RSS Nostalgia ochentera

Kurt Russell, sin comerlo ni beberlo, parece estar sumergido de lleno en lo que parece ser una segunda juventud cinematográfica. Una nueva edad de oro para el actor fetiche de John Carpenter que le ha regalado papeles principales antológicos como el del Sheriff Hunt en 'Bone Tomahawk', y que le ha devuelto a la palestra de las grandes superproducciones, siendo la última de ellas la esperada ‘Guardianes de la Galaxia Vol. 2’.

Ha sido precisamente durante una entrevista promocional de lo nuevo de Marvel Studios cuando el intérprete ha soltado una bomba capaz de dilatar las pupilas de cualquier fan trasnochado del cine de acción ochentero —entre los que me incluyo— como si fuese un personaje de ‘Requiem por un sueño’. Y es que el señor Russell hizo un pitch hace unos treinta años de una película que hubiese adelantado la moda de los universos cinematográficos de la mano unos protagonistas inmejorables.

Del amanecer de los tiempos venimos. Hemos ido apareciendo silenciosamente a través de los siglos hasta completar el número elegido. Hemos vivido en secreto luchando entre nosotros por llegar a la hora del duelo final, cuando los últimos que queden, lucharán por el premio. Nadie jamás ha sabido que estábamos entre vosotros...hasta ahora.

La secuencia fue fulgurante: estar escribiendo sobre 'Greystoke, la leyenda de Tarzán, el rey de los monos' ('Greystoke: The Legend of Tarzan, Lord of the Apes', Hugh Hudson, 1984). Citar a la cinta que respaldaría la fama internacional de Christopher Lambert. Darme cuenta de que, por una razón que no alcanzo a comprender, no la había tenido en cuenta hasta ahora en Cine en el salón. Buscarla en el historial del blog para no obtener resultados más allá de alguna noticia. Decidir que ya era hora de poner remedio a tal ausencia. Prepararme para revisar, por enésima vez, tan disfrutable filme.

Y es que antes que cualquiera de las puntuales apreciaciones negativas que iremos vertiendo en los siguientes párrafos, y dando igual las incontables veces que la haya podido ver desde aquella primera que, con once años, me quedé clavado en el cine ante la reprobatoria mirada de mi padre —que poco podía imaginar lo bestia que iba a ser la película—; 'Los inmortales' ('Highlander', Russell Mulcahy, 1986) sigue manteniendo incólume los encantos que hicieron de ella un filme de culto y uno de los títulos más característicos de la década de los ochenta.

El estreno hoy mismo de 'Altamira' (id, Hugh Hudson, 2016) el filme protagonizado por Antonio Banderas que se acerca al descubrimiento de las pinturas rupestres en las cuevas cántabras, nos sirve para traer a este rincón de Blogdecine que es Cine en el salón a su máximo responsable, un Hugh Hudson que, perdido en empresas que provocaron su relativo alejamiento de la gran pantalla, fue el artífice hace tres décadas —tres décadas y media para ser precisos— de uno de los filmes más recordados de los años ochenta, 'Carros de fuego' ('Chariots of Fire', 1981).

Pero no recordaremos hoy la cinta que le ganó la mano a 'En busca del arca perdida' ('Raiders of the Lost Ark', Steven Spielberg, 1981) en su pugna por conseguir los Oscars correspondientes a la Mejor Película y Mejor Banda Sonora. No. En su lugar miramos hacia el uno de los otros dos focos que la trayectoria del cineasta londinense nos ofreció durante aquellos maravillosos años al tratar de trasladar a la gran pantalla al más famoso personaje nacido de la pluma de Edgar Rice Burroughs de manera más realista que lo que hasta entonces se había hecho.

Con el manga convirtiéndose a cada nueva entrega en un éxito en escalada constante, y la producción de la adaptación a la gran pantalla viento en popa con miras a su estreno en 1988, Katsuhiro Otomo tuvo aun tiempo de atender otros menesteres mientras la presión de acometer la gargantuesca empresa que derivaría en uno de los animes más fascinantes y complejos de todos los tiempos comenzaba a desbordarle. No contento pues con llevar las riendas de 'Akira' ('アキラ', 1988), el artista se fogueó brevemente en las labores de dirección de sendos cortos que formaron parte de dos antologías estrenadas durante 1987 en Japón.

De entre ellas dos nos ocuparemos hoy de la primera y dejaremos sólo constancia de la segunda, titulada 'Neo Tokyo' ('Meikyū Monogatari', VVDD, 1987) —que llegaría a los cines nipones en septiembre de 1987— por si a alguien le pica la curiosidad y quiere indagar para acercarse a los tres segmentos que conforman 50 minutos algo desiguales de entre los que destaca, igual que ocurre en 'Robot Carnival' ('Robotto Kānibaru', VVDD, 1987), el trabajo de Otomo tanto en calidad de animación como en lo que a historia se refiere, por más que en el filme que hoy nos ocupa, ésta sea poco más que una anécdota.

Más allá de las absurdas polémicas que rodearon a las nominaciones a los Oscars —unos premios que tiempo ha dejaron de interesarme...más o menos como todos los demás premios que se otorgan en los diversos festivales anuales— si hubo dos hechos que marcaron en lo cinematográfico y cultural la semana pasada, esos fueron los decesos de David Bowie el día 10 y de Alan Rickman el 14. Ambos contaban con 69 años y ambos fallecían debido a un cáncer. Y por seguir con las concomitancias entre uno y otro, ambas muertes nos privaban sobre todo de sus voces, ya fuera una de las más particulares de la música británica como una de las más reconocibles del cine de los últimos treinta años.

Y si bien debería haber reaccionado más rápido y haberles rendido homenaje con menos días de diferencia, creo que a ninguno os importará que sea durante hoy y pasado mañana cuando recordemos sus nombres a través de sendas cintas en las que intervinieron durante esa fértil y añorada década que fue la de los ochenta. Durante aquellos años de los que tanto hemos hablado en Cine en el salón —y tanto seguiremos hablando todavía— David Bowie se vió mezclado en una de las producciones más extrañas y fascinantes de la época, un filme en el que se conjugaron algunas de las mentes creativas más fértiles de aquellos maravillosos diez años para parir una película sin igual.

Sin tener en cuenta a nombres como William Shakespeare, Alejandro Dumas o algún otro literato clásico más, de cuyas novelas existen cientos de versiones cinematográficas, creo que resulta indiscutible que de todos los escritores vivos, Stephen King es el que más veces ha sido llevado a la gran pantalla: hasta 184 son las entradas que la IMDb devuelve cuando se revisan las producciones que han adaptado alguna de las novelas o relatos cortos que trufan su prolífica y extensa bibliografía. Un número más que considerable que sube a las 205 si se consideran aquellos títulos que actualmente se encuentran en desarrollo para la gran o la pequeña pantalla.

Con un amplio sector de las mismas yéndose de cabeza a la calificación de morralla y otro bastante considerable clasificado bajo la etiqueta de pasable, en lo que a este redactor respecta sólo seis, acaso siete, de las cintas que han trasladado a King a imágenes en movimiento merecen la indefectible atención del cinéfilo: con las tres firmadas por Frank Darabont a la cabeza, y la adición de lo que Stanley Kubrick, David Cronenberg y Rob Reiner hicieron, respectivamente, con 'El resplandor', 'La zona muerta' y 'El cuerpo', es la versión de 'Carrie' firmada por Brian De Palma la séptima en discordia. ¿Que dónde deja eso a 'Ojos de fuego' ('Firestarter', Mark L.Lester, 1984)? Rozando la entrada en el primer grupo.

Cuando hace algo más de dos años comentábamos en este mismo ciclo 'La masa devoradora' ('The Blob', Irvin S. Yeaworth Jr., 1958), de entre lo que se desarrollaba en el artículo se citaba, obviamente, tanto a su tardía continuación como al remake que Chuck Russell llevaba a cabo en 1988. Y hete aquí que, veintiocho meses más tarde, y habiendo transitado ya por las tres décadas que separan a original de versionado, llegamos hoy precisamente a 'The Blob' (id, Chuck Russell, 1988).

De ella decía entonces en las líneas que le dedicaba a la risible cinta de Steve McQueen y tirando de la vaga memoria que guardaba de su visionado el año de su estreno, que la versión ochentera "se cebaba mucho más en los estragos del ente devorador y en lo descerebrado de los jóvenes protagonistas". Y lo cierto es que, si bien mis recuerdos no andaban muy desencaminados y esta nueva y bastante fidedigna versión de la historia de la masa amorfa que va devorando cuanto encuentra por su camino, hace mucho más hincapié en las truculentas e imaginativas muertes de los diversos protagonistas, lo que aquí encontramos supera con mucho al producto original.

Un policía pierde a su compañero en un tiroteo con un par de criminales pertenecientes a una banda. Para poder atrapar a los culpables, se le asigna un nuevo compañero de la misma etnia que los citados asesinos. La investigación desvela que un poderoso miembro de la comunidad a la que éstos pertenecen está detrás de todo y que, al mismo tiempo, pretende controlar el tráfico de una nueva sustancia ilegal de potentes efectos. ¿Cómo? ¿Que éste es el guión de una película policíaca al uso? Claro, pero si cambiamos etnia por extraterrestres, ya no es un thriller con agentes de la ley sino uno que entronca de pleno con la ciencia-ficción, ¿no?

Pues la verdad es que no, que por mucho que la mitad de los personajes de 'Alien nación' ('Alien Nation', Graham Baker, 1987) lleven maquillada la cabeza al completo y en el guión se nos cuente cómo una raza de esclavos alienígenas llegó a la Tierra en una nave a la deriva y se les dejó quedarse, tal premisa de partida es después desaprovechada sobremanera en una cinta que se mueve de forma tan errática sobre la línea que separa ficción de ciencia-ficción que, en última instancia se queda muchísimo más del lado de la primera que de la segunda.

Siete producciones que habían tocado palos como el drama, la comedia, el thriller, el cine bélico o el de aventuras medievales no podían servir de ninguna manera para prever que, toda vez diera el salto al otro lado del Atlántico dejándose seducir por los cantos de sirena de Hollywood, Paul Verhoeven sería el artífice de tres de los mejores filmes de ciencia-ficción que se han rodado en las tres últimas décadas. Una terna de títulos sobre los que iremos dando precisa cuenta conforme vaya siendo su turno y cuyo primer estadio es la cinta que hoy nos ocupa, una 'Robocop' (id, 1987) con la que el cineasta holandés dejaba claro su firme intención de alejarse de los estándares yanquis.

A fin de cuentas, si algo evidenciaba su trayectoria hasta entonces —y sólo habría que fijarse, bien en 'Delicias turcas' ('Turks fruit', 1973), bien en 'Los señores del acero' ('Flesh & Blood', 1985)— era que las formas narrativas del cineasta y su gusto por la violencia excesiva poco casaban con la "normalidad" de la maquinaria cinematográfica estadounidense. Tan poco, que tras más de tres lustros viviendo en Estados Unidos, y después de haber filmado seis producciones de las que se podría afirmar que, para bien o para mal, nunca dejaron indiferente a nadie, el cansancio de las imposiciones de la industria norteamericana del cine provocó su vuelta al viejo mundo.

Vaguísimo era el recuerdo que, de un único visionado furtivo una noche hace casi treinta años, guardaba sobre 'Clave: omega' ('The Osterman Weekend', Sam Peckinpah, 1983), una de esas películas que el antiguo sistema de calificación de TVE y sus dos dichosos rombos impedía que pudiera ver por mi prematura edad y que, por la razón que fuera, no he rescatado hasta hace unos días cuando, buscando potenciales títulos con los que seguir exprimiendo la década de los ochenta en Cine en el salón, apareció de repente despertando vetustos recuerdos de infancia.

Como digo, lo único que recordaba de la cinta era algún que otro seno femenino —ah, cuán selectiva puede llegar a ser la memoria— y a Meg Foster ballesta en mano. Punto. Nada más albergaba en mis "archivos" de la adaptación que Sam Peckinpah llevaba a cabo hace treinta y dos años de la novela homónima firmada por Robert Ludlum, el autor de la saga de Jason Bourne, y a la luz de lo que he podido extraer de este primer acercamiento en firme a la cinta, mejor hubiera sido que así hubiera seguido per secula seculorum.