Pedro Gallego
EditorEn tiempos donde algunas plataformas de streaming instan a sus creadores a hacer más fácil la vida a los que ven ficción con el móvil en la mano introduciendo diálogos donde la gente describe lo que hace, queda la sensación de que la artesanía de la imagen no importa. Pero el cine, como arte visual y sonoro que es, sigue fundamentándose en el arte de narrar, que no el de relatar.
La producción media de Hollywood habrá perdido el norte en ese sentido, pero se sigue haciendo mucho cine que pone cuidado a la composición de los elementos que hacen al cine lo que es. Estos 24 ejemplos han hecho gran gala de puesta en escena, fotografía y/o diseño de sonido para marcar aún más el sentido de sus obras, y por eso son destacadas en esta lista.
ADVERTENCIA: Algunos de los planos seleccionados pueden contener spoilers de la película
‘28 años después’
Dirección: Danny Boyle. Fotografía: Anthony Dod Mantle.
Intentar crear uno de los blockbusters de terror del año con iPhones es ciertamente un riesgos que pocos como Danny Boyle habrían abordado, de igual modo que intentar reformular su propio clásico del cine zombie para hacer una exploración tierna de la vida y la muerte. A qué agarrarse cuando todo lo que te rodea socialmente es muerte es algo con lo que ‘28 años después’ intenta batallar, haciendo un hermoso alegato por la memoria y los gestos humanos que nos recuerden nuestra vulnerabilidad.
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‘A Complete Unknown’
Dirección: James Mangold. Fotografía: Phedon Papamichael.
A muchos biopics musicales les falta alma, pero ante todo un poco de idea de qué tienen que contar realmente con su protagonista. Si Bob Dylan fue una fuerza revitalizadora y rebelde para la tradición folk, incluso para disgusto de los intransigentes feligreses de lo antiguo que estaban dispuestos a dejarse pisar por el tiempo, James Mangold decide representarlo en una contraposición de marcos de colorimetría opuesta donde también se remarca el marginado papel que los afroamericanos han tenido para estos obsesionados del canon. Incluso aunque sean esenciales, y gente como Dylan lo reconozca para continuar sus avances.
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‘A Different Man’
Dirección: Aaron Schimberg. Fotografía: Wyatt Garfield.
Que nuestra identidad se construya en cómo nos presentamos a la gente provoca que aquellos que tienen alguna desfiguración o discapacidad se vean marginados por sentirse inadecuados. Y, peor aún, obligados a cambiarse en la medida de lo posible para encajar. Qué hace eso a nuestra identidad es algo que Aaron Schimberg es capaz de tocar con sensibilidad sin dejar de meterse en complicados jardines sociológicos.
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‘Confidencial (Black Bag)’ (’Black Bag’)
Dirección y fotografía: Steven Soderbergh.
Nunca se puede dudar de que Steven Soderbergh va a colocar la cámara donde más va a diseccionar a sus protagonistas. Entre intrigas de espionaje, ‘Confidencial (Black Bag)’ indaga en si es posible la confianza en tu pareja con las que has mantenido una relación estable y, hasta el momento inquebrantable. Hasta que la sombra de la duda te haga repensar hasta si estáis en la misma onda viendo una película.
‘Eddington’
Dirección: Ari Aster. Fotografía: Darius Khondji.
Incluso cuando se quiere llevar por sus instintos más cargantes y desesperados por mostrar su ingenio absoluto, Ari Aster sigue destilando una habilidad envidiable para contar con sus imágenes. Incluso en finales donde intenta excusarse con el espectador y buscar complicidad en un enemigo común. Hace unos años fue loable cuando decidió ponerse a sí mismo como tal, en ‘Eddington’ lo hace invitándonos a mirar el corazón oscuro y frío del nuevo capitalismo.
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‘Frankenstein’
Dirección: Guillermo del Toro. Fotografía: Dan Laustsen.
Es sabida la complicidad de Guillermo del Toro con los monstruos, de ahí que su ‘Frankenstein’ sea en gran medida algo esperable. Incluso aunque sorprenda metiendo parte de sí mismo en el verdadero monstruo, el creador, vuelve a mostrar inmensa simpatía con una creación que no tiene culpa de existir y desde luego no debería perder su derecho a ello o ser maltratado. A veces basta un reflejo, o un retrato, para recordar esa realidad.
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‘La luz que imaginamos’ (’All We Imagine as Light’)
Dirección: Payal Kapadia. Fotografía: Ranabir Das.
En la Mumbai que dibuja Payal Kapadia con su cámara, que retrata casi documentalmente hasta el más claro elemento de ficción, la inmensidad de la ciudad queda neutralizada y acaba pareciendo claustrofóbica. Tanto por la movilización de la gente como por espectros de fuera que insisten en hacer notar su presencia, como enviando un regalo inesperado, dejando a las protagonistas de ‘La luz que imaginamos’ no mirando a un amplio cielo de posibilidades sino a tener la cabeza agachada.
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‘La chica de la aguja’ (’Pigen med nålen’)
Dirección: Magnus von Horn. Fotografía: Frederikke Hoffmeier.
El devastador y nihilista trabajo de época de Magnus von Horn es uno de los más horripilantes de ver, aunque también uno de los más exquisitos de ver por su prodigiosa fotografía. Su blanco y negro y su relación de aspecto marcan la opresiva situación que viven mujeres como la protagonista, sometidas a diferentes formas de dolor ante las que deben forzar además el silencio.
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‘La voz de Hind’ (’Sawt al-Hind Rajab’)
Dirección: Kaouther Ben Hania. Fotografía: Juan Sarmiento G.
A veces no hace falta más que apoyarse en el sonido para que la imagen cinematográfica cobre sentido. Incluso una como la de ‘La voz de Hind’, donde la imagen intenta eliminar barreras entre ficción y realidad (incluyendo recordarte que estás escuchando el archivo de audio original), su fuerza reside ante todo en lo auditivo y sus mejores momentos son, sólo, apreciar una onda.
‘Las habitaciones rojas’ (’Red Rooms’)
Dirección: Pascal Plante. Fotografía: Vincent Biron.
El true crime es uno de los fenómenos culturales que más proliferan en el audiivisual, y la obsesión por el mismo es algo que está empezando a filtrarse en algunas películas. Especialmente las más inquietantes, como ‘Las habitaciones rojas’, donde Pascal Plante muestra los extremos más perturbadores a los que se llega motivado por involucrarse en exceso en los crímenes.
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‘Los domingos’
Dirección: Alauda Ruíz de Azua. Fotografía: Bet Rourich.
Hay muchos barrotes a lo largo de ‘Los domingos’ que muestran los encierros y barreras voluntarias que se colocan a través de la religión entre miembros de una familia. Pero a veces la separación es palpable aunque no sea física, y los intentos pocos genuinos de aproximar distancias quedan desnudos cuando la comunicación está capada y los interlocutores no se colocan al mismo nivel. La colocación de los actores a diferentes alturas termina de explorar toda la escala emocional y moral que persigue Alauda Ruíz de Azua.
‘Los pecadores’ (’Sinners’)
Dirección: Ryan Coogler. Fotografía: Autumn Durald Arkapaw.
Siglos de sufrimiento y expiación conectados a través de la música y la construcción de un espacio seguro que, sin embargo, es altamente vulnerable e inflamable. En una espectacular y elaborada secuencia, Ryan Coogler eleva su relato vampírico a la categoría de canto sentido por la fetichizada expresividad artística negra, que hace surgir maravillas como el blues rock, el hip hop, el funk o la electrónica techno de la necesidad comunal de bailar.
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‘Materialistas’ (’Materialists’)
Dirección: Celine Song. Fotografía: Shabier Kirchner.
Cuando nuestro acercamiento al afecto, a la sexualidad y al amor se hace desde conceptos tan económicos como el valor, acabamos esclavizándonos o incluso mutilándonos con el propósito de volvernos mercancía más vendible. Celine Song desmonta la comedia romántica a través de señalar cómo brechas salariales y cifras como la estatura marcan profundamente cómo percibimos a las personas que observamos como potenciales parejas.
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‘Mickey 17’
Dirección: Bong Joon Ho. Fotografía: Darius Khondji.
Bong Joon Ho puebla su odisea espacial y sátira capitalista de muchas cámaras, porque alguien que cuida tan al milímetro de imagen es consciente del inmenso poder que poseen. La necesidad de registro es también un potencial amigo de la propaganda interesada, y es un riesgo que marca al cine en una de sus paradojas más profundas.
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‘Nickel Boys’
Dirección: RaMell Ross. Fotografía: Jomo Fray.
La memoria crea imágenes que también llevamos a cuestas y acaban siendo un peso del que no sabemos bien como desembarazarnos. RaMell Ross lo explora en uno de los ejercicios formales más radicales del año, observando fijamente esfuerzos tanto conscientes como inconscientes para despojar a la juventud negra de su libertad y de su esencia.
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‘Pavements’
Dirección: Alex Ross Perry. Fotografía: Robert Kolodny.
Aunque más arriba haya señalado como ‘A Complete Unknown’ se sale de la norma del biopic musical, sigue habiendo mucha fórmula aplicada de manera indiscriminada a artistas para lo que no encaja tanto. Alex Ross Perry consigue reírse de todo ello en su triple tirabuzón que incluye documental, musical de Broadway y también amago falso de biopic creativamente vacío, apuntando con el dedo hacia la falsedad del compromiso con la esencia de determinados artistas.
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‘Romería’
Dirección: Carla Simón. Fotografía: Hélène Louvart.
Carla Simón lleva tiempo prometiendo prometiendo un salto hacia el cine musical que descoloca un poco considerando sus esfuerzo contenidos anteriores. ‘Romería’ invita a tener fe en esa clase de salto gracias a un fabuloso momento a ritmo de Siniestro Total que conecta con la necesidad de hacer justicia con la historia y la memoria que quedaron soterradas.
‘Sirât’
Dirección: Oliver Laxe. Fotografía: Mauro Herce.
La espiritualidad sigue teniendo su presencia en nuestra sociedad, aunque ya no lo haga necesariamente a través del catolicismo (ni siquiera el disco de Rosalía se ata necesariamente a ello). La fe ciega todavía se puede profesar incluso alrededor de los decibelios y bailes del techno, incluso aunque eso implique cegarse a uno mismo tanto del contexto político alrededor como de los peligros que se avecina. La carrera en el desierto a todo lo que da entre tres vehículos un tanto destartalados es una de las imágenes más potentes de la experiencia sensorial que propone Oliver Laxe.
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‘Superman’
Dirección: James Gunn. Fotografía: Henry Braham.
El cine blockbuster ha sufrido en su creación de imágenes, lo que deriva en que sufra también en su razón de ser. Los superhéroes han sufrido mucho en este aspecto, teniendo una exigencia de ser prolíficos a toda costa. ‘Superman’ sorprende porque su director precisamente le pone cariño al personaje y trata de pensar qué lugar e importancia ocupa en el mundo. Y su lugar no es otro que intentar priorizar que hasta la última persona esté a salvo antes de ponerse a exhibir su poderío contra su villano. James Gunn entiende esto y el papel que los superhéroes pueden ocupar en un panorama donde ya se dan por sentados.
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‘Un simple accidente’ (‘Yek tasadof-e sadeh’)
Dirección: Jafar Panahi. Fotografía: Amin Jaferi.
Con ‘La voz de Hind’ ya vimos la importancia que puede tener el sonido para sostener un plano por encima de la imagen. Jafar Panahi va aún más lejos empleando el silencio y también la inmovilidad para expresar la persistencia del trauma y la inquietud cuando un sistema cruel como el régimen iraní te ha azotado y puede hacerlo otra vez. El plano final más angustioso del año es uno donde se empeña en que no pase nada, aunque en el proceso hace que pase todo.
’Una batalla tras otra’
Dirección: Paul Thomas Anderson. Fotografía: Michael Bauman.
El cine de Paul Thomas Anderson se ha desarrollado casi exclusivamente en las áreas de California, que conoce tan al dedillo que puede apreciar los horrores que pueden existir más allá de sus luminosos y agradables paisajes. La majestuosidad del desierto estadounidense puede servir de escondite para los actos más crueles que el sistema puede elaborar, incluyendo un pacto clandestino para deshacerse de los deslices imperdonables del supremacismo blanco.
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‘The Brutalist’
Dirección: Brady Corbet. Fotografía: Lol Crawley.
Las ambiciones de cine totémico de Brady Corbet pueden resultar demasiado intensas para muchos espectadores, aunque es complicado negarle capacidad para crear imágenes. De hecho, se puede hacer un argumento de cómo ha creado el plano de la década a base de algo tan sencillo como voltear por completo la representación del sueño americano. Tan abrumadoramente claro como innegable.
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‘The Mastermind’
Dirección: Kelly Reichardt. Fotografía: Christopher Blauvelt.
Muchas películas americanas este año han abordado el ensimismamiento del individuo para estar al margen de un momento político crucial, aunque pocas de manera tan fina y elegante como ‘The Mastermind’. Un protagonista acomodado, incluso cretino por sentirse aburrido cuando su entorno está en situación de urgencia, tiene más obsesión por llevar a cabo los planes más supuestamente elaborados en lugar de estar presente en aquello que realmente reclama su atención.
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‘Warfare: Tiempo de guerra’
Dirección: Alex Garland, Ray Mendoza. Fotografía: David J. Thompson.
Alex Garland parece decidido a jugarse el ser malinterpretado antes de dejar que su espectador salga de sus películas con conclusiones meridianamente claras. Incluso algo tan directo y puramente sensorial como ‘Warfare’ puede complicarse por sentirse responsable con los soldados a los que retrata, aunque realmente nunca olvida la tierra quemada que se dejaron a los locales por una ocupación cuyos motivos estaban claros aunque no tanto la razón. La guerra sigue siendo algo traumático donde los drones de ‘Dancing and Blood’ de Low dejan una inquietud imposible de despegar.
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