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El recientemente fallecido Roger Moore asentó su fama mundial con el agente secreto más famoso de la historia de la literatura y el celuloide, tras ser conocido en medio mundo por haber interpretado la serie ‘El santo’ (‘The Saint’, 1962-1969). De hecho el actor británico ha unido tanto a ambos personajes con su forma de darles vida, que son fácilmente intercambiables, algo que ocurre desgraciadamente también cuando Moore intentó hacer otro tipo de films.

Eso es lo que le pasa a ‘Los ejecutores’ (‘Gli esecutori’, Maurizio Lucidi, 1976), film en el que Moore sustituyó al inicialmente previsto Tony Curtis —vaya cambio— y se puso al servicio del (sub)género del poliziesco que tantos buenos, y malos, resultados dio en la década de los setenta dentro de la cinematografía italiana, sobre todo en co-producciones con España. Al respecto de ésta, cuenta Moore en sus memorias algo muy llamativo y, en cierta medida, gracioso.

‘Un hombre para la eternidad’ (‘A Man For All Seasons’, Fred Zinneman, 1966) es una de las películas más famosas, también de las mejores, en las que participó el recientemente fallecido John Hurt, más conocido por personajes posteriores al film que nos ocupa. Si bien el actor será recordado por personajes, en cierto modo, amables, conviene señalar que era perfecto para dar vida a verdaderos canallas, o valga la vulgaridad, auténticos hijos de puta.

Así lo muestra este film, que además fue el gran triunfador en los Oscars de aquel año, consiguiendo seis estatuillas, entre ellas mejor película, mejor director y mejor actor principal. Una de esas ediciones en las que se hizo justicia teniendo en cuenta los films nominados. Una Academia llena de judíos y protestantes premió una película que versa sobre los últimos días de Tomás Moro, ferviente católico, hombre de gran serenidad, y un ejemplo a seguir.

Jacques Audiard, el director de películas como 'Un profeta' ('Un prophète', 2009) y 'De óxido y hueso' ('De rouille et d'os', 2012) cambia completamente de tercio y se atreve con nada menos que un western. 'The Sisters Brothers' es su título y está basado en la novela homónima de Patrick Dewitt, en cuyo currículum está únicamente el guion de la película 'Terri' (Azazel Jacobs, 2011), protagonizada por John C. Reilly.

Precisamente Reilly es uno de los componentes del terceto de excepción con el que contará Audiard, el citado más Jake Gyllenhaal y Joaquin Phoenix. John C. Reilly también ejerce funciones de productor.

‘Kapò’ (íd., Gillo Pontecorvo, 1960) supone una de las películas más conocidas de la filmografía de la recientemente fallecida Emmanuelle Riva. Se trata de la segunda película de ficción del siempre polémico Pontecorvo, normalmente director de documentales. También es el primer film en solitario de su director, quien la tenía como su película preferida de todas las que había dirigido, incluso por encima de la muy prestigiosa ‘La batalla de Argel' (‘La Battaglia di Algieri, 1964), por la que fue nominado al Oscar al mejor director.

‘Kapò’ causó bastante polémica cuando se estrenó, sobre todo entre la crítica europea, con Jacques Rivette al frente. El director de películas como ‘La bande des quattre’ (1989) y ‘La bella mentirosa’ (‘La belle noiseuse’, 1991) aún no se había estrenado en la dirección de largometrajes cuando, escribiendo para la prestigiosa Cahiers du cinema, arremetió contra la obra de Pontecorvo a raíz del famoso travelling que muestra la muerte de uno de los personajes centrales.

‘Remorques’ (íd., Jean Grémillon, 1941) es una de las películas más destacables de la actriz Michèle Morgan, recientemente fallecida. Grémillon es uno de los cineastas franceses menos reconocidos de una de las gloriosas épocas, quizá la mejor, de la cinematografía francesa, la que va de la década de los treinta a los cincuenta. Directores como Jean Renoir, Marcel Carné, Julien Divivier, Jean Vigo y Henri-Georges Clouzot, entre otros, dejaron algunas de sus mejores obras.

‘Remorques’ es titulada en algunos lugares como ‘Remordimientos’, que aunque puede jugar con cierto tramo del argumento, no hace justicia alguna a un film enormemente intenso. El título en español debería haber sido la traducción literal del original, que en francés significa ‘Remolques’ y que va mucho más acorde, ya que no sólo hace referencia al trabajo del protagonista masculino, sino que incluso posee cierto tono metafórico. Se remolca algo más que barcos a la deriva en esta película.

‘Las inocentes’ (‘Les innocentes’, 2016) es la última película de Anne Fontaine, directora con una filmografía que abarca más de veinte años —dejando a un lado su carrera como actriz, que fue anterior— y en la que se reconocen títulos como ‘Coco, de la rebeldía a la leyenda de Chanel’ (‘Coco Avant Chanel’, 2009) o ‘Dos madres perfectas’ (‘Adoration’, 2013), films, como otros que ha dirigido, con personajes femeninos fuertes y llamativos.

Ese universo femenino —ahora tan de moda en el mundo del blockbuster, en el que simplemente vemos personajes masculinos disfrazados de mujer y que nada tiene que ver con el tratamiento de Fontaine— alcanza su máxima en un film como el presente, que muy probablemente se trate del mejor trabajo de su directora. El poco conocido caso de monjas polacas violadas por soldados rusos, al poco de concluir la Segunda Guerra Mundial, es el terrible contexto de la historia.

El insigne Ángel Fernández-Santos —parece increíble que lleve muerto doce años— comentaba al respecto de ‘El último tango en París’ (‘Ultimo tango a Parigi’, Bernardo Bertolucci, 1972) que se trata de una obra coja y desequilibrada, un poema sobre un náufrago en el asfalto parisiense, que es en realidad la sombra de una miseria colectiva. Qué gran forma de definir esta cinta tan polémica en su tiempo, e incluso ahora, al repetirse exactamente la misma polémica en una demostración de lo cíclico y absurdo de la vida.

Decía el crítico que Bertolucci había puesto en bandeja a Marlon Brando una de las oportunidades de su vida. El actor estaba en un momento inmejorable, el mismo año que ganaría su segundo Oscar, y a pesar de que ya no tenía que demostrar absolutamente nada a nadie, aún tuvo algunas cosas que decir en la década de los setenta. En el film de Bertolucci realiza una de las mejores interpretaciones de su carrera. Casi puede decirse que la película es él.

Tal y como ha anunciado Martin Schulz el presidente del PE en Estrasburgo este miércoles, la co-producción Alemana-Austriaco-rumana 'Toni Erdmann' ha ganado el premio Lux del parlamento Europeo.Su directora, Maren Ade recogió el premio a su película, valorada como un ejemplo de los valores europeos, con un mensaje sobre la necesidad de romper barreras nacionales dentro del continente.

La cineasta ha declarado el orgullo que le produce que para la gente de Estados Unidos no sea una alemana sino europea. La película ha sido elegida por los eurodiputados porque entre sus momentos de carcajada edifica el espíritu europeo, valorando además que sea una coproducción entre Alemania, Austria y Rumanía. La comedia se impuso a otras dos finalistas, 'Ma vie de courgette', de Claude Barras, y a 'À peine j'ouvre les yeux', de Leyla Bouzid.

Whit Stillman ha dirigido cinco películas en 26 años. Lejos parecen quedar los tiempos de ‘Metropolitan’ (íd., 1990) y ‘Barcelona’ (íd., 1994), títulos por los que Whiltman alcanzó algo de prestigio. Ahora regresa tras su paso por televisión con la serie ‘The Cosmopolitans’, y lo hace adaptando a Jane Austen. ‘Lady Susan’ fue un relato que Austen escribió a los 19 años pero que no se publicó hasta mucho después de su fallecimiento. Stillman se acerca y se aleja del mismo.

Resulta curioso que el mundo de Austen no empezase a interesar realmente en el séptimo arte hasta mediados de la década de los noventa, cuando el polifacético Ang Lee filmó ‘Sentido y sensibilidad’ (‘Sense and Sensibility’, 1995) —para el que suscribe uno de los peores films de su director—. En el mal llamado cine clásico existe únicamente una adaptación: ‘Más fuerte que el orgullo’ (‘Pride and Prejudice’, Robert Z. Leonard, 1940). El resto de adaptaciones eran carne de la pequeña pantalla.

‘Capitán Kronos: Cazador de vampiros’ (‘Captain Kronos – Vampire Hunter’, Brian Clemens, 1972) es uno de los films más interesantes de la época más decadente de la Hammer. Un film que tardó dos años en estrenarse, haciéndolo cuando William Friedkin cambió por completo la moda en el cine de terror. Las posesiones demoníacas interesaban más que los vampiros. Se trata de la única película dirigida por Brian Clemens, guionista salido de la televisión

En su curriculum estaba la popular serie ‘Los vengadores’ (‘The Avengers’, 1961-1969), serie muy admirada en la productora británica. ‘Terror ciego’ (‘See no Evil’, Richard Fleischer, 1971) es otro de los guiones por lo que en la Hammer recibieron con los brazos abiertos a Clemens. Él es el responsable de los libretos de los dos films más interesantes de la etapa final de la productora, el presente y la atrevida ‘El Dr. Jekyll y su hermana Hyde’ (‘Dr. Jekyll & Sister Hyde’, Roy Ward Baker, 1971).