Está claro que alcanzar 66 millones de visualizaciones en el primer mes durante el estreno de su cuarta temporada convierte a 'Reacher' en un vivo ejemplo de que no hay cuatro sin cinco... o, mejor dicho, sin seis. Y es que, con la quinta temporada aún en fase de producción, la gente de Amazon Prime Video ha decidido renovar las aventuras de la mole interpretada por un Alan Ritchson que está pasando por su mejor momento a nivel profesional.

No hay cuatro sin... ¿seis?

El anuncio, que ya ha confirmado la gente de Variety, marca la primera renovación doble en un mismo año para la serie. Una maniobra que, después del lapso de 18 meses entre la tercera y la cuarta tanda de episodios, invita a pensar en la voluntad de la plataforma propiedad de Jeff Bezos de reducir progresivamente esta ventana hasta, con suerte, moverse en los márgenes deseables de los 12 meses. 

No obstante, lejos de lo ocurrido con los shows en plataformas como Netflix, cuyas segundas temporadas tienen un desempeño particularmente deficiente cuanto más larga es la espera entre estas y las originales, la cuarta entrega 'Reacher' se las ha apañado para superar los datos de su predecesora. Si sumamos a esto que se encuentra entre las cinco temporadas más vistas de la plataforma, junto a las primeras de 'Fallout' y 'Los anillos de poder',  su continuidad era inevitable.

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Alan Ritchson se sincera sobre la cancelación de una temporada de 'Reacher': "Es mi libro favorito"

Peter Friedlander, director de televisión global de Amazon MGM Studios, ha comunicado así la buena nueva:

“Reacher” pega fuerte. Lo que Lee Child ha creado y lo que Nick Santora y sus equipos creativos han dado vida es, sencillamente, increíble. Alan Ritchson es Jack Reacher: ha ofrecido una interpretación que ha cautivado al público de todo el mundo. Junto con nuestros socios de Paramount Television Studios, estamos encantados de continuar este viaje. Reacher es una serie verdaderamente emblemática, y estamos encantados de formar parte de esta aventura con este extraordinario reparto y equipo técnico para la sexta temporada»

Mientras que la cuarta temporada de 'Reacher' está basada en la novela 'Gone Tomorrow', la quinta, que se está rodando en Toronto, adaptará el libro 'Make Me'. En lo que respecta a la sexta temporada, aún no ha trascendido información sobre qué obra de Lee Child llevará a la pequeña pantalla ni cuándo arrancará su producción, pero estaremos al corriente de cualquier novedad al respecto.

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La noticia 'Reacher' tendrá sexta temporada. Amazon celebra el éxito arrollador de la serie de Alan Ritchson con una doble renovación en el mismo año fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

En 'Star Trek: Espacio Profundo 9' tenían muy claro que Morn, su personaje basado en Norm, de 'Cheers', no podía hablar. En el momento que dijera algo perdería todo su carisma creado a base de episodios y episodios donde los personajes no paran de decir que es un hablador compulsivo... pero en pantalla nunca dice una sola palabra. Es un chiste recurrente buenísimo: tanto, que algunos señalaron que Morn debía tener las últimas palabras de la serie como colofón final. Y algo parecido hubo, solo que no para todo el mundo.

El libro del Morn-ón

Los fans siempre se preguntaron cómo sería la voz de Morn. Bueno, todos excepto los alemanes, porque el doblaje rompió con todas las reglas de la serie en el último episodio de la temporada 2. En él, Quark, el dueño del bar donde siempre está Morn, le deja solo y triste en lugar de escuchar sus penas, y se va de viaje familiar. Entonces, al fondo del plano vemos a Morn, que se encoge de hombros. O eso creíamos.

Porque en Alemania, los responsables del doblaje creyeron que sería más divertido que musitara "Dann nicht", traducido literalmente como "Entonces no" y que es una frase hecha que viene a decir "Pues vale". Nunca más volvió a hablar ni antes ni después, pero le dejaron este regalo a los fans germanos. Y eso que varias veces a lo largo de la serie se planteó que el personaje hablara... solo para llegar a un punto muerto.

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Tal y como dice Mark Allen Shepherd, que le interpretaba, solo pudo decir algo en un vídeo tras las cámaras, como afirma en StarTrek.com, "pero no es la única vez que se consideró a Morn para un papel con diálogo. Hubo muchos guiones donde Morn hablaba. Uno tenía lugar en el universo alternativo. Tristemente, siempre lo quitaban". La broma habría funcionado de manera espectacular, pero supongo que los fans no siempre tienen lo que quieren. Dann nicht!

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La noticia El personaje de 'Star Trek' que solo pronunció dos palabras en 7 temporadas, y exclusivamente en Alemania fue publicada originalmente en Espinof por Randy Meeks .

Tras el gran éxito de 'Yellowstone', su creado Taylor Sheridan ha logrado trabajar con muchas estrellas en algunas de las series que ha ido creando a lo largo de los años, desde Sylvester Stallone en 'Tulsa King' hasta Michelle Pfeiffer en 'The Madison'. A esa lista habría que sumar también a Zoe Saldaña, que lidera el reparto de 'Operaciones especiales: Lioness' y no quiere saber nada de hacer otra serie a las órdenes de Sheridan.

Saldaña interpreta en 'Operaciones especiales: Lioness' a Joe McNamara, una oficial de la CIA a cargo del programa que da nombre a la serie. Estrenada en 2023, ya hemos podido ver tres temporadas de la serie, aunque por el momento todavía no se ha anunciado si habrá o no una cuarta.

Eso sí, la negativa de la ganadora de un Óscar por su inolvidable interpretación en 'Emilia Pérez' no tiene nada que ver con que se lleve mejor o peor con Sheridan. Ella misma explica en People que el trabajo que requiere para estar a la altura en 'Operaciones especiales: Lioness' simplemente no le deja espacio para más:

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La película que obligó a Zoe Saldaña a pedir perdón públicamente entre lágrimas: "Nunca debería haberla hecho"

Joe McNamara y 'Operaciones especiales: Lioness' es todo lo que puedo abarcar en este momento. Soy la número uno en la lista de rodaje. Soy la primera en llegar y la última en irme. Me preparo con meses de antelación, mucho antes de que nadie pueda hacerlo. Así que de por sí ya es mucho trabajo para mí.

Además, sobre su relación con Sheridan destaca que "lo positivo, y por lo que estoy agradecida, es que él sabe que soy confiable, igual que Joe. Sabe que soy honesta, dura como una roca, expresiva y con opiniones firmes". Ella misma sentencia que "tengo mis propias ideas y siempre me entrego por completo, con toda mi alma y con toda mi fuerza, así que no, creo que estoy bien aquí en Operaciones especiales: Lioness".

Lo que sí se ha mostrado dispuesta es a hacer una cuarta temporada, así que mucho están tardando en anunciarla. Que además el contrato de Sheridan con Paramount sigue en pie hasta que a finales de 2028 se marche a Universal, por lo que tampoco tienen excusa por ese lado...

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La noticia "Ya es mucho trabajo para mí". La actriz ganadora del Óscar, Zoe Saldaña, ya no aparecerá en ninguna serie del creador de 'Yellowstone' fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Mucho se está hablando últimamente de la lista de las 100 mejores series del siglo XXI publicada por The New York Times, pero hay un detalle que quizá se le está pasando por alto a algunos, ya que la miniserie que ocupa es una posición más alta no es 'Hermanos de sangre', y tampoco 'Chernobyl'. Ese honor a ido a manos de 'Podría destruirte', que podéis ver actualmente en HBO Max.

Creada, escrita, codirigida y protagoniza por Michaela Coel, 'Podria destruirte' cuenta la historia de Arabella, una escritora que ha conseguido un gran éxito con su primer libro y está actualmente preparando el segundo. Una noche sale de fiesta con sus amigos y a la mañana siguiente le cuesta recordar lo que ha pasado, pero con la ayuda de sus amigos logra rememorar que ha sido víctima de una violación.

Netflix se quedó con las ganas

Inicialmente, Netflix estuvo muy interesada en llegar a un acuerdo con Coel para hacer 'Podría destruirte', pero la plataforma quería quedarse con todos los derechos sobre la serie, algo a lo que Coel se opuso en rotundo. Uno de los principales motivos es que la serie está basada en una historia real sufrida por ella misma, así que no estaba dispuesta a que pasase a ser propiedad de Netflix.

Finalmente, BBC y HBO unieron fuerzas en su momento para sacar adelante esta miniserie de 12 episodios que se estrenó en junio de 2020.  Pese a la gran acogida que tuvo por parte de la crítica -tiene un impresionante 98% de valoraciones positivas en Rotten Tomaotes- y el enorme impacto que tuvo tanto culturalmente como entre los espectadores que la vieron, lo cierto es que sus datos de audiencia en televisión no fueron estelares.

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No obstante, el impacto del streaming se dejó notar y 'Podría destruirte' fue ganando progresivamente adeptos, lo que ayudó a que su prestigio también se extendiese entre las opiniones del público. Eso sí, se da la particularidad de que se quedó sin el Emmy a la mejor miniserie del año, ya que le fue imposible superar el tremendo fenómeno de 'Gambito de dama'.

Por si os habéis quedado con curiosidad sobre el dato concreto, 'Podría destruirte' ocupa el puesto 17 entre las mejores series del siglo XXI según The New York Times -siendo la primera miniserie en mencionarse-, superando por poco a  'Chernobyl', que ocupa el puesto 18, y 'Hermanos de sangre', que se conforma con la posición 28.

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La noticia Ni 'Chernobyl', ni 'Hermanos de sangre'. La elegida mejor miniserie del siglo XXI es esta obra maestra de 12 episodios que puedes ver en HBO Max fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Vin Diesel ha quedado asociado para siempre a la saga 'Fast & Furious', pero lo cierto es que inicialmente se negó a continuar en la misma. De hecho, solamente la posibilidad de recuperar los derechos de otra franquicia por la que siente mucho aprecio hizo que regresara como Dominic Toretto, pero esta vez ya para siempre.

Con todavía algunas incógnitas alrededor de 'Fast & Furious 11', que en principio servirá para poner punto y final a este loco universo automovilístico, lo que me parecido interesante ahora es recuperar unas declaraciones de Diesel dejando totalmente claro el motivo por el que abandonó la saga en primera instancia.

No confiaba en las secuelas

La cuestión es que Diesel creía por aquel entonces que la mayoría de las secuelas acababan degradando a la película original, y no quería que sucediera lo mismo con 'A todo gas'. Así lo explica en RTE Entertainment: 

La primera película era tan buena que no quería hacer ni una secuela porque creía que arruinarían las posibilidades de que la primera se convirtiera en un clásico. En los años 90 era muy común convertir las películas en franquicias y que pasara eso.

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Siendo justos, es verdad que hay algunas secuelas especialmente horribles que tampoco pasaría nada si fuesen borradas de la existencia. Sin embargo, eso no conlleva que se pierda la obra original. Un buen ejemplo de ello lo tenemos con 'Speed', pues el thriller liderado por Keanu Reeves y Sandra Bullock es todo un clásico del cine de acción de los 90, mientras que 'Speed 2' es algo que simplemente existe.

De hecho, el guion que le ofrecieron no le gustó demasiado, incluso aunque le ofrecieran 20 millones de dólares por retomar el papel. Sin embargo, él mismo confesó años después que se había equivocado creyendo que así protegía este universo: 

Me habría dicho a mí mismo: ‘No abandones el proyecto solo porque el guion de 2 Fast 2 Furious es malo, porque tienes la obligación con el público de luchar, pase lo que pase, para que esa película sea lo mejor posible’. Simplemente abandonarla no ayuda en absoluto a esa saga. 

'Fast & Furious 2' acabó siendo la única película de la franquicia en la que Diesel no participó, y también la peor entrega de la saga con mucha diferencia con respecto a las demás.

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La noticia Vin Diesel, sobre 'Fast & Furious': "Nunca quise hacer ni una secuela porque creía que arruinarían las posibilidades de que la primera se convirtiera en un clásico" fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Hace cosa de un día llegaron desde el otro lado del charco las primeras opiniones sobre 'Godzilla Minus Zero' para no confirmar, pero al menos sugerir que el Rey de los Monstruos está de vuelta por todo lo alto con una secuela a la altura de lo que lograron continuaciones de la talla de 'Terminator 2', 'El caballero oscuro' o la mismísima 'El Padrino: Parte II' con un largometraje tan descomunal como su lagarto atómico protagonista. 

Lagartos para adultos

Entre las muchas virtudes que se están reivindicando de la película, además de su preciso equilibrio entre carga dramática y espectáculo, sus lecturas y su sólida dirección, se ha destacado con fuerza el abrazo a una calificación por edades para adultos que, a priori, no encajaría con un blockbuster que aspira a atraer a la mayor parte del público posible. Pero, Takashi Yamazaki no le tiene miedo ni al éxito, ni a una R en el cartel de su obra.

Durante uan entrevista con Variety en el marco del New York Film Festival, el realizador japonés explicó por qué decidió abrazar la calificación R y, a priori, restringir el acceso al filme a buena parte de su público potencial —recordemos que, en Estados Unidos, los menores de 17 no pueden acudir a una proyección de esta categoría sin acompañar por un adulto—.

Lógicamente, como estudio —e incluso como director— quieres que vea tu película la mayor cantidad posible de público, así que una calificación R puede parecer una especie de barrera, y por supuesto que va a haber conversaciones sobre "¿Hey, no podíamos haber bajado esto a un PG-13?". A pesar de eso, hubieron ciertas escenas que, para mí, como director, eran esenciales par ala película. Censurarlas o cortarlas nunca fue una opción para mí.

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Pero Yamazaki tiene cierta esperanza que no está, ni mucho menos, infundada. Durante los últimos años se han ido estrenando títulos de la talla de 'Joker', 'Deadpool y Lobezno' o 'La Odisea' que se las apañaron para recaudar en todo el mundo 1 070 millones de dólares, 1 330 millones de dólares y 1 720 millones de dólares respectivamente a pesar de ser para mayores de 18 años. 

Creo que la calificación R llegó a tener una connotación negativa en cierto punto. En películas más modernas crea una especie de expectativa y emoción en torno al, "Vale, no han censurado nada. Las voces del director y el reparto están ahí, tal y como son". Así que es muy alentador ver que otras películas que nos han precedido han tenido mucho éxito en la taquilla con una calificación R. Con suerte, podemos continuar con esa tónica con Godzilla Minus Zero.

Con o sin escenas que podrían herir la sensibilidad de los más jóvenes, 'Godzilla Minus Zero' llegará a nuestras salas de cine el 6 de noviembre de este mismo 2026; fecha que la convierte en uno de los estrenos más esperados del último trimestre del curso cinematográfico. 

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La noticia El director de 'Godzilla Minus Zero' explica por qué la película tiene una calificación para adultos: "Censurarla nunca fue una opción" fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Los videojuegos están a la orden del día en cuanto a adaptaciones. En lo que estamos gozando de magníficos dramas postapocalípticos como 'The Last of Us' y 'Fallout' y esperamos 'God of War', en breve también tendremos el desembarco de otra conocida franquicia, concretamente del género FPS: 'Far Cry'.

Noah Hawley y Rob Mac (antiguamente MacElhenney) unen fuerzas para llevar el FPS a la mundo de la televisión de la mano de Disney en una antología de FX que veremos próximamente en Disney+. Y vamos a repasar todo lo que sabemos.

La historia

La primera en la frente, al menos de momento, ya que desde FX, canal productor de la serie, están guardando los detalles argumentales en secreto. Además, hay que tener en cuenta que ya de por sí la saga de videojuegos no es que tenga una trama homogénea o ni siquiera temática (caben elementos de todo tipo desde rebeliones hasta experimentos genéticos) en lo que se desarrolla la aventura del protagonista (cada vez distinto).

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Eso se une a la intención de su cocreador, Noah Hawley, de no adaptar una entrega en concreto. Lo que hace que podamos estar dando palos de ciego intentando averiguar por dónde van a tirar. Para Hawley va a hacer con 'Far Cry' una exploración parecida de su mundo a la que ha hecho con 'Fargo':

«Una cosa que realmente me atrajo a la franquicia de Far Cry es que es una antología y cada vez que lanzan un juego es una historia completamente diferente. Así es como hago 'Fargo' y ha sido una idea emocionante que podamos construir una adaptación antológica en la que cada temporada es una historia diferente sobre gente civilizada lanzada a situaciones en las que se deben volver cada vez más incivilizada.»

Los videojuegos

No está de más familiarizarse un pelín con esta saga originaria de Alemania y que cuenta con seis entregas, de desigual recepción, y varios spin-offs. Vamos a repasar escuetamente la trama de cada uno:

• Far Cry: seguimos a Jack Carver en lo que busca a un periodista que le acompañaba en una expedición en un archipiélago de la Micronesia. Este juego tuvo un remake (Instincts) con secuela incluida (Evolution) y además fue el material de partida para la película de Uwe Boll.
• Far Cry 2: asumimos el papel de un mercenario con la misión de matar a The Jackall, un traficante de armas que se está lucrando de un conflicto en el África oriental. Con el lanzamiento de esta entrega desde Ubisoft empezaron a trabajar la franquicia actual.
• Far Cry 3: En esta ocasión nos ponemos en la piel de un turista en lo que se adentra en la peligrosa aventura de rescatar a sus amigos en un archipiélago tropical. Este juego contó con una expansión titulada 'Blood Dragon', una aventura retrofuturista muy influenciada por las grandes películas de acción de los 80. También está 'Dive into Insanity', que cuenta con el mismo antagonista y entorno.
• Far Cry 4: Nos vamos a un país ficticio del Himalaya en plena guerra civil en la que se ve involucrado Ajay Ghale, que está visitando su país de origen para cumplir la voluntad de su madre. De aquí salió 'Far Cry Primal', que nos llevaba a un valle centroeuropeo en la edad de piedra.
• Far Cry 5: Con sectas apocalípticas hemos topado en una entrega ambientada en Montana, Estados Unidos, donde un ayudante del sheriff se ve envuelto en un conflicto violento entre esta secta y los habitantes del condado. Este juego tiene una secuela, 'New Dawn', que se sitúa 17 años después de uno de los finales.
• Far Cry 6: La revolución ha llegado con una entrega ambientada en una isla bastante parecida a Cuba gobernada por un dictador. Para intentar derrocarlo tenemos al guerrillero Dani Rojas.

El reparto

Aquí se notan que tienen, al menos, interés en captar nuestra atención si no la teníamos ya porque desde FX han anunciado un reparto bastante llamativo para esta primera temporada. 

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Junto a Rob Mac ('Colgados en Filadelfia'), que también cocrea la serie, tendremos a Brendan Gleeson (Braveheart), Jennifer Jason Leigh (Los odiosos ocho), Hasmish Linklater (La maldición de Widow's Bay), Sam Spruell (El caballero de los siete reinos), Jamie Demetriou (Stath Lets Flats), Lizzy Caplan (Mean Girls) y Steve Buscemi (Fargo).

Eso sí, lamentablemente sus papeles no han trascendido, aunque no tardaremos en saber mucho de ello...

La producción y el rodaje

Y no lo haremos porque la buena noticia es que el rodaje de esta primera temporada de 'Far Cry' ha arrancado este mes de septiembre en Málaga, concretamente en la antigua prisión provincial de la ciudad andaluza. Más allá de esta localización se desconocen por completo los planes.

Esto incluye cuándo podremos ver la serie, que cuenta con Hawley de director y guionista junto a Rob Mac, que no es nuevo en trabajar con la gente de Ubisoft ya que fueron los productores de la desternillante comedia gamer 'Mythic Quest'.

En la producción ejecutiva se encuentran Simon Emanuel, Emilia Serrano para 26 Keys, Nicholas Frenkel para 3 Arts, Monica Macer, Peter Calloway, John Campisi, y Gerard Guillemot, Margaret Boykin y Austin Dill para Ubisoft Film & Television. 

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La noticia 'Far Cry'. Todo lo que sabemos de la adaptación del videojuego de Ubisoft para Disney+ fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Como alguien que se enamoró perdidamente del corte de pelo de Jake Gyllenhaal en 'Prisioneros' y lo llevó durante una larga temporada, debo de decir eso de "El que esté libre de pecado, que tire la primera piedra" antes de pedir que, por favor, la gente deje de copiar el icónico estilo capilar de Tom Shelby en la serie 'Peaky Blinders'. Pero ojo, porque los detractores de la tendencia también se encuentran dentro de la producción.

"Hazme un Shelby" 

Si frecuentas un gimnasio por la tarde, es más que probable que, desde hace un par de semanas, hayas visto llegar en masa hordas de chavales con un French Crop que se adueñan de las poleas durante media hora mientras miran el móvil entre series. No sabemos si la producción protagonizada por Cillian Murphy tiene la culpa, pero si le has cogido una rabia irracional a este corte, debes saber que el actor irlandés está en tu equipo. 

Durante su paso por el siempre genial 'The Graham Norton Show' hace cosa de un año, Murphy, que se encontraba promocionando el largometraje 'Peaky Blinders: El hombre inmortal', dejó caer su desagrado hacia un corte de pelo que, según afirmó Jodie Turner-Smith, "Está en todas partes gracias a él", mientras dio una breve lección de historia sobre el mismo.

Es asqueroso. La historia detrás de ese corte de pelo es que se inventó para prevenir los piojos. Tienes como el 60 % más de oportunidad de no cogerlos, supongo.

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El creador de 'Peaky Blinders' promete más. La película de Netflix no será la última entrega de la fenomenal saga criminal

Greta Lee y Taylor Swift, también presentes, bromearon sobre la presunta efectividad del invento, nacido en la Normandía francesa y popularizado durante la I Guerra Mundial —cuando muchos peluqueros se alistaron en el ejército— haciendo referencia al pegote de cabello que queda en la parte superior de la cabeza: "¡Pero aún tienes todo eso ahí arriba!". 

Nosotros tampoco entendemos la ciencia detrás del French Cut y su poder antiparasitario, pero lo que sí queda claro cristalino es el poder de la ficción para crear iconos que arraigan ya no solo en la cultura popular, sino en las tendencias estilísticas... para bien o para mal.

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La noticia El corte de pelo de Tom Shelby en 'Peaky Blinders' prolifera como los hongos, pero Cillian Murphy no lo entiende: "Es asqueroso" fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Mark Jenkin es el cineasta británico más interesante salido en los últimos años del que todavía nadie te ha dado la tabarra. Probablemente por ser tan intrínsecamente británico, hasta el punto de hacer sólo historias que tienen lugar en islas o zonas pesqueras de Cornualles, y también por un estilo cinematográfico áspero y experimental que trastoca tipos de fotoquímico ya en completo desuso.

Sus formas tienen algo de bressoniano, pero su montaje es de todo menos clásico. Sus personajes están afectados por vivir en un entorno vivo en el pasado pero abandonado a su suerte o gentrificado en el presente. Todo esto generan cualidades de un cine que parece fuera del tiempo, e increíblemente rico en su rechazo de los convencionalismos aunque ver sus películas requiera máxima atención. Claramente sólo él podía hacer la película de viajes en el tiempo más única que podrías ver ahora mismo.

Fuera del tiempo

‘Rose of Nevada’ es la tercera película del cineasta británico, y la primera con estrellas de la talla de George MacKay y Callum Turner (también regresan protagonistas de sus anteriores films). Esto le lleva a tener un toque más accesible de lo habitual, pero no demasiado, haciendo la película de fantasía más cruda, melancólica y confusa del año, y también una de las mejores que puedes ver en streaming a través de Filmin.

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En ella, un pueblo pesquero en decadencia observa el regreso de una embarcación conocida como el Rose of Nevada que desapareció hace ya 30 años. Lejos de impresionarse, hacen los preparativos para que vuelva pronto al mar donde pertenece. Encontrar la tripulación dispuesta a subirse no es fácil, pero se encuentran voluntarios en un joven padre de familia necesitado de dinero para reparar el techo de su casa y otro perdido sin rumbo que quiere dejar atrás su pasado.

Estos personajes tan distintos proporcionan parte de la riqueza de la película ‘Rose of Nevada’, ya que ambos tienen una relación muy distinta con el viaje en el tiempo en el que terminan involucrados. A dónde son transportados y qué efecto o relación mantienen con el lugar es algo que vale la pena descubrir por uno mismo.

‘Rose of Nevada’: abandonados a su suerte

Son arcos bien trazados, aunque contados con la idiosincrática y radical perspectiva de Jenkin. Imágenes de 16mm gastadísimas que proporcionan una atmósfera extraordinaria a esta aventura pesquera, montaje que rompe líneas hasta parecer que secuencias que deberían ir de manera consecutiva se van entrelazando y dan más sensación de estar en un tiempo perdido.

Esto beneficia increíblemente cómo Jenkin explora las comunidades costeras del Reino Unido, cómo su esplendor pasado derivado de la necesidad de su labor ha quedado reducido a precariedad increíble sin perderse nada del riesgo de meterse en alta mar. Aun así, nadie de la comunidad puede permitirse no tener actividad pesquera, porque no tienen lugar al que escapar.

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Ya es oficial. La mejor película de ciencia ficción del año por fin tiene fecha de estreno en España y llega en cuestión de días

El director de Cornualles hace un uso increíble de técnicas abandonadas para que la forma acompañe al fondo. Es lo que hizo destacar su notable debut ‘Bait’ y lo que engrandece también a ‘Rose of Nevada’, haciendo algo profundamente específico y poco complaciente con el espectador turista que parece estar acusándote de gentrificar, incluyendo resoluciones que no acaban donde uno espera. Pero su cine es de lo más estimulante salido de esa zona recientemente, conectándonos con un espacio desafiando la concepción lineal del tiempo y creando maravillas como ésta.

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La noticia Es la película de viajes en el tiempo más original e increíble del año, tan confusa como melancólica, y la puedes ver en streaming fue publicada originalmente en Espinof por Pedro Gallego .

Queda bien poquito para que tengamos que dejar atrás septiembre, por lo que va siendo hora de hacer el repaso a los 7 estrenos imprescindibles de Netflix en octubre de 2026. En esta ocasión hasta me ha costado tener que dejar algunos títulos fuera, por lo que promete ser un mes repleto de lanzamientos muy llamativos.

'Al este del Edén'

La novela de John Steinbeck ya sirvió hace más de 70 años como base para una emblemática película de James Dean. Ahora regresa con una nueva versión en forma de miniserie que cuenta con el gran aliciente de la presencia en su estimulante reparto de Florence Pugh.

Estreno el 1 de octubre de 2026

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'Animales'

Ben Affleck parece que está muy a gusto en Netflix, pues hace unos meses ya estrenó 'El botín' y ahora vuelve con un thriller que coescribe, dirige y protagoniza. Gillian Anderson, Kerry Washington y Steven Yeun le acompañan al frente del reparto de cómo secuestran al candidato a alcalde de los Ángeles y no tienen el dinero suficiente para pagar el rescate por haberlo invertido en su campaña política.

Estreno el 9 de octubre de 2026

'La diplomática', temporada 4

Este thriller liderado por Keri Russell nunca ha tenido audiencias enormes, pero sí una gran consistencia siendo una de las mejores series en emisión de Netflix. Además, cada año llega una nueva temporada y ahora toca descubrir qué hará Kate con todo lo que descubrió al final de la tercera entrega...

Estreno el 15 de octubre de 2026

• Crítica de 'La diplomática'

'Lo dejamos acá'

Ricardo Darín y Diego Peretti protagonizan esta película argentina de suspense sobre un psicoanalista que ha perdido la fe en los métodos habituales, lo que le lleva a sobrepasarse con sus pacientes. Lo curioso es que parece que funciona, pero la cosa se complica cuando llega a la consulta un escritor con bloqueo creativo.

Estreno el 16 de octubre de 2026

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Las 18 mejores películas de suspense y thrillers en Netflix

'Lupin', temporada 4

Más de tres años hemos tenido que esperar los fans de este simpático thriller liderado por Omar Sy para poder ver los nuevos capítulos. La buena noticia es que va a ser la más larga hasta ahora, aunque eso solamente suponga que en esta ocasión va a constar de 8 episodios.

Estreno el 23 de octubre de 2026

• Crítica de 'Lupin'

'Grande de España'

Álvaro Fernández-Armero y Juan Cavestany están detrás de esta comedia satírica en formato miniserie de 6 episodios y con Antonio de la Torre al frente del reparto. Cuenta la historia de un marqués arruinado que aspira a ser nombrado Grande de España y que idea una única salida para salir del paso: vender su palacete familiar situado en Madrid.

Estreno el 23 de octubre de 2026

'Colisión'

Daniel Sánchez Arévalo nos demostró hace unos meses que seguía en forma con la notable 'Rondallas', por lo que esperemos que sigue igual de inspirado en este thriller de atracos protagonizado por Laia Costa, Luis Zahera y Karra Elejalde. Cuenta la historia de cómo se complica un robo a un banco de Madrid en plena crisis económica.

Estreno el 30 de octubre de 2026

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La noticia Los 7 estrenos imprescindibles de Netflix en octubre de 2026. De la nueva película de una de las mayores estrellas del cine al regreso de una de las mejores series de la plataforma fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Es fascinante leer las secciones de correo de los primeros cómics de Marvel, porque prácticamente estaban dejando que el público decidiese cómo debían avanzar. Si un enemigo gustaba, saldría dos meses después. Si el traje de un héroe no tanto, se cambiaba. Si pedían un enfrentamiento entre dos personajes, se forzaba como fuera. 

Es la prueba perfecta de que al fandom hay que hacerle caso solo de vez en cuando: centrarte en los fans acérrimos y sus exigencias solo va a arruinar lo que estés tramando, y eso es algo que, con suerte, los hermanos Russo han aprendido antes de rodar 'Vengadores: Doomsday'.

Is very difficult todo esto

Ahora, tal y como recoge Variety, Anthony Russo ha vuelto a comentar la importancia del fandom en el Marvel actual. Porque cambia de medio, sí, pero evoluciona lo justo. "Encontrar el equilibrio entre evolucionar la historia y honrar a los personajes de siempre es una parte muy difícil del proceso porque, básicamente, tenemos que usar nuestro propio criterio porque amamos a los personajes y la historia de la misma forma que lo hacen muchos fans".

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Ojalá me equivoque, pero creo que el tráiler de 'Vengadores: Doomsday' es lo más vendehúmos que ha hecho Marvel en 18 años

Pero hay una cosa que nos gusta recordar a la gente: el fandom no habla con una sola voz. Hay una gran variedad de opiniones en términos de quién responde a qué personajes y a qué versiones de qué personajes. La relación entre la gente y los personajes es muy compleja.

Russo también afirma que él y su hermano tienen "mucho respeto por el viaje y la historia que estos personajes han tenido hasta ahora. Es gran parte de su magia. Pero al mismo tiempo necesitamos sorprendernos a nosotros mismos al hablar de quiénes son estos personajes, dónde pueden ir, qué pueden hacer, qué puede pasar y, haciéndolo, con suerte también sorprenderemos al público". No será, desde luego, por falta de superhéroes, porque a pesar de haber anunciado un montón de sillas vacías, aún les queda tiempo para más.

El reparto es tan largo... Hay parte que hemos anunciado, y parte que no. A veces me confundo yo mismo, no sé a quién hemos anunciado y quién no, así que tengo que ralentizar lo que digo. 

Pues nada, el 18 de diciembre saldremos de dudas, pero es probable que los Russo hayan querido sacar pecho y esté todo el mundo, literalmente, desde Hulka hasta Caballero Luna. Y es que, ¿alguien se imagina 'Vengadores: Doomsday' sin Ryan Reynolds, por ejemplo?

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Estos días la atención de los seguidores de 'El señor de los anillos' y la obra de JRR Tolkien se centra en el rodaje de 'The Hunt for Gollum', pero antes de la película de Andy Serkis fue la trilogía dirigida por Peter Jackson la que disparó la popularidad del universo de la Tierra Media. Eso no supuso que estuviese libre de críticas en su momento, claro. Ya os comenté por qué creo que Jackson acertó cambiando el final de 'El señor de los anillos', y ahora quiero hablar del personaje de Tom Bombadil.

¿Por qué Tom Bombadil no sale en 'La comunidad del anillo'?

Aquellos que no hayan leído la novela original puede que no sepan a quién me refiero al decir el nombre de Tom Bombadil, pero es que se trata de uno de los personajes más queridos creados por Tolkien y muchos fans de 'El señor de los anillos' pusieron el grito en el cielo al no verle en pantalla durante 'La comunidad del anillo'. La serie de Amazon, 'Los anillos de poder', corrigió esa ausencia y presentó a su versión de Bombadil. Pero como digo, Peter Jackson no lo consideró necesario y lo explicó con estas declaraciones:

"La historia de 'El señor de los anillos' en nuestra película, en su forma más sencilla, es Frodo llevando el anillo. Al final tiene que ir a Mordor y destruirlo. ¿Qué tiene que ver realmente Tom Bombadil con el anillo? Sé que hay cosas sobre el anillo en el episodio de Bombadil, pero no hace avanzar la historia, no nos cuenta cosas que necesitemos saber."

Una ilustración de Tom Bombadil

A pesar de la decisión de Jackson, la historia de la película se diseñó de tal forma que cabe pensar que los hobbits visitaron a Tom Bombadil sin que esa reunión aparezca en pantalla. Pero claro, eso no fue suficiente para muchos fans. En parte porque es el único personaje inmune al poder corruptor del anillo (y tampoco se volvía invisible al ponérselo), por lo que en la novela se llegaba a proponer entregárselo durante el Concilio de Elrond. Una opción que en la obra de Tolkien se acabó descartando porque no estaban seguros de que este enigmático y alegre personaje fuese a vigilar el anillo con el cuidado que merecía.

Al descartar todo lo de Bombadil, el cineasta neozelandés consiguió aligerar un poco el ya de por sí abultado metraje de 'La comunidad del anillo' ya que dotar de una mínima entidad a la aparición del personaje hubiese requerido fácilmente 15 o 20 minutos extra de metraje.

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Todo ello además con el inconveniente de no poder dejar claro quién era Bombadil más allá de que siempre ha estado presente durante la historia de la Tierra Media. A cambio, su eliminación tuvo una consecuencia negativa inesperada y es que el Concilio de Elrond queda reducido a poco más que un trámite para determinar quién era el elegido para soportar el peso del anillo en el duro viaje hasta llegar al Monte del Destino.

Un problema sin mucha importancia, a mi juicio, ya que incluir a Bombadil se hubiese cargado el ritmo de la película para al final acabar en el mismo punto en el que ya habrían estado antes de conocerle. Con todo, Peter Jackson consideró seriamente incluir un guiño directo a Tom Bombadil, pero acabó descartándolo por falta de tiempo. Y no era una mala idea, pero el conflicto del Concilio de Elrond seguiría entonces ahí. Esto fue lo que se le ocurrió:

"Lo que barajamos, y era realmente para los fans, fue tener a los hobbits paseando por el Bosque Viejo y ver un gorro emplumado atravesando los árboles, escuchar el sonido de la voz de Tom Bombadil cantando y que los hobbits se dieran la vuelta y huyeran tan rápido como pudieran. Pensamos que así se reconocería a Tom Bombadil de una manera cariñosa y bromista. Pero no tuvimos tiempo de hacerlo."

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Algunas películas adquieren una dimensión distinta cuando la historia que cuentan se cruza, aunque sea de manera inesperada, con la historia de uno mismo. Es lo que me ocurre con 'La bola negra', la nueva película de Javier Calvo y Javier Ambrossi, una historia sobre deseo, identidad, represión y memoria histórica -y queer- que atraviesa varias épocas de la historia de España. 

Y quizá por eso a mí me resulta imposible verla sin pensar en Gregorio Prieto, uno de los grandes artistas de la Generación del 27 y una figura fundamental de la cultura de Valdepeñas, mi pueblo, que, pese a su estrecha relación con Federico García Lorca y otros miembros de aquella generación, ha quedado injustamente eclipsado por otros nombres mucho más conocidos. No porque 'La bola negra' cuente su historia -no lo hace- ni porque Los Javis hayan señalado a Prieto como una referencia directa, sino porque algunas de las imágenes, los cuerpos y la forma de representar una homosexualidad vivida con libertad, o no, y deseo evocan inevitablemente a un mundo que Prieto conocía muy bien. 

Un mundo en el que también estuvieron Lorca, Cernuda, Vicente Aleixandre y tantos otros hombres que tuvieron que inventar sus propios códigos para poder quererse cuando hacerlo abiertamente era prácticamente imposible. Y hay algo que me emociona especialmente, que es pensar que la historia que se cuenta de Rafael y Lorca podría haber sido también la de Lorca y Prieto, que compartieron una relación igual de estrecha.

Imaginería y simbología queer

Gregorio Prieto tenía 26 años cuando, en abril de 1924, inauguró su primera exposición individual en Madrid. Había conseguido escapar del futuro que su padre había imaginado para él y se había preparado a escondidas para entrar en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. Allí conoció a Rosa Chacel y comenzó a relacionarse con el grupo de artistas y escritores que terminaría formando parte de la Generación del 27. En aquella época, Prieto todavía estaba construyendo su propio lenguaje como pintor y artista, pero ya formaba parte de un ambiente cultural extraordinariamente moderno y abierto para la España de los años veinte.

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A aquella exposición acudió también un joven Federico García Lorca junto a otros estudiantes de la Residencia de Estudiantes. Lorca quedó fascinado por la pintura de Prieto y quiso que el artista le hiciera un retrato. De hecho, aquella relación terminaría dejando una huella mucho más profunda que un cuadro: porque Prieto y Lorca compartieron amistad, admiración y también un posible affaire, según la documentación recogida por Ian Gibson en sus investigaciones sobre la vida y el mundo homosexual de Lorca, y también algunos dibujos concretos que Prieto hizo de Lorca desnudo. No fueron dos desconocidos que coincidieron fugazmente, sino dos hombres que formaron parte de ese particular círculo de artistas homosexuales que orbitaba alrededor del poeta.

De hecho, la propia historia real tiene algo de película incluso antes de que Los Javis entren en escena. La primera noche que se conocieron, Lorca invitó a Prieto a tomar un té con dulces granadinos en su habitación de la Residencia de Estudiantes. Allí tenía sobre la cama un dibujo de la Virgen de los Siete Dolores y, al darse cuenta de que Prieto no dejaba de mirarlo, se lo regaló. Hoy aquel dibujo se conserva en el Museo Gregorio Prieto de Valdepeñas, el pueblo manchego al que el artista estuvo siempre vinculado y que, para mí, hace que toda esta historia tenga todavía otra capa más.

Porque Prieto no fue simplemente el pintor que hizo uno de los retratos más conocidos de Lorca. Su propia obra estuvo atravesada durante décadas por una fascinación por los cuerpos masculinos, los marineros, las estatuas clásicas y una estética cargada de homoerotismo -y que también se reflejan en la película-. Durante su estancia en Roma, entre 1928 y 1932, desarrolló junto a Eduardo Chicharro Briones una serie de fotografías surrealistas en las que él mismo aparecía vestido de marinero, jugando con la belleza, la ambigüedad sexual y la iconografía clásica. En esas imágenes hay algo de celebración y de juego que conecta sorprendentemente bien con algunas de las estampas más libres y sensuales que propone 'La bola negra'.

Y ahí es donde la película de Los Javis y Gregorio Prieto empiezan a encontrarse sin necesidad de que exista una relación directa entre ambos. La bola negra recupera una representación de la homosexualidad que no se limita al sufrimiento, la clandestinidad o la tragedia. También hay deseo, cuerpos, complicidad, humor, belleza y una sensación de comunidad que acaba siendo especialmente poderosa cuando pensamos en la época en la que transcurren algunas de sus historias. Porque el pintor también construyó un imaginario en el que ser un hombre homosexual podía representarse desde la fascinación y el deseo, incluso cuando la sociedad que lo rodeaba obligaba a esconderlo.

De hecho, la Guerra Civil cambió radicalmente ese mundo. Prieto salió de España en 1936 pensando que estaría fuera apenas unos meses y terminó pasando varios años en Inglaterra. Durante ese tiempo atravesó momentos durísimos, llegó a dormir en bancos de parques y compartió piso con Luis Cernuda. Cuando regresó a España en 1947, ya era otra persona y buena parte de aquella libertad homoerótica que había caracterizado su obra quedó atrás. Y es difícil no pensar en todo lo que se perdió por el camino: no solo vidas como la de Lorca, sino también una forma de entender el deseo y la creación que la guerra y la dictadura se encargaron de silenciar.

Por eso 'La bola negra' puede resultar especialmente emocionante para quienes conocemos, aunque sea de lejos, aquella historia. La película de Los Javis no cuenta la vida de Gregorio Prieto ni adapta su obra -al menos no se refieren a ella directamente-, pero su forma de imaginar una memoria queer española conecta con un mundo que él ayudó a construir y que durante demasiado tiempo quedó escondido detrás de los grandes nombres de la Generación del 27. 

Y para mí hay algo muy especial en que una película como esta nos permita volver a mirar hacia figuras como Prieto, no solo como una nota al pie de la historia de Lorca, sino como un artista con una vida, unos amores y un imaginario propios. Es inevitable imaginar que, en otra película que alguien hubiera rodado hace cien años, la historia de Gregorio y Federico también podría haber sido la misma que vemos en pantalla: la de dos hombres intentando quererse en un país que todavía no sabía cómo mirarlos.

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Ayer, 27 de septiembre, fueron muchos los que se sorprendieron al encontrarse con un mensaje en X / Twitter del equipo de comunicación RTVE en el que se anunciaban todos los invitados de 'La Revuelta' para la semana que acabamos de estrenar. Y es que, como bien saben los seguidores habituales del programa de humor y entrevistas presentado por David Broncano, el espacio nunca se ha caracterizado por revelar la identidad de sus entrevistados con tanta antelación, todo lo contrario a lo que hace 'El Hormiguero'.

Salvo contadas excepciones, los invitados al programa suelen mantenerse en secreto hasta el mismo momento de la emisión o, como mucho, hasta unas horas antes, cuando el espacio ya está grabado. Hay quien sostiene que esta política responde, en parte, a una estrategia de protección frente a su principal rival en Antena 3, 'El Hormiguero'. Ahí sigue muy presente el precedente de lo ocurrido hace unos años con Jorge Martín, entonces campeón del mundo de MotoGP, cuya fallida primera aparición acabó convirtiéndose en una muy comentada batalla televisiva entre ambos formatos.

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¿Qué ha pasado entonces para justificar este cambio de estrategia? La respuesta solo la conocen en RTVE y el equipo de producción de La Revuelta, pero la decisión llega en un momento preocupante para el formato: el pasado jueves firmó una de sus peores noches de audiencia. Según recoge VerTele, el programa apenas logró reunir al 8,7% de los espectadores que tenían la televisión encendida en ese momento, pese a emitirse justo después de un partido de la UEFA Nations League. Se trata de un dato discreto para un espacio que arrancó su andadura con cifras muy superiores y que durante meses se consolidó como una de las grandes apuestas de la principal cadena del ente público.

Los invitados de esta semana en 'La Revuelta'

Adelantar el nombre de sus invitados podría verse como una forma de generar más conversación y atraer espectadores antes de la emisión. Lo averiguaremos a partir de esta noche, donde está confirmada la asistencia de los médicos Francisco Hernández-Oliveros y Antonio Pérez. Mañana marte tendremos a Ferrán Adrià, el miércoles al actor Diego Luna ('Andor) y el jueves a la atleta de los Francisco Hernández-Oliveros y el cirujano Antonio Pérez. Claro, que igual también puede hacer justo lo contrario.

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Cuando Sylvester Stallone dio vida por primera vez a Rocky Balboa hace 50 años, este era "un tipo con mucho estilo, pero con una apariencia de lo más normal". Sin embargo, para las siguientes entregas de la saga, el actor consideró que el protagonistas debía evolucionar hacia una figura más segura de sí misma e incluso algo vanidosa y, como tal, se preparó para interpretarla. Esto, unido 'Rambo', le llevó a transformar radicalmente su cuerpo, una exigencia que terminó pasándole una enorme factura emocional.

Así lo explica la estrella de Hollywood en una larga entrevista con The New York Times, recogida por medios como The Telegraph, en la que ha confesado por primera vez la dura batalla contra la bulimia y la extrema obsesión física que marcaron la cima de aquellos primeros años de triunfos en la meca del cine: "Empecé a pensar en diseñar mi cuerpo como el de un jaguar, un felino: no como el de Schwarzenegger, sino más feral, agresivo, ágil y atlético. Se convirtió en una obsesión hasta el punto de volverme bulímico. Nadie lo sabía hasta hoy; fue literalmente un culto por el cuerpo", se sincera, explicando que llegó a tener un 2,6 por ciento de grasa corporal… y a tomar esteroides.

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"Seamos claros: nadie alcanza ese nivel sin ayuda de aditivos o sustancias, y punto. No me importa lo que digan, son tonterías: tiene que haber algo. Y no se trata de que seas un adicto, pero si vas a trabajar e intentar mantenerte en forma durante seis meses seguidos comiendo yogur y pudín, y no ocurre, tienes que recurrir a los esteroides. (…) Por Dios, claro que tienes que hacerlo, aunque intentes ser sensato y hagas ciclos de seis semanas de uso por seis de descanso. La gente dice que no te pones así de forma natural, y es verdad: no te pones así a menos que seas un fenómeno sin igual".

No fue hasta 'Cop Land' que esto acabó

¿Y cómo acabó saliendo de este bucle que tuvo un coste terrible, lo reconoce él, tanto a nivel físico como emocional? "No fue hasta que hice 'Cop Land (1997)' cuando tuve que despojarme de todo eso; interpreté al tipo más débil de la sala, parcialmente sordo, con sobrepeso, todo eso, y realmente me sentí algo liberado". "Luego las cosas se torcieron y, no sé, simplemente caí en desgracia con Hollywood", añadió, sosteniendo que fue a partir de ahí cuando comenzó un poco el declive de su carrera como estrella de cine.

Con 80 años, Stallone se mantiene aún en forma como puede comprobar cualquiera que vea 'Tulsa King', una serie excelente disponible en SkyShowtime, pero no puede ocultar que se ha jugado el pellejo en la industria más de lo necesario: "He tenido nueve operaciones de espalda, dos de hombro, tres fusiones de cuello. Todo se mantiene unido con alambres". Es por ello que, si pudiera reiniciar su carrera, tiene bastante claro que dejaría que fueran otros quienes rodaran las escenas más peligrosas.

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'Linternas' está demostrando que detrás de sus conspiraciones, investigaciones y héroes con anillos de poder hay una historia mucho más humana. La serie de HBO Max ha convertido a Hal Jordan (Kyle Chandler) en una versión muy diferente del personaje que muchos lectores conocen de los cómics, presentándolo como un hombre desencantado y marcado por un pasado que todavía le pesa. 

De hecho, el episodio 7 da un paso especialmente importante en esa dirección y se aleja por un momento de la investigación para explorar los orígenes de Hal, la relación con su familia y las heridas que han acompañado durante décadas a los Jordan. 

Ojo, que a partir de aquí habrá spoilers de la serie

El trágico legado de Hal Jordan

'Linternas' lleva varios episodios jugando con la cronología de su historia, pero el séptimo capítulo utiliza los saltos temporales para explicar algo mucho más importante: de dónde procede la oscuridad que acompaña a Hal Jordan. El episodio comienza en 1975, cuando un joven Hal (Henry Samiri) se niega a entregar una pelota de béisbol durante un partido y termina protagonizando una pelea en la que interviene su padre, Martin Jordan (Jake B. Miller). Después, ambos se sientan frente a un hangar de aviones y Martin anima a su hijo a lanzar finalmente la pelota por la pista. Una escena sencilla que adquiere un significado mucho mayor cuando sabemos lo que ocurrió después.

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Décadas más tarde, en 2026, John Stewart comparte un viaje en barca con el Halograma, una copia de la conciencia de Hal, en el planeta natal de Antaan (Paul Ben-Victor). Durante la conversación, el Halograma recuerda que su padre murió en un accidente de avión que inicialmente se consideró fortuito, pero que en realidad pudo haber sido un suicidio. "Mi padre estaba convencido de que estaríamos mejor sin él", explica el Halograma, antes de contarle a John que encontró una nota en la caja fuerte de su padre después de su muerte. 

"Decía que había tenido ese dolor toda su vida. Decía que iba empeorando. No podía ocultarlo. No soportaba que lo viéramos. No soportaba que lo viéramos".

Lo más triste es que Martin Jordan no habría sido el primero en enfrentarse a ese dolor. El Halograma revela que el abuelo de Hal también sufrió lo mismo antes de quitarse la vida, convirtiendo el sufrimiento de la familia en un legado que parece transmitirse de generación en generación. 

Esta revelación también cambia las posibilidades alrededor de lo ocurrido con Hal. El misterio todavía no está resuelto y Noah Macon (Shea Pritchard) sigue siendo un sospechoso bastante evidente, pero el propio Halograma plantea otra posibilidad cuando recuerda la existencia de la caja fuerte de Hal. John llega entonces a plantear directamente que Hal pudo haberse suicidado, una teoría ante la que el Halograma parece mostrar su acuerdo y que incluso explicaría por qué Kerry pudo haber encontrado su cuerpo y decidido deshacerse del arma para protegerlo.

Por ahora, 'Linternas' no ha confirmado que esa sea la respuesta al misterio. Sin embargo, algunas piezas empiezan a encajar de una forma bastante inquietante: Hal le pidió a John que no contara que había estado en Rushville la noche de su muerte, recibió un disparo a quemarropa y John encontró una pistola en su caja fuerte. A todo ello se suma ahora el historial familiar que acaba de salir a la luz. Si Hal terminó quitándose la vida, su muerte dejaría de ser únicamente el resultado de una investigación criminal y se convertiría en la última consecuencia de una herida generacional.

Y entonces cobra un nuevo significado el elogio que Hal escribió en el sexto episodio, especialmente su última frase: "Quizás era más fácil volar que quedarse en tierra". La serie parece jugar con el doble significado de esas palabras, mientras la imagen final de un Hal adolescente recogiendo su pelota de béisbol en la pista de las instalaciones de pruebas conecta su historia con la de su padre. El episodio 7 convierte así Linternas en el retrato de una familia marcada por el duelo, la depresión y un legado que su protagonista quizá nunca consiguió dejar atrás.

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Antes de que el UCM convirtiera a los superhéroes en el centro absoluto del cine comercial, hubo personajes que ya se encargaban de repartir puñetazos, enfrentarse a criaturas sobrenaturales y salvar el mundo a su manera. Uno de ellos fue Blade, el cazavampiros interpretado por Wesley Snipes que se convirtió en uno de los grandes iconos del cine de acción de finales de los 90 y principios de los 2000. 

La saga mezclaba terror, artes marciales, una estética gótica y una buena dosis de violencia para construir una trilogía con una personalidad muy diferente a la de las películas de superhéroes que llegarían después. Ahora Netflix reúne temporalmente las tres entregas, una oportunidad perfecta para volver a los orígenes cinematográficos del personaje y descubrir -o redescubrir- una saga que tiene bastante más importancia en la historia del género de la que puede parecer.

Reencontrarse con Blade

'Blade' (1998) fue la película que lo empezó todo y presentó a Wesley Snipes como un híbrido entre humano y vampiro capaz de caminar bajo la luz del día y decidido a acabar con la especie que tanto daño ha hecho a los humanos. Dirigida por Stephen Norrington, la película combina acción, terror y artes marciales mientras sigue a Blade en su guerra contra los vampiros y contra Deacon Frost (Stephen Dorff). Su estética oscura y sus espectaculares escenas de acción ayudaron a demostrar que los personajes de Marvel podían funcionar en la gran pantalla mucho antes de que existiera el Universo Cinematográfico de Marvel.

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Años después llegó 'Blade II' (2002), dirigida nada menos que por Guillermo del Toro. La segunda entrega amplió el universo de la saga y enfrentó a Blade con una nueva amenaza: los Reapers, unas criaturas vampíricas mucho más peligrosas que sus enemigos habituales. Para combatirlos, el cazavampiros tendrá que formar una incómoda alianza con algunos de sus propios enemigos. El resultado es una película más ambiciosa visualmente, con el particular imaginario de Del Toro y algunas de las mejores criaturas de toda la trilogía.

Y la tercera entrega fue 'Blade: Trinity' (2004), en la que el personaje de Wesley Snipes se enfrenta a uno de sus enemigos más poderosos: Drácula, interpretado por Dominic Purcell. La película incorpora además a dos nuevos cazadores de vampiros, Hannibal King (Ryan Reynolds) y Abigail Whistler (Jessica Biel), que acompañan a Blade en su nueva misión. David S. Goyer tomó el relevo en la dirección para cerrar la trilogía con una película que mantiene las grandes dosis de acción y criaturas sobrenaturales que habían caracterizado a las anteriores.

Aunque las tres películas tienen estilos diferentes, juntas permiten ver cómo fue evolucionando el cine de superhéroes antes de que Marvel Studios estableciera la fórmula que dominaría las taquillas durante las décadas siguientes. 'Blade' fue especialmente importante en ese camino, porque llegó varios años antes de 'Iron Man' y demostró que una adaptación de Marvel podía apostar por un tono adulto, oscuro y cargado de acción sin necesidad de seguir las convenciones que acabarían definiendo al UCM.

Así que, si llevas tiempo queriendo recuperar esta trilogía o simplemente te apetece una buena sesión de vampiros, espadas y sangre, todavía estás a tiempo. Netflix va a retirar las tres películas: 'Blade II' y 'Blade: Trinity' desaparecerán del catálogo el 3 de octubre, y 'Blade' estará disponible hasta el 4 de octubre. 

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Clint Eastwood se distinguió como director porque, incluso aunque también protagonizase películas en géneros en los que era estrella, estaba dispuesto a darles una capa extra de reflexión y dramatismo no siempre priorizada. Eso le ha hecho un revisionista fabuloso incluso en espectáculos violentos como ‘El fuera de la ley’ (’The Outlaw Josey Wales’).

No es lugar para la ley

Eastwood lidera el reparto y dirige esta brutal historia de venganza en la Guerra de Secesión tras reemplazar a su guionista Philip Kaufman en las labores de realizador. Una película con el que marcó un punto de inflexión claro en su carrera y que puedes ver hoy en televisión a través de La 2 a partir de las 22:35 (también en streaming a través de Movistar Plus).

La vida de Josey Wales parecía haber encontrado su cauce tras el fin de la guerra y distanciarse del ejército confederado. Pero un día su esposa y su hijo son asesinados en un ataque de una guerrilla al servicio de la Unión, lo que le conduce a un camino de venganza sangrienta para mostrar que la guerra nunca acaba para alguien como él.

La candidez con la que trata los bandos guerracivilistas, sobre todo la parte de tener de protagonista del bando reaccionario, persigue caldear las tensiones de la guerra hasta volverlas futiles. Eastwood sostiene que nada se puede ganar con la guerra y persiguiendo constantemente la reparación con sangre, y se vale de los modelos clásicos para ello.

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'Sin perdón' fue la culminación de un círculo que Clint Eastwood empezó a trazar 16 años antes en otro western: 'El fuera de la ley'

Es parte de ese replanteamiento de los cánones masculinos que ha solido perseguir con los westerns que ha dirigido, aunque su carácter nunca es rupturista (al fin y al cabo, sus preferencias políticas son las que son). Aquí empieza a trazar un círculo que redondeó con películas totalmente magistrales como ‘Sin perdón’ (’Unforgiven’).

Sigue siendo un espectáculo pletórico, dando lecciones de cómo sostener acción pistolera de buen nivel y elaborando imágenes icónicas a partir de la figura que proyecta. Su manera de sostener las dos pistolas es parte de su propia iconografía, además de trazar influencia en mucho cine de acción desatado posterior.

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La noticia Esta noche en TV, uno de los mejores westerns dirigidos por Clint Eastwood que marcó un punto de inflexión en su carrera fue publicada originalmente en Espinof por Pedro Gallego .

'Slow Horses' lleva varias temporadas demostrando que juega en la primera división televisiva y su sexta temporada ha encontrado una forma especialmente curiosa de rendir homenaje a una de las grandes obras maestras de HBO. La serie de Apple TV, protagonizada por Gary Oldman como el irreverente agente Jackson Lamb, vuelve a combinar espionaje, humor negro y personajes tan carismáticos como imprevisibles, pero el segundo episodio de esta nueva entrega esconde además un pequeño guiño que probablemente hará sonreír a los espectadores más atentos. 

En plena escalada de la conspiración que amenaza a los agentes de Slough House, dos de sus nuevos antagonistas protagonizan una escena en una ferretería que recuerda inevitablemente a uno de los momentos más reconocibles de 'The Wire'. Una referencia breve, pero especialmente significativa teniendo en cuenta que la ficción de David Simon se ha convertido en una de las grandes referencias de la televisión contemporánea.

Una escena que no pasa desapercibida

El segundo episodio de la sexta temporada continúa desarrollando la conspiración que amenaza al equipo de Slough House. Todo parece estar relacionado con las actividades criminales de Frank Harkness (Hugo Weaving), el padre distanciado de River Cartwright, el agente al que da vida Jack Lowden. Y mientras tanto, los misteriosos Jim y Jane (Kyle Soller y MyAnna Buring), siguen sembrando el caos.

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El homenaje de 'Slow Horses' al Joker de Heath Ledger. Gary Oldman recuerda a su compañero en 'El caballero oscuro' con un simpático guiño

Los dos asesinos protagonizan uno de los momentos más llamativos del episodio cuando entran en una ferretería en busca de una pistola de clavos. Allí se detienen frente al expositor, comentan la inflación y discuten brevemente sobre si realmente necesitan comprar la herramienta. Al principio podría parecer una escena más dentro de una temporada cargada de asesinatos y conspiraciones, pero los que han visto 'The Wire' probablemente habrán reconocido el paralelismo.

La cuarta temporada de la serie de HBO comienza precisamente con una escena memorable en una ferretería en la que un subordinado del mundo criminal compra una pistola de clavos que posteriormente utilizará con otros fines. La conversación sobre las características de la herramienta y su compra funciona como un pequeño anticipo de lo que está por llegar. Y 'Slow Horses' reproduce una situación muy similar.

La comparación demuestra que 'Slow Horses' sabe perfectamente que está haciendo referencia a una de las grandes series de la historia. 

Por ahora, este episodio parece un comienzo prometedor. Después de quemar vivo a Struan Loy (Paul Higgins) en un contenedor, Jim y Jane llevan a cabo otro asesinato especialmente elaborado al hacerse pasar por trabajadores que realizan una inspección de gas y envenenar a Moira Tregorian (Joanna Scanlan). Y esta referencia a 'The Wire' eleva todavía más las expectativas sobre lo que pueden hacer estos dos villanos.

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Tom Cruise es una de las últimas grandes estrellas de Hollywood, algo que ha conseguido a lo largo de una carrera repleta de éxitos en los que su participación resultaba clave para ello. Obviamente, el actor también ha rechazado multitud de propuestas a lo largo de los años, pero seguro que se arrepiente especialmente de la decisión que tomó hace 33 años de rechazar 'Cadena perpetua' ('The Shawshank Redemption').

Considerada hoy por el público como una de las mejores películas de todos los tiempos -en IMDb lleva muchos años ocupando el número 1-, lo cierto es que en su momento fue una apuesta bastante complicada. Frank Darabont apenas había dirigido un cortometraje y un telefilm cuando el proyecto despegó, pero su participación en el mismo era fundamental.

Una oferta que sí pudo rechazar

Fue el propio Darabont quien consiguió en 1987 que Stephen King le vendiera los derechos de adaptación del relato incluido en su libro 'Las cuatro estaciones', pero pasaron varios años hasta que la coja empezó a coger forma. Fue cinco años después cuando Darabont escribió el guion y despertó el interés de Castle Rock Entertainment.

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Se dio la particularidad de que uno de los fundadores de Castle Rock Entertainment era Rob Reiner, un cineasta que ya había adaptado anteriormente con éxito a King en 'Cuenta conmigo' y 'Misery'. De hecho, el cineasta se veía a sí mismo dirigiendo también el guion de Darabont con Tom Cruise y Harrison Ford al frente del reparto. Fue ahí donde todo empezó a complicarse.

A Cruise sí que le seducía la idea de dar vida a Andy Dufresne a las órdenes de Reiner, pero no tenía el más mínimo interés en hacerlo si la dirección corría a cargo de alguien tan inexperto como Darabont. Tal y como se aclara en Vanity Fair por parte de Liz Glotzer, productora que por aquel entonces trabajaba en Castle Rock Entertainment, la idea que se propuso fue ofrecer "un dineral" a Darabont para que se apartase y pudiera hacer cualquier otra película.

El propio Darabont reconoce que sopesó seriamente esa posibilidad, tanto por cómo podría elevar eso su perfil en Hollywood como por la posibilidad de que Castle Rock Entertainment simplemente decidiera despedirlo si no se apartaba por voluntad propia. Sin embargo, Darabont se mantuvo firme: "Puedes seguir posponiendo tus sueños a cambio de dinero y morir sin haber hecho nunca lo que te propusiste hacer".

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Durante 40 años Stephen King vendió sus adaptaciones por solo un dólar con la condición de que no podrían comercializarse. Un director le hizo romper el trato

Reiner decidió apoyar entonces por completo a Darabont, algo que no gustó a Cruise. Sin embargo, la estrella de 'Misión Imposible' se mostró dispuesto a aceptarlo, pero con una condición importante: que Reiner, con quien acababa de hacer 'Algunos hombres buenos', supervisara el rodaje con mano dura, siendo un productor muy involucrado en lo que realmente se hacía. Glotzer desvela qué pasó entonces: "Y Rob dijo que no. Si vas a hacerlo con él, es su visión. Así que Tom Cruise no quiso hacerlo".

La cuestión es que Cruise llegó a estar tan implicado en el proceso que hasta participó en sesiones de lectura del guion, pero Reiner apoyó totalmente a Darabont, lo que se tradujo en la salida definitiva del actor. El reparto acabó estando finalmente encabezado por Tim Robbins y Morgan Freeman, contando Darabont con un presupuesto de 25 millones de dólares.

Estrenada finalmente el 23 de septiembre de 1994, 'Cadena perpetua' sufrió un fracaso indiscutible en taquilla, pero meses después recibió 7 nominaciones a los Óscar y fue relanzada en cines. Entonces logró salvar la papeleta y su recaudación mundial acabó llegando hasta los 73 millones de dólares, aunque fue con su lanzamiento en alquiler cuando su popularidad realmente despegó.

Warner decidió apostar por fuerza con ella para su llegada a los videoclubs, llegando a convertirse en la película más alquilada durante 1995. Posteriores emisiones televisivas terminaron de solidificar su condición como una de las favoritas del público.

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La noticia Hace 33 años, Tom Cruise rechazó una de las mejores películas de la historia porque no confiaba en su director: "Si vas a hacerlo con él, es su visión" fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .