un filtro de violencia y carencia empática con sus protagonistas, que generaban una textura de angustia muy adecuada para los tiempos post 11-S. Entre las muchos ejemplos aparecidos en dicha década, cintas como 'Cautivos' (Captivity, 2007) exploraba la faceta más juguetona del rapto, mientras otras como 'Martyrs' (2008) la mirad más dura y visceral. Ninguna de las dos pretendía crear un diálogo entre secuestrador y víctima, como lo hicieron 'Mi obsesión por Helena' (Boxing Helena, 1993) o 'El coleccionista' (The Collector, 1965).

El tiempo pasa y todos nos hacemos mayores, hasta las películas. Ahora es el turno de ‘Depredador’ ('Predator'), que ya ha cumplido 30 años. La saga regresará en breve con una nueva entrega escrita y dirigida por Shane Black -quien tiene un pequeño papel en la cinta original-, pero la que ahora nos interesa es la mítica película dirigida por John McTiernan y protagonizada por Arnold Schwarzenegger, todo un clásico del cine de acción y ciencia-ficción.

El actor austriaco fue en todo momento el actor que los productores desearon para dar vida a Dutch y no hubo grandes dificultades para hacerse con sus servicios. Sin embargo, compromisos previos retrasaron el inicio de rodaje varios meses, permitiendo así pulir el guion de Jim y John Thomas antes de que la aventura diera comienzo.

El director de ‘Capitán Calzoncillos’, David Soren y su guionista, Nicholas Stoller, en su afán de adaptar los libros infantiles de Dav Pilkey a la pantalla grande, han logrado sacar una rentabilidad inusitada a sus referencias cómicas de humor de caca, culo pedo, pis. Quizá sea porque, en realidad, toda su película trata sobre ello. Es decir, sobre saber reírse del humor tan básico, y cómo esa habilidad es uno de nuestros nexos con la propia infancia.

El villano de ‘Capitán Calzoncillos’ se afana en extirpar la parte del cerebro de los niños que les hace reírse, y explica de una forma gráfica y simple el problema principal de hacerse mayor. Perder esa capacidad de sorpresa, de risa inesperada, provocada por los aspavientos más bajos es un síntoma de otras carencias. No saber/querer reírse de un chiste de pedos indica una falta de permeabilidad, imaginación e inventiva que desafía la definición de humor inteligente.