RSS Lee Marvin

"Sé que mi carrera va mal porque estoy siendo citado correctamente" (en 1977).

Un 19 de febrero nacía Lee Marvin, actor estadounidense que se hizo famoso por sus personajes de tipo duro. Su altura, 1´88, y su pelo blanco le hacían bastante peculiar, y temible, para ese tipo de personajes. Fue un pésimo estudiante al que expulsaban de todos los colegios. Se alistó en el ejército y en la Segunda Guerra Mundial fue herido, obligándole a dejar esa vida.

Su debut en el escenario se produjo cuando trabajando de fontanero en un teatro se le pidió sustituir a un actor. Tras el teatro probó suerte en Hollywood —debutó en la comedia bélica '¡Esto es la marina!' ('You're in the Navy Now', Henry Hathaway, 1951)—, donde tuvo una carrera llena de éxitos; hizo 58 películas. Recibió un Oscar, que nadie esperaba, por 'La ingenua explosiva' ('Cat Ballou', Elliot Silverstein, 1965), un mediocre western en el que Marvin es lo mejor.

Murió repetinamente de un ataque al corazón a la edad de 63 años.

‘Los indeseables’ (‘Pocket Money’, Stuart Rosenberg, 1972) es la tercera colaboración entre su director y Paul Newman tras la mítica ‘La leyenda del indomable’ (‘Cool Hand Luke’, 1967) y la muy arriesgada ‘Un hombre de hoy’ (‘WUSA’, 1970). Cuenta con el primer guion acreditado de Terrence Malick, hoy muy famoso por dividir a crítica y público con su cine descompuesto. Un año antes de su extraordinaria ‘Malas tierras’ (‘Badlands’, 1973), Malick firmó esta historia partiendo de un tratamiento de John Gay de la única novela de J.S. Brown llevada al cine, ‘Jim Kane’.

Lo cierto es que con ese guionista, la pareja protagonista formada por Paul Newman y Lee Marvin, el director con el que el primero consiguió excelentes resultados, la banda sonora de Alex North, en la fotografía alguien como Lázsló Kovács, más el siempre atractivo tono crepuscular del llamado western moderno, son más que suficientes elementos para esperar una gran película. Pero no es así, nos encontramos ante el más flojo producto del tándem Newman /Rosenberg.

En la reciente entrevista al director de la temporada, Alberto Rodríguez, que está encandilando a prácticamente la totalidad de la crítica con ‘La isla mínima’ (2014), éste declaraba que una de las influencias de su alabada cinta era el film de John Sturges que hoy no ocupa, ‘Conspiración de silencio’ (‘Bay Day at Black Rock’, 1954), una de las cintas clásicas más admiradas por alguno de nuestros cineastas más cinéfilos. Una joya por la que no pasa el tiempo, incluso se vuelve más actual, y que a punto estuvo de dirigir Don Siegel, quien declaró más de una vez que era el mejor guión que había leído en su vida.

Un film de unos asombrosos 78 minutos —algo totalmente impensable a día de hoy en este tipo de cine— en los que afortunadamente no hay tiempo para los siempre innecesarios subrayados, y que desvela a Sturges como un experto en el manejo de los espacios y la planificación. Una historia que se mueve entre el western y el thriller, de asombroso equilibrio tonal, y que emerge también como una poderosa denuncia de carácter político, marcada por la sombra del mccarthysmo y las consecuencias del ataque japonés a Pearl Harbour.

Albergaba muy pocas dudas al respecto de que este paseo sin rumbo fijo que estoy haciendo por el cine de los ochenta me terminaría llevando a arribar a las costas de la Cannon. De hecho, en una inmensa lista de películas que me hice cuando se me ocurrió la idea de abrir esta "Nostalgia ochentera" figuraban cuatro producciones de los infames Menahem Golan y Yoran Globus. Lo que de ninguna manera tenía previsto era que el repaso a las cintas de la productora pasara por aceptar el reto lanzado por uno de nuestros lectores, y se tradujera en comenzar este mini-recorrido por seis de sus filmes revisionando 'Delta force' ('The delta force', Menahem Golan, 1986), un filme que ha resistido horriblemente mal el paso del tiempo y que se hace fuerte en lo de "es tan mala que es buena" que el otro día aplicábamos a 'G.I.Joe: la venganza' ('G.I.Joe: retaliation', Jon Chu, 2013). Pero no nos adelantemos.

Antes de continuar, vayan por delante mis más sinceros agradecimientos a mi antiguo y gran amigo Paco Fox por las acotaciones que ha tenido a bien compartir sobre todas las películas que voy a repasar.

La década de los sesenta fue, para el cine, una época de transición, de relevo generacional y de búsqueda de nuevas potencialidades narrativas y técnicas. En ese aspecto, 'A quemarropa' ('Point Blank', John Boorman, 1967), es un film de su tiempo.

Basada libremente en hechos reales, ‘Caza salvaje’ nos traslada a los bellos escenarios naturales de Yukón para mostrarnos la persecución sangrienta en 1931 a Albert Johnson, un trampero y cazador de pieles, por parte del sargento Edgar Millen, un veterano de la Policía Montada del Canadá junto a un puñado de secuaces.

La premisa, como vemos, no tiene nada de original. Y en realidad el resto del film deja bien claro que no es precisamente su fuerte. Aunque su director, Peter Hunt, también deja evidencias que no lo busca. En parte por incapacidad, pero sobre todo porque el film se sostiene (casi exclusivamente) sobre las figuras de dos tipos duros que son los verdaderos protagonistas.

“Disparen a todos los oficiales que vean allí”

¿Nuestros o de ellos?

Empiecen por los de ellos, si no les importa”

Dentro de la apasionante filmografía de Robert Aldrich, uno de los más aguerridos hombres de izquierdas de la posguerra en Estados Unidos (no en vano, dijo que estuvo a punto de hacerse comunista y de ganarse unos cuantos enemigos durante la Guerra Fría), hay sitio para muchos tipos de películas, algunos de los cuales le valieron no pocos ataques de los que proclamaron que se había traicionado a sí mismo, y había realizado proyectos que negaban sus ideales y su estilo de vida. Aldrich fue un gran director de cine, no tan recordado como otros talentos de la época (como Wilder, Sturgess, Wyler, ...), aunque, bajo mi punto de vista, superaba ampliamente a todos ellos en coraje, coherencia, destreza y conocimientos técnicos, en complejidad temática y moral. Pero muchas veces, cuanto más ambivalente, complejo y sutil es un director, más fácil es, también, distorsionar su obra, en lugar de proceder a un adecuado estudio de una obra que es legendaria y bastante incomprendida.

Una de las películas, o mejor dicho “la película”, por la que recibió más ataques por parte de los más progresistas y también de los más conservadores (que le odiaban), fue el gran éxito de su carrera, la ineludible ‘Doce del patíbulo’ (‘The Dirty Dozen’, 1967), cuya impresionante recaudación en taquilla le permitió a Aldrich una última parte de su trayectoria más tranquila, pues pudo abrir su propio estudio. Una película que, en sí misma, representa la cima y el resumen de cierta concepción del cine bélico norteamericano, que durante tres décadas había evolucionado contando las gestas del ejército norteamericano en la Segunda Guerra Mundial, con títulos más o menos interesantes, algunos más heróicos y otros más cínicos. Pero para cínica, ‘Doce del patíbulo’, que también posee una buena dosis de heroísmo, aunque sus héroes sean la panda de soldados más desastrosa, siniestra y contradictoria de la larga y magnífica historia del cine bélico.

Seguimos con este especial de Clint Eastwood, que me parece a mí que me va a llevar esta vida y una parte de otra. En 1969, la Malpaso decidió colaborar con la Paramount para producir la que sería una de las apuestas más arriesgadas en el cine de Eastwood actor. En los años 60 proliferaron una cantidad de musicales con éxito, al estilo de ‘Sonrisas y lágrimas’ o ‘West Side Story’ (curiosamente las dos dirigidas por Robert Wise). Alan Jay Lerner, autor del musical ‘Paint Your Wagon’ (pinta tu carromato) quería llevarlo al cine con todo lujo de medios. Él mismo hizo funciones de productor y su inexperiencia en el terreno le hizo pagar caro su error, hasta el punto de que ‘La leyenda de la ciudad sin nombre’ (así se tituló en nuestro país) fue la única película que produjo.

Se excedió de tiempo de rodaje y de presupuesto. Eastwood la tilda como una de las experiencias más desagradables de su carrera, pero no por la calidad de la película en sí (hablamos de uno de esos films a los que el paso del tiempo ha beneficiado en grado sumo), sino por la laboriosa producción que le obligó a estar en el rodaje más tiempo del debido. Desde entonces, el actor decidió tener un mayor control sobre las películas en las que interviniese, para que no se repitiera la experiencia.