Aunque 'Black Clover', 'Los diarios de la boticaria' y el regreso de 'Dragon Ball Super' están llevándose la palma esta temporada de anime de otoño, en realidad tenemos por delante varias series de estreno con un pintón tremendo. Una de las novedades más potentes que llegan este trimestre es 'Overgeared', un fenómeno salido de Corea del Sur y que promete ser imprescindible para los fans de los animes que nos meten en una realidad virtual.

Pica que te pica

A caballo entre 'Sword Art Online', 'Solo Leveling', o 'Shangri-La Frontier' tenemos 'Overgeared', que nos lleva al mundo virtual de Satisfy de la mano de un jugador que vive enganchado a completar nuevas misiones. 

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Para ser sinceros, la verdad es que al principio no tenía demasiadas esperanzas en 'Overgeared', que apuntaba a ser un refrito más de 'Solo Leveling' con un protagonista que de repente es excepcional en todo lo que hace y se vuelve tremendamente poderoso. Y, en realidad, me he encontrado con todo lo contrario y una comedia de acción de fantasía bien maja que me ha dejado con ganas de seguir 'Overgeared' durante toda la temporada.

Al igual que 'Solo Leveling' y 'The Beginning After the End', aquí tenemos otro fenómeno salido directamente Corea del Sur. 'Overgeared' primero empezó como una novela online escrita por Saenal y luego llegó la adaptación a manhwa dibujada por Monohumbug. El siguiente paso lógico era el anime.

Empezamos en el juego online Satisfy, en el que Shin Young-woo juega con el pseudónimo de Grid. No se le da demasiado bien y está algo atascado, pero un día cae en sus manos una misión especial que le da una clase legendaria... Aunque muere inmediatamente y revierte al nivel -1. 

Parece que a Grid todo le va mal en la vida, dentro y fuera del juego, pero esta nueva clase le da unas habilidades nuevas que antes ni sabía que existían. Eso sí, en lugar de grandes poderes o una fuerza sobrehumana, ahora lo que se le da de miedo es forjar equipo legendario: flechas mágicas, espadas, armaduras, con lo que pronto empieza a atraer la atención de otros jugadores.

'Overgeared' me ha sorprendido para bien, y lo cierto es que uno de sus puntos fuertes es su protagonista. Porque en lugar de tener a Grid como una simple fantasía de poder desde el principio, es un perdedor con buen corazón que trata de hacer las cosas bien, dentro de sus posibilidades. Además, la naturaleza de sus poderes y cómo se va esforzando por mejorarlos tiene mucho potencial para darnos una narrativa algo diferente al de este tipo de animes, ya que no se centra únicamente en la fuerza física del protagonista.

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Curiosamente, y a pesar del trabajo irregular que nos dejaron con la tercera temporada de 'One-Punch Man', en J.C. Staff han hecho un trabajo admirable con 'Overgeared'. Han sabido potenciar de miedo los puntos de comedia, pero también nos han dejado escenas muy pulidas cuando el anime apuesta fuerte por los combates y la expresividad de los personajes. 

Si nos gustan los animes de fantasía que nos adentran en realidades de videojuego, 'Overgeared' promete ser un añadido muy adictivo para esta temporada de otoño. Es tremendamente divertida y entretenida, equilibrando muy bien el humor y la acción, y además es un puntazo que desde Crunchyroll estén apostando por el simuldub en castellano desde el primer momento. 

Además, si somos fans de este tipo de videojuegos, 'Overgeared' capta de miedo ese sentimiento de pasarte horas picando en busca de materiales sin se que se haga tedioso. Una aventura en la que vamos saltando de misión en misión y adentrándonos poco a poco a en complejo mundo de Satisfy... del que es inevitable pensar que oculta más de un secretoo oscuro.

Ahora toca ver si la animación no cae en picado el resto de la temporada y si la premisa de los poderes de Grid no se vuelve manida y aburrida demasiado rápida. Por lo menos ahora ingeniosa es, y 'Overgeared' consigue enganchar desde el primer capítulo (y sacar más de una carcajada). Un anime de fantasía que viene pisando fuerte y puede convertirse en un clásico moderno del género si se mantiene igual de bien.

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El 11 de febrero de este 2026 nos vimos obligados a despedirnos de uno de los rostros más icónicos de la televisión bisagra entre los siglos XX y XXI. Un James Van Der Beek que, antes de quitarse de encima el sambenito de buenazo catódico con la genial 'Las reglas del juego' de Roger Avary —basada en una novela de Bret Easton Ellis—, enamoró a medio mundo con su papel como Dawson Leery en el icónico coming of age 'Dawson crece'. 

Recordando a James

Ahora, unos 8 meses después, Kevin Williamson, creador de la serie emitida entre 1998 y 2003, ha recordado a la estrella durante un discurso en el que recibió el Hero Award en la Barbara Berlanti Heroes Gala, un evento benéfico anual a favor de la lucha contra el cáncer, enfermedad que, tristemente, acabó con la vida de Van Der Beek.

Durante su intervención, Williamson confesó que, cuando se encontraba haciendo el casting para encontrar a Dawson, básicamente estaba buscando un reflejo de sí mismo, pero en versión atractiva. Ese alguien, como sabemos, fue el bueno de James.

Cuando estaba haciendo el casting para el papel, básicamente estaba buscando a mí mismo, pero buscaba la versión de mí mismo que fuera guapa, atractiva, fotogénica y con una mandíbula marcada, alguien a quien la gente realmente quisiera ver. Él se convirtió en esa persona. James Van Der Beek dio voz a mi infancia. Era el alma de la serie. Fue la mejora definitiva.

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Además, Williamson bromeó con el comportamiento del intérprete durante los inicios del show, a quien tildó de "mocoso" mientras celebró haber podido presenciar su evolución como persona, de "un chaval" a "un hombre extraordinario".

Le vi pasar de ser un chaval a convertirse en un hombre extraordinario, un marido, un padre y un amigo. James tuvo una evolución completa como personaje. Al principio era un mocoso. Cuando recibía un guion, me llamaba y me decía: “¿Por qué tengo que decir esta palabra? Nadie sabe lo que significa”. Y yo le decía: “Bueno, no te preocupes, tal y como murmuras, nadie lo va a oír de todos modos”. Así era nuestra relación: Dawson hablando con Dawson.

Para terminar, el guionista lamentó nuevamente la pérdida de James Van Der Beek, un hombre que, según asegura, "dio vida a su propia juventud".

Perder a James a principios de este año me dejó realmente destrozado. Perder al hombre que dio vida a tu propia juventud… Todavía estoy asimilándolo. Afrontó su cáncer con mucha dignidad y valentía.

Vía | Variety

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La noticia El creador de 'Dawson crece' recuerda a James Van Der Beek: "Aún estoy asimilando perder al hombre que dio vida a mi propia juventud" fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Nadie puede negar que Peter O'Toole brilló como nunca en 'Lawrence de Arabia', pero él no era la primera opción de sus responsables. Ellos tenían otro nombre en mente para encarnar al legendario oficial británico: Marlon Brando. De hecho, su fichaje llegó a darse prácticamente por hecho. Sin embargo, por esas fechas, al actor le dieron la oportunidad de rodar otra película, en Tahití y digamos que no se lo pensó mucho.

"Lean era un director excelente, pero tardaba tanto en hacer una película que me habría secado en el desierto como un charco de agua", quiso confesar Brando en sus memorias, donde también reconoció haberse sentido atraído por la Polinesia Francesa desde muy joven. Lo que no podía llegar ni a sospechar a esa edad es que un día se compraría un atolón y que este, 60 años después, se habría erigido en un paraíso para las tortugas verdes, además de un modelo pionero de turismo sostenible, leemos en el LA Times.

Esta historia comienza con el rodaje de 'Rebelión a bordo' ('Mutiny on the Bounty', 1962), donde Brando hace de Fletcher Christian, el oficial de la marina británica que lidera el amotinamiento contra el estricto capitán Bligh. Allí, entre chapuzones en la bahía con los extras locales y la brisa tropical, el actor descubrió a lo lejos un pequeño atolón llamado Tetiaroa que despertó en él una atracción mística. No se lo pudo quitar de la cabeza y, una vez terminó de grabar la película, decidió visitarlo: "Era más grande de lo que pensaba y más hermosa que cualquier cosa que hubiera imaginado", contó.

Aquel paraíso, formado por una docena de islotes rodeados por una laguna de intensos tonos azules, pertenecía a Madame Duran, una anciana estadounidense invidente que lo había heredado de su padre, y este a su vez lo recibió como un obsequio de Pomare V, el último rey de Tahití. Tras varios viajes, largas conversaciones con la propietaria y algún que otro obstáculo burocrático no menor, Brando acordó la compra de la mayor parte del atolón por 200.000 dólares. En 1967 pagó otros 70.000 dólares por el resto. La única condición que se le impuso fue que no talara los árboles tou, un compromiso que el actor aceptó junto con la promesa de preservar el entorno natural de la isla.

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Y cumplió su palabra. Tras convertirse formalmente en propietario en 1966, Marlon Brando no buscó erigir una mansión ostentosa, sino crear un santuario ecológico y un refugio autosostenible. Desarrolló un pequeño asentamiento con construcciones de estilo tahitiano y una pista de aterrizaje, al tiempo que impulsaba su idea de convertir Tetiaroa en un lugar donde la naturaleza tuviera un rol protagonista. Décadas después, insistimos, aquella visión acabaría materializándose en proyectos de energía solar, conservación y otras iniciativas científicas muy aplaudidas vinculadas al atolón.

Por supuesto, Brando también disfrutó de su compra, faltaría menos. La isla se convirtió en un refugio para él, un lugar donde alejarse de los focos mediáticos y pasar largas temporadas nadando o tumbado en la playa mirando las estrellas: "Es maravilloso dormir desnudo en la playa, porque el viento te recorre y te acaricia como nunca antes te han acariciado en la vida… Muy pronto me di cuenta de que yo no era el dueño de esa isla; la isla era mi dueña… Nada de lo que pensara, sintiera, esperara, experimentara o supiera tendría más importancia que aquel lugar", contó el artista (vía LA Times).

Tetiaroa.

Tras la muerte de Marlon Brando en 2004, la propiedad de Tetiaroa pasó a un fideicomiso que respetó la promesa del actor a Madame Duran y otorgó una concesión de 99 años a la firma Pacific Beachcomber, liderada por Richard Bailey, colaborador del actor. Así, en 2014 abrió sus puertas The Brando, un exclusivo ecorresort que ocupa tan solo el 10% de la superficie terrestre del atolón, en el islote Onetahi, mientras el resto quedó preservado de nuevas construcciones. Hoy en día, la isla funciona como un próspero laboratorio de sostenibilidad que utiliza energía solar y el sistema de aire acondicionado con agua marina profunda (SWAC) más grande del mundo, financiado en parte por el turismo de ultra lujo para sostener a la Tetiaroa Society: una entidad científica que investiga y protege a miles de tortugas verdes, aves marinas y arrecifes de coral en este santuario natural. ¿Te interesa? Más información en su web oficial.

Una película por la que batió un Récord Guinnes

'Rebelión a bordo' ('Mutiny on the Bounty') puede verse actualmente en el catálogo de cine clásico de Filmin y bueno, se puede decir que dejó al actor con suficiente cash como para comprarse varias islas. Y es que aquella película permitió al actor convertirse en la primera estrella de Hollwyood en ganar más de un millón de dólares por un filme. En concreto ganó 1,25 millones, una cifra ridícula comparada con lo que cobró por salir 10 minutos en pantalla como Jor-El en 'Superman' (1978): tres millones de dólares, 14 millones con su porcentaje de taquilla. Este largometraje lo tenéis en HBO Max.

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La noticia En 1966, Marlon Brando compró una isla en la Polinesia. 60 años después, es un santuario donde viven miles de tortugas verdes y otros animales fue publicada originalmente en Espinof por Marcos Yasif .

Poder y dinero tienen una relación tremendamente íntima que también es fácil conectar con todo lo que está fallando en el mundo que vivimos y que parece constantemente en llamas. Incluso nuestras conversaciones sobre cine acaban en parte contaminadas por las expectativas económicas que, si bien explican qué películas tenemos y no tenemos en carteleras, nos están empujando a comentarlas como si fuéramos ejecutivos de un estudio al que estas cosas le van en el suelo.

De todos modos, es difícil negar que ‘Digger’ es lo más próximo a un suicidio comercial que hemos visto de Hollywood en bastante tiempo, y desde luego el ejemplo más claro en la carrera de Tom Cruise. Es hasta dudoso que el prestigio le vaya a acompañar en forma de Premios Oscars o nominaciones, porque la película parece perfectamente diseñada para apretar botones bastante incómodos a distintos tipos de audiencias, desde el espectador más común hasta el que valora las ramificaciones del arte.

A partir de aquí spoilers de ‘Digger’, porque es absolutamente imposible comentarla en profundidad de otra forma

Al fin y al cabo, Alejandro González Iñárritu ha elaborado todo un acto de autdestrucción jubilosa llevando lo que parecía una directa comedia sobre la crisis climática y el capitalismo como causante hacia toda una carta de odio al arte como colaborador incidental. Al poco de acabar el primer acto se revela que la sátira que íbamos a ver es una producción teatral donde Cruise interpreta al actor que da vida al personaje principal cuya vida real dio paso a una distopía en la que tiene lugar la película.

Es un órdago casi imposible de sostener, porque implica sacar adelante tanto la parte satírica como el comentario crítico sobre la propia sátira. Iñárritu nos cuenta además cómo esta vida del magnate que destruyó el mundo que ahora es objeto de chanza es contada a través de su sobrino, interpretado por Jesse Plemons, que ha mantenido el imperio familiar vendiendo las mascarillas que permiten habitar el mundo post-apocalíptico y también financia la obra teatral.

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En el acto final, con el gran clímax de la obra teatral, vemos a los espectadores celebrando la caída en desgracia y muerte de Digger sobre el escenario. Una voluntad de conectar a base de inquina compartida con un poderoso, pero cuya crítica no despierta la subversión política que dice pretender. Al final la audiencia se sale del teatro portando sus mascarillas y procurando andar sin molestar el régimen policial que parece haberse instaurado.

Todas estas capas hacen también un fascinante comentario de ‘Digger’ como obra, al ser una superproducción de cientos de millones de dólares de uno de los grandes estudios de Hollywood a punto de ser posesión de un magnate con lazos muy estrechos al poder. Es casi de reverencia este acto de autoinmolación precisamente por intentar levantar conversación sobre los problemas de su existencia.

El mundo inquietante de ‘Digger’

‘Digger’ acaba haciendo un alegato impresionante sobre su propia inutilidad, y sobre la pérdida de colmillo producida en una obra aparentemente crítica con el poder cuando se vuelve entretenimiento. El propio poder es quien acaba proporcionando la obra, de igual modo que una gran corporación ha pagado esta película, y no tiene problema en ver manchado el legado familiar si eso le permite monetizarlo.

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Hay bastante de hombre mayor cabreado contra las nubes en cómo Iñárritu sostiene su nihilismo, pero al menos se le puede conceder que no quiere que desaparezca el mensaje sobre la crisis climática y el poder. En los últimos compases y en los créditos escuchamos música que parece darnos cierto alivio, y en el fondo entretenimiento, pero el diseño de sonido lo corta bruscamente para que se mantenga la inquietud. Es un acto kamikaze, pero es uno bastante brillante.

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La noticia El final de ‘Digger’ es el mayor acto de autodestrucción que ha realizado una película de Tom Cruise en su historia. También es brillante fue publicada originalmente en Espinof por Pedro Gallego .

Parece que 'Barbie 2' vuelve a estar sobre la mesa. La secuela de la película dirigida por Greta Gerwig, que había quedado prácticamente paralizada por cuestiones relacionadas con sus costes, podría recuperar el impulso perdido coincidiendo con la llegada de Skydance al frente de Warner Bros. Discovery.

Según fuentes citadas por Variety, Dana Goldberg y Josh Greenstein, ejecutivos de Paramount Pictures, ya estarían contactando con algunos de los principales talentos vinculados a Warner Bros. para garantizar cierta continuidad durante la transición. Entre esos nombres se encuentran Margot Robbie y sus socios de LuckyChap, compañía productora de la primera entrega.

Así, se estarían moviendo los engranajes para recuperar la secuela de 'Barbie'. Una fuente conocedora de la situación ha sido especialmente contundente al valorar el futuro del proyecto: "No hay manera de que 'Barbie 2' no suceda".

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Eso sí, conviene poner la afirmación en contexto. Warner Bros. todavía no ha anunciado oficialmente la película, por lo que la segunda parte no puede considerarse confirmada. Lo que sí parece claro es que el proyecto vuelve a formar parte de las conversaciones internas mientras se prepara el cambio de mando.

Skydance

El posible regreso de 'Barbie 2' se produce mientras David Ellison ultima la adquisición de Warner Bros. Discovery. Aunque todavía no controla oficialmente la compañía, el fundador de Skydance ya ha comenzado a definir cómo será la nueva etapa.

La empresa resultante conservará el nombre de Skydance, aunque Warner Bros. y Paramount mantendrán sus respectivas identidades. Ellison ha defendido precisamente esa decisión en un mensaje dirigido a los empleados.

Las principales marcas de la nueva Skydance

"Queríamos un nombre que diera a la compañía combinada una identidad propia y, al mismo tiempo, permitiera que Paramount y Warner Bros., así como todas nuestras extraordinarias marcas, siguieran siendo protagonistas", ha explicado.

Los cambios también alcanzarán a la estructura cinematográfica. Goldberg y Greenstein asumirán previsiblemente mayores responsabilidades creativas, supervisando a los responsables de las diferentes divisiones cinematográficas de ambas compañías. En streaming, Casey Bloys parte como principal candidato para controlar el negocio conjunto tras la salida de Cindy Holland de Paramount+.

Dos salidas y una conexión con Mattel

La reorganización ya se ha cobrado dos nombres importantes. Pamela Abdy y Michael De Luca dejarán la dirección de Warner Bros. Motion Picture Group, una decisión que, según las fuentes citadas por Variety, habría sorprendido a ambos ejecutivos.

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La nueva compañía también tendrá un vínculo directo con el universo de 'Barbie': Ynon Kriez, antiguo CEO de Mattel, será co-CEO junto a Ellison.

Ahora queda por comprobar si todos estos movimientos terminan traduciendo las conversaciones en una película. Por el momento, 'Barbie 2' no está oficialmente confirmada, pero la secuela vuelve a ganar fuerza justo cuando Warner Bros. se prepara para iniciar una nueva etapa bajo el control de Skydance.

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La noticia 'Barbie 2' podría hacerse realidad: Skydance mueve ficha para recuperar la secuela de Greta Gerwig fue publicada originalmente en Espinof por Víctor Mopez .

Poco a poco vamos sabiendo más detalles sobre el remake en acción real de 'Naruto', especialmente porque el proceso de casting está que arde y el director Destin Daniel Cretton quiere arrancar puntualmente la producción en 2027. 

Adaptar un anime de 700 capítulos en imagen real no va a ser nada fácil y parece que Cretton va a tener que hacer ciertas concesiones que apuntan a enfurecer a los fans. 

¿Encontrando un punto medio?

 Ya estamos a la búsqueda de Naruto, Sasuke y Sakura y recientemente se desveló que la primera película de 'Naruto' se centrará en adaptar el Arco del País de las Olas. Ahora bien, estos días se han ido sabiendo nuevos detalles, y por lo visto desde Lionsgate apuntan a que el remake sea una saga de películas en toda regla: al menos tres películas para adaptar la primera mitad del anime y otras cuatro para centrarse en las tramas de 'Naruto. Shippuden'. 

Con un modelo muy similar al de las películas de Harry Potter, algo que ya intentó Hollywood en los años 2000. Y lo cierto es que, al igual que 'One Piece', en realidad 'Naruto' se presta mucho mejor a un formato de serie de televisión, por lo que Cretton tendrá que meter el turbo y hacer algunos cambios en la historia. 

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Según reporta el insider Daniel Ritchman, la película dará más peso a Sakura, que ya tendría más poderes desde el principio y además una historia algo más trágica, ya que su padre habría fallecido durante el ataque de Kurama. Este cambio de enfoque en realidad es algo que el propio Masashi Kishimoto se planteó en su momento, ya que se arrepiente de haber dado tan poca importancia a los Haruno, y el live action sería la oportunidad ideal para arreglar este gazapo. 

Ahora bien, el personaje de Naruto también cambiaría un poco, ya que en el manga y el anime no es demasiado buen estudiante y en la película sería un friki de la historia ninja. Para alejarnos de los triángulos amorosos, en realidad no estaría enamorado de Sakura, aunque por lo visto Sasuke sí... Un cambio bastante polémico que puede complicar al personaje y la dinámica del grupo, y que no está sentando demasiado bien entre los fans.

Aunque el mayor cambio que parece plantear el live action es el concepto de Jinchuriki, los humanos que pueden servir de contenedores espirituales de los Biju. Mientras que en el manga y el anime casi cualquiera pueden tener una bestia sellada en su interior, en el live action estaría determinado por genética. Así que Naruto es una suerte de héroe elegido, la única persona que podía albergar en su interior al Zorro de Nueve Colas tras la muerte de su madre. 

Por su parte, Kishimoto dijo tener confianza plena en Cretton, y por desgracia tenemos que aceptar que el live action de 'Naruto' va a tener que venir con cambios para adaptarse al formato de largometraje. Veremos si la confianza de Kishimoto está bien justificada.

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Hasta aquí 'Linternas'. Al menos de momento porque a pesar de las buenas audiencias y que los creadores de la adaptación televisiva de los superhéroes de DC están trabajando ya en continuar, la realidad es que de momento HBO no ha renovado (aún) la serie por una temporada 2. También os digo que no sé hasta qué punto es necesaria tal como ha cerrado la serie. Por cierto, a partir de aquí, spoilers.

'Tierra y estrellas', el episodio 1x08 de 'Linternas' ha sido a todas luces un episodio que ha sabido jugar con las expectativas en lo que primero resolvía el quién mató a Hal Jordan (Kyle Chandler) y confirmaba una de las teorías que habíamos tenido, al menos, desde el explosivo episodio 5: que Zoe no era la única manhunter en Rushville.

Greenhunter

De esta manera, navegando entre presente y pasado descubrimos por un lado que lo que hacía Sinestro en ese planeta condenado era construir una linterna con esa impureza amarilla que nos es tan familiar a los fans de los cómics para jugar con el factor miedo. Y el otrora tutor de Hal lo construyó bajo mandato de Noah (Shea Pritchard), quien se revela a Hal como manhunter después de salvarle la vida.

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Eso sí, quien esperase aquí algo de acción y un combate espectacular entre John Stewart (Aaron Pierre) y Noah, se ha quedado con las ganas. A pesar de que el joven le pide a John que le mate porque tiene miedo de su potencial genocida, este decide rehusar, viendo que todavía hay esperanza en él. 

«Nunca hubo una versión del final que estuviese más centrada en la acción», explica Chris Mundy en un coloquio con la prensa, «si hubiéramos logrado conmover con [Hal y John], habríamos hecho nuestro trabajo. [La acción por la acción] hubiera sido una distracción y un incidente en lugar de emoción.»

Por otro lado, tenemos momento confesión: la de Kerry (Kelly McDonald) desvelando que fue ella quien mató a Hal después de descubrir que este sabía lo de su hijo. Tanto el que la muerte de Jordan fuese algo real como el que Kerry fuese la culpable, fueron dos cosas que empezaron a tener bastante claro desde el comienzo. Así lo describe el cocreador Damon Lindelof:

«El final del piloto es que Hal Jordan está muerto y desde el mismo principio supimos que no queríamos que fuese una farsa. A propósito de que toda la progresión emocional se sintiese verdadera, lograda y vivida, teníamos que ceñirnos a eso y no iba a haber un giro inesperado.

Al comienzo luchamos con la idea de que [Kerry] no pareciese hipócrita. ¿Había un modo de que ella pudiese amar a Hal y por otro lado le matase? Y como tres hombres casados que somos dijimos "¡Por supuesto! Al mil por cierto". La serie empezó a volverse menos un "quién lo hizo" y más "por qué".»

Los últimos instantes de la serie corresponden a John reconciliándose con su pasado y afrontando una nueva etapa como Linterna. Tras hablar con Guy (Nathan Fillion), despedirse de Hal y antes de irse de Rushville, el personaje decide hacer un juramento propio. 

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Un "remix" del juramento original, tal como lo nombran los creadores porque, tal como aseguran, John Stewart no es un Linterna Verde. Es otra cosa. Lo que no quiere decir que no tuviesen algo de miedo a la hora de cambiarlo:

«Definitivamente estábamos nerviosos y asustados ante la idea de hacerlo, pero empezamos a decir "Si no nos asusta llevar a cabo una idea, probablemente no la deberíamos hacer"», aclara Damon Lindelof, «Simplemente parecía lo correcto y comprendíamos que iba a ser algo que dividiría a los fans, etcétera.»

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Hay muchas personas en el mundo que se celebran su cumpleaños este 5 de octubre de 2026, pero no se me ocurre nadie más relevante asociado al mundo del cine que una actriz que, sencillamente, se encuentra entre las mejores de todos los tiempos. Me refiero a Kate Winslet, que hoy cumple 51 años en este mundo.

Nacida en Inglaterra el 5 de octubre de 1975, el interés de Winslet por la interpretación le llegó muy joven, pues su hizo su primera producción teatral en una obra del colegio cuando contaba con apenas 5 años. Fue con 11 cuando se unió a una escuela privada de teatro y durante un buen tiempo participó en obras de la Starmaker Theatre Company, aunque quedaba normalmente relegada a papeles secundarios por su peso.

Fue cuando aún tenía 15 años cuando recibió su primera oportunidad como actriz profesional en 'Dark Season', una serie de ciencia ficción de corta vida -solamente llegaron a hacerse seis episodios- creada por Russell T. Davies. Como no ganaba lo suficiente para sobrevivir, Winslet tuvo que ejercer como charcutera durante un tiempo.

Su trabajo como actriz se centró en la televisión durante los siguientes años, siendo especialmente destacado el caso de 'Get Back', donde daba vida a la hija en la ficción de Ray Winstone. La serie aguantó en emisión dos temporadas, antes de llegar a su final en noviembre de 1993. Para entonces ya había conseguido el papel que lanzaría su carrera.

El salto al cine

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Kate Winslet tiene un récord silencioso en la Academia que hasta ahora ninguna otra actriz ha podido igualar

Winslet fue una de las casi 200 actrices que se presentó para uno de los papeles principales de 'Criaturas celestiales', la excelente película de Peter Jackson basada en hechos reales sobre dos adolescentes que asesinaron de forma premeditada a la madre de una de ellas.

'Criaturas celestiales' se estrenó en 1994, siendo el primer trabajo de Winslet en la gran pantalla que recibió un aplauso prácticamente unánime. De hecho, llegó a ser nominada al Óscar de mejor guion original, pero la estatuilla fue finalmente para Quentin Tarantino por 'Pulp Fiction'.

Winslet estaba en plena campaña de promoción de 'Criaturas celestiales' cuando fue fichada para dar vida a Lucy Steele en la adaptación de 'Sentido y sensibilidad' dirigida por Ang Lee y protagonizada por Emma Thompson. Todo un éxito por el que Winslet llegó a ser nominada en la categoría de mejor actriz de reparto, pero el verdadero antes y después para ella no llegaría hasta 1997.

'Titanic' acabó convirtiéndose en la película más taquillera de todos los tiempos y su interpretación de Rose dejó una huella imborrable, pero lo cierto es que James Cameron tuvo muchas dudas y estuvo a punto de elegir a otra actriz. Fue la persistencia y determinación de Winslet lo que terminó de decantar la balanza para que ella fuese Rose.

Una nueva nominación al Óscar, en esta ocasión como mejor actriz, fue la guinda para una película que se convirtió en la más taquillera de la historia del cine hasta entonces. Winslet ya era toda una estrella que podía haber básicamente lo que quisiera, pero prefirió no dejarse seducir por el cine puramente comercial y participó en títulos como 'Quills', 'Enigma' o 'Iris'. Por esta última volvió a ser nominada al Óscar, pero siguió sin conseguir la estatuilla.

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Kate Winslet habla claro sobre la dictadura estética que se impone en Hollywood: "El desprecio por la salud es aterrador"

Ya en 2004 lideró junto a Jim Carrey la extraordinaria '¡Olvídate de mí!', a mi juicio la mejor película de la carrera de ambos. Y Winslet volvió a ser nominada al Óscar, pero volvió a quedarse con las ganas de llevarse la estatuilla. Lo mismo pasó dos años después con 'Juegos secretos', pero esa racha negativa estaba a punto de acabar.

Fue en febrero de 2009 cuando se anunció que Winslet era la mejor actriz protagonista del año por su trabajo en 'The Reader', dándose la particularidad que desde entonces solamente ha vuelto a ser aspirante en otra ocasión: por 'Steve Jobs' aspiró a la estatuilla de mejor actriz de reparto, pero el galardón se lo quedó Alicia Vikander por 'La chica danesa'.

Durante los últimos años, Winslet ha simultaneado sus trabajos en el cine y la televisión, siendo especialmente recordada la excelente miniserie 'Mare of Easttown'. Además, también volvió a colaborar con Cameron en 'Avatar: El sentido del agua' y 'Avatar: Fuego y ceniza', aunque ella llegó a decir tras acabar 'Titanic' que tendría que pagarle mucho dinero para volver a trabajar con él. El tiempo todo lo cura.

Lo próximo que veremos de ella será 'El señor de los anillos: The Hunt for Gollum', donde interpreta a Marigol, un misterioso personaje sobre el que no trascendido apenas nada. Eso sí, los fans especulan con la posibilidad de que tenga alguna relación familiar con el legendario Gollum...

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La noticia 35 años de carrera y 1 Óscar. Hoy cumple 51 años una de las mejores actrices de todos los tiempos fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Cuando pensamos en 'Brooklyn Nine-Nine', es fácil que vengan a la cabeza las locuras de sus personajes, los robos de Halloween o las surrealistas secuencias iniciales, pero la serie también demostró que podía funcionar extraordinariamente bien cuando reducía sus elementos al mínimo. Y eso es precisamente lo que ocurre en 'The Box', el decimocuarto episodio de su quinta temporada, emitido el 1 de abril de 2018, en el que Jake Peralta y el capitán Holt pasan prácticamente toda la noche encerrados en una sala de interrogatorios junto a un único sospechoso. 

Con Andy Samberg, Andre Braugher y un magnífico Sterling K. Brown como protagonistas, el episodio prescinde de buena parte del reparto habitual para convertirse durante sus poco más de veinte minutos en un thriller psicológico, un duelo de ingenios y, al mismo tiempo, una de las mejores muestras de lo que podía hacer la comedia cuando se atrevía a salirse de su fórmula habitual.

Un interrogatorio muy diferente

Jake Peralta está convencido de que Philip Davidson, un dentista interpretado por Sterling K. Brown, asesinó a su socio, Robert Tupper. El sospechoso tiene un posible móvil, los medios para cometer el crimen y ninguna coartada especialmente convincente, pero hay un problema fundamental: la policía no tiene arma, testigos ni pruebas forenses que permitan relacionarlo con el asesinato. Sin una confesión, Davidson quedará en libertad, así que Jake decide aprovechar el interrogatorio para intentar conseguir lo que necesita.

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El capitán Holt, que está vestido de esmoquin y a punto de reunirse con su marido, Kevin, para ir a la ópera, queda inmediatamente fascinado por el caso y decide cancelar sus planes para ayudar a Jake. Lo que sigue es una larga noche en la que ambos detectives prueban todo tipo de estrategias para conseguir que Davidson se derrumbe, desde el clásico juego del policía bueno y el policía malo hasta los métodos más absurdos. El problema es que su sospechoso está perfectamente preparado para el duelo.

Davidson no solo permanece imperturbable, sino que poco a poco empieza a utilizar las debilidades de Jake y Holt en su contra. Es muy inteligente y tiene una gran capacidad para explotar la necesidad de Jake de conseguir la aprobación de su capitán, sembrando dudas entre ambos detectives y convirtiendo el interrogatorio en un auténtico duelo psicológico. Sterling K. Brown consigue que el personaje resulte al mismo tiempo divertido, inquietante y desesperantemente seguro de sí mismo, hasta el punto de que el espectador empieza a preguntarse si Jake realmente ha descubierto al asesino o si su obsesión le está haciendo perder perspectiva.

Además, lo mejor de todo es que la serie no necesita renunciar a su humor para convertirse durante un episodio en un thriller policial. Jake intenta hacerse pasar por el "policía tonto", propone mentir al sospechoso e incluso improvisa una canción tan agresiva como inútil, mientras Holt acaba desviándose hacia una discusión sobre si los dentistas tienen derecho a ser llamados "doctores". Los chistes, sin embargo, no rompen con la tensión, sino que forman parte del propio interrogatorio y sirven para mostrar la personalidad de los protagonistas o preparar el terreno para lo que está por llegar.

Y entonces llega la trampa de Jake. Después de casi once horas de interrogatorio y cuando parece que Davidson va a quedar en libertad, Peralta comprende que el sospechoso tiene un defecto tan grande como el suyo: no soporta que alguien piense que es menos inteligente de lo que realmente es. Jake reconstruye deliberadamente una versión torpe del asesinato y Davidson, incapaz de aceptar que crean que todo fue fruto de la casualidad, corrige su relato y termina revelando cómo fabricó el arma homicida utilizando un polímero dental. Acaba de confesar sin darse cuenta. Es el broche perfecto para un episodio que, además, esconde un homenaje especialmente bonito a la trayectoria de Andre Braugher.

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La noticia Este episodio, que se ha convertido en un clásico de culto durante los últimos 8 años, sigue siendo considerado uno de los mejores de la historia de la televisión fue publicada originalmente en Espinof por Belén Prieto .

La ciencia ficción no siempre necesita grandes batallas espaciales, civilizaciones alienígenas o explosiones para construir una historia que merezca la pena. 'Ad Astra' (2019), dirigida por James Gray y protagonizada por Brad Pitt, apuesta precisamente por el camino contrario, utilizando un viaje por el espacio como punto de partida para contar una historia mucho más íntima sobre la soledad, la familia y la necesidad de encontrar respuestas. 

La película sigue al astronauta Roy McBride, un hombre aparentemente frío y controlado que recibe una misión que le llevará hasta los confines del sistema solar en busca de su padre, desaparecido décadas atrás durante una expedición espacial. El resultado es una película pausada, atmosférica y visualmente espectacular que combina la ciencia ficción con el drama psicológico y que merece una oportunidad especialmente si buscas una historia espacial diferente a los grandes blockbusters.

Brad Pitt se lanza al espacio

James Gray construye la película alrededor de una premisa que podría haber dado lugar a una aventura espacial convencional, pero decide utilizarla para hablar de algo mucho más humano. Roy McBride es un astronauta que parece tenerlo todo bajo control: mantiene una frecuencia cardíaca excepcionalmente baja incluso en situaciones de máximo peligro y apenas deja que sus emociones interfieran en su trabajo. Sin embargo, esa aparente fortaleza esconde a un hombre profundamente marcado por la desaparición de su padre.

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Por otro lado, Brad Pitt sostiene buena parte de la película con una interpretación contenida que funciona precisamente porque no necesita grandes discursos ni grandilocuencias. Roy es un personaje acostumbrado a reprimir lo que siente y el viaje que emprende por el sistema solar acaba convirtiéndose también en un viaje hacia su propio pasado. A medida que se acerca a su padre, la película va desmontando poco a poco la imagen que había construido de él y plantea qué significa realmente admirar a alguien.

Además, el apartado visual es otro de los grandes motivos para darle una oportunidad. James Gray y el director de fotografía Hoyte van Hoytema construyen un espacio espectacular pero también inquietantemente vacío, en el que la inmensidad del universo sirve para reforzar la sensación de aislamiento del protagonista. La Luna, Marte y los diferentes escenarios espaciales no son únicamente decorados para la aventura, sino lugares que contribuyen a crear una atmósfera fría, melancólica y casi hipnótica.

También utiliza elementos propios del thriller y de la aventura espacial para mantener la tensión incluso cuando su historia avanza a un ritmo deliberadamente pausado. Hay persecuciones, situaciones de peligro y momentos de auténtico suspense, pero la película nunca pierde de vista aquello que realmente le interesa: la relación entre un padre y un hijo y las consecuencias que puede tener pasar toda una vida intentando estar a la altura de una figura idealizada.

Por eso hay que ver 'Ad Astra', porque no es la típica película espacial basada en la acción y los grandes efectos especiales, sino una propuesta mucho más introspectiva que utiliza el viaje hacia los confines del sistema solar para hablar de la soledad, el miedo y los vínculos familiares. Pero será mejor darse prisa, porque solo estará disponible en Netflix hasta el 9 de octubre.

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La noticia Última oportunidad para ver en Netflix una de las mejores películas de ciencia ficción de los últimos años. Tiene a Brad Pitt y fracasó en cines sin merecerlo fue publicada originalmente en Espinof por Belén Prieto .

Ya no queda nada para que Goku regrese a la tele con 'Dragon Ball Super: Beerus', una nueva versión de 'La batalla de los dioses' a caballo entre remaster y remake pero que promete poner a la saga al nivel de los animes modernos más punteros. Lo nuevo de 'Dragon Ball Super' arranca el próximo 11 de octubre, y se está volviendo más fácil por momentos poder ver el anime a nivel internacional. 

Vamos con afán todos a la vez (o casi)

Hace unos días Crunchyroll se anotó el primer tanto confirmando el simulcast de 'Dragon Ball Super: Beerus' a partir del 11 de octubre. El nuevo anime se podrá ver en versión original con subtítulos en Europa, Oriente Medio y África, pero no será la única plataforma en la que podremos seguir el enfrentamiento entre Goku y Beerus. 

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AnimeBox, que se ha convertido en la casa de 'Dragon Ball' en España, ha aprovechado su presencia en la San Diego Comic-Con de Málaga para anunciar que también distribuirá el anime. Como ya pasó con 'Dragon Ball Daima', 'Dragon Ball Super: Beerus' se podrá ver también en la plataforma de Selecta Visión el mismo 11 de octubre. 

Habrá que ver qué ocurre con el tema del doblaje, porque por el momento no hay noticias de simuldub...Y viendo que con 'Daima' se ha tenido que esperar hasta su emisión en televisión, quizás la cosa vaya para largo. Eso sí, Crunchyroll y AnimeBox no serán las únicas plataformas para ver 'Dragon Ball Super: Beerus': también podremos seguir el anime en Netflix.

Aunque ojo, que Netflix cuenta con una desventaja importante respecto a los tiempos de emisión y 'Dragon Ball Super: Beerus' no arranca en la plataforma hasta el 17 de octubre. Así que los nuevos capítulos de la serie llegarán con seis días de retraso a Netflix frente a su emisión en Crunchyroll y AnimeBox. Pero, siendo positivos, por lo menos tenemos un abanico tremendo de opciones diferentes para no quedarnos sin ver 'Dragon Ball' este otoño.

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La noticia 'Dragon Ball Super' nos lo pone mucho más fácil. El nuevo anime se podrá ver en tres plataformas diferentes, aunque Netflix cuenta con una importante desventaja fue publicada originalmente en Espinof por Mariló Delgado .

Steven Spielberg ha demostrado muchas veces que no necesita recurrir a la ciencia ficción, la aventura o los grandes espectáculos para construir películas que se quedan en la memoria. Y 'Munich' (2005) es probablemente uno de los mejores ejemplos de su faceta más adulta y política: un thriller de espionaje basado en hechos reales que parte de uno de los episodios más traumáticos de los Juegos Olímpicos de Múnich de 1972 para plantear una historia sobre la violencia, la venganza y las consecuencias de responder a un atentado con otro acto de violencia. 

Con Eric Bana, Daniel Craig, Ciarán Hinds y Geoffrey Rush al frente del reparto, Spielberg construye una película tensa y sombría que funciona tanto como thriller como reflexión sobre un conflicto que parece no tener una salida sencilla.

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La película arranca con el atentado cometido durante los Juegos Olímpicos de Múnich de 1972, cuando un grupo de terroristas palestinos de Septiembre Negro secuestró a miembros de la delegación israelí. A partir de ahí, Spielberg se centra en un grupo de agentes del Mossad encargado de localizar y asesinar a varios de los responsables del ataque. Pero lo interesante es que 'Munich' no convierte esta misión en una historia convencional de héroes y villanos, sino que utiliza el encargo como punto de partida para cuestionar qué ocurre cuando la venganza se convierte en una estrategia política.

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En la película, Eric Bana interpreta a Avner, el líder del grupo, y su evolución es precisamente uno de los grandes aciertos de la película. Lo que al principio parece una misión perfectamente delimitada comienza a afectar a su percepción del mundo y a su propia identidad. Cada asesinato pesa un poco más que el anterior y Spielberg se preocupa por mostrar las consecuencias psicológicas de una violencia que, lejos de resolver el conflicto, parece alimentar un círculo interminable.

También es una película especialmente interesante por cómo aborda la ambigüedad moral. Spielberg evita darnos una respuesta sencilla sobre quién tiene razón y quién no y 'Munich' obliga al espectador a convivir con las contradicciones de sus personajes. No hay una glorificación sencilla de la violencia ni una conclusión como tal, sino que toca convivir con el miedo, la paranoia, la desconfianza y la sensación constante de que cualquier decisión puede tener consecuencias imprevisibles.

Y a nivel cinematográfico, además, es una demostración de lo bien que funciona Spielberg cuando se mueve en terrenos más oscuros. La película combina secuencias de acción y espionaje con momentos de enorme tensión, pero nunca pierde de vista a los personajes. La fotografía de Janusz Kamiński, el montaje y la puesta en escena contribuyen a crear una atmósfera cada vez más asfixiante, mientras que la música de John Williams acompaña la historia sin convertirla en un espectáculo heroico.

Quizá por eso 'Munich' sigue siendo una película tan recomendable más de veinte años después de su estreno. No es una cinta cómoda ni pretende serlo, pero sí una de esas películas que siguen dando vueltas en nuestra cabeza cuando acaban los créditos. Spielberg utiliza un episodio concreto de la historia para hablar de algo mucho más universal: qué sucede cuando la violencia alimenta un círculo vicioso y hasta qué punto es posible distinguir entre justicia y venganza.

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La noticia Hoy en Netflix, una de las películas más incómodas y fascinantes de Steven Spielberg. Está basada en hechos reales y se mete de lleno en una espiral de violencia fue publicada originalmente en Espinof por Belén Prieto .

El nuevo éxito de Netflix es una miniserie de apenas 7 episodios que ha alcanzado ya el número 1 de la plataforma en 40 países -aunque no en España, donde otra adictiva miniserie de suspense está en lo más alto-. También es la adaptación de una novela de John Steinbeck que ya sirviera como base en 1955 para 'Al este del Edén', una de las películas más míticas de la historia del cine.

La nueva 'Al este del Edén' nos transporta a finales del siglo XIX y nos cuenta la peculiar relación de Cathy Ames con los hermanastros Adam y Charles Trask, quienes la rescatan casi moribunda. Adam confía y se preocupa por ella, pero Charles no lo ve nada claro y desconfía de Cathy...

La presencia de Florence Pugh como Cathy es uno de los grandes reclamos de una miniserie en la que también participan Christopher Abbot, Mike Faist, Hoon Lee, Ciarán Hinds o Martha Plimpton. Por su parte, detrás de las cámaras están Garth Davis ('Lion') y Laure de Clermont-Tonnerre ('El amante de Lady Chatterley').

No obstante, lo realmente curioso de la serie está en el hecho de que su principal impulsora es Zoe Kazan, quien se ha encargado tanto de crearla como de escribir la mayor parte de los guiones. Su apellido no es casualidad, pues es la hija del legendario Elia Kazan, quien en su momento dirigiera la versión cinematográfica por la que James Dean consiguió su único Óscar.

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Una de las grandes aportaciones de Kazan en esta nueva adaptación ha sido abordar más partes del texto original de Steinbeck, ya que la película de 1955 dejaba mucho fuera y se centraba principalmente en su tramo final. Aquí tampoco es que haya entrado todo, pero sí que han entrado más cosas, sobre todo en lo referente al trasfondo familiar.

Además, el éxito de público se ha visto respaldado por el apoyo de la crítica, pues 'Al este del Edén' consigue un 87% de valoraciones positivas en Rotten Tomatoes. También merece la pena destacar que en la siempre más exigente Metacritic logra un 80 sobre 100 de nota, algo fuera del alcance de la abrumadora mayoría de producciones originales de Netflix.

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La noticia Sólo 7 episodios y número 1 de Netflix en 40 países. La miniserie que 71 años después actualiza una de las películas más míticas de la historia fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

En los últimos meses los fans de 'Madoka Magica' han estado viendo cómo se iban anunciando cada vez más fechas de estreno internacionales para 'Walpurgisnacht: Rising' y en España estábamos a verlas venir. Ahora por fin Selecta Visión se ha terminado de mojar con la distribución, y después de 13 años de espera tendremos la conclusión en pantalla grande para la épica saga de magical girls traumatizadas.

Una despedida a lo grande

'Madoka Magica Walpurgisnacht: Rising' se estrenó en Japón el pasado 28 de agosto. Llegó tras la serie de anime y 'Rebellion', estrenada en 2013 para ampliar la trama de la serie con una secuela y un golpe en la mesa, pero desde Magica Quartet todavía tenían en la manga un último capítulo.

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Selecta Visión ya había anunciado que 'Madoka Magica Walpurgisnacht: Rising' se podría ver durante el próximo Festival de Sitges el 17 de octubre, pero aún estábamos esperando el estreno de la película para el gran público. Durante la San Diego Comic Con de Málaga han venido con novedades y se ha terminado de confirmar que la nueva película de 'Madoka Magica' se podrá ver en cines a partir del 27 de noviembre. 

La película de anime se podrá ver en toda España a partir de esa fecha, de manera exclusiva en la cadena Yelmo Cines. En principio parece que solo llegará en versión original con subtítulos, pero desde luego es una oportunidad única para poder ver 'Madoka Magica' en pantalla grande, y más con esta película que promete ser el colofón a la saga de anime que arrancó en 2011. Las entradas saldrán a la venta de manera anticipada el 5 de noviembre, con lo que para esa fecha podremos tener una mejor idea del nivel de distribución que habrá en salas.

Lo cierto es que 'Madoka Magica Walpurgisnacht: Rising' ha sido muy alabada por su animación, que ha ido causando numerosos retrasos en el desarrollo de la película, así que por lo menos promete ser un espectáculo visual tremendo. Ahora nos queda por ver cómo la trama riza más el rizo, y si las magical girls de 'Madoka Magica' consiguen tener una suerte de final feliz o nos dejan llorando a moco tendido de nuevo. 

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La noticia La película de 'Madoka Magica' por fin tiene fecha de estreno. El final del anime de magical girls se podrá ver en cines para un colofón histórico fue publicada originalmente en Espinof por Mariló Delgado .

No podemos olvidar nunca, incluso aunque esté concedido por algo que se llama “La Academia”, que los Premios Oscars son ante todo premios de industria. Pueden estar reconociendo arte, pero ante todo cómo se relaciona con la realidad comercial. De ahí que se reconozcan más los fenómenos populares que los que cambian la realidad del cine. No por ello dejan de ser peliculones cosas como ‘El golpe’ (’The Sting’).

Un timo con ritmo

Entretenidísima a rabiar, esta fenomenal película de atracos con Paul Newman y Robert Redford fue el gran fenómeno de su época y básicamente una ineludible ganadora del Oscar a mejor película en su momento. Pero es difícil negar que la película de George Roy Hill tiene méritos para ganárselo, y hoy se puede comprobar viéndola en televisión a través de La 2 a partir de las 22:35, además de en streaming a través de Netflix.

Un poderoso gángster de Chicago de los años 30 ha asesinado al íntimo amigo de Johnny Hooker y Henry Gondorff, dos expertos timadores de la ciudad. Frustrados y furiosos ante la tragedia, intentan tramar un plan perfecto, tan ingenioso como intrincado, para darle al poderoso criminal donde más le duele.

El mismo equipo maravilloso que nos dio ‘Dos hombres y un destino’ (’Butch Cassidy and the Sundance Kid’), una carta de amor crepúscular a todo un género como el western, hace un entretenimiento más puro a través del buen pastiche. Tomando desde el ritmo animoso del ragtime hasta los vestuarios de la época, elabora la visión popular que tenemos de los años posteriores a la Gran Depresión.

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He visto 'El golpe' decenas de veces, pero acabo de caer en esta referencia a la guerra civil española

Desde ahí nos cuenta una historia de rebeldía y canallismo, con dos personajes desarrollando talentos fuera tanto del sistema legal como la imperante ilegalidad para sobrevivir. Una que realmente convence gracias a la dirección eficiente y artesanía de Roy Hill que recoge los mejores detalles del cine gangsters y lo coloca en un entretenidísimo formato de atracos.

Aunque es realmente el carisma infinito y combinado de Newman y Redford el que termina de propulsar a ‘El golpe’ a clásico imperecedero. Su toque referencial la hace trabajo de época, pero también entretenimiento atemporal que sigue cautivando gracias a un ritmo espléndido y una textura ejemplar.

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La noticia Esta noche en TV, uno de los mayores fenómenos del cine de los 70 y una de las mejores ganadoras del Óscar a mejor película fue publicada originalmente en Espinof por Pedro Gallego .

No hay prácticamente nada en el mundo que logre una reacción unánime, pero que Keanu Reeves cae muy bien a la gran mayoría sí que es algo innegable. Eso sí, en Hollywood hay un hater tan grande de Reeves que llegó a afirmar públicamente que lo odiaba y que nunca en la vida trabajaría con él. Ese dudoso honor pertenece al director Troy Duffy.

Duffy era un completo desconocido hasta el estreno en 1999 de 'Los elegidos' ('The Booncock Saints'), una película de culto protagonizada por Norman Reedus, Sean Patrick Flanery y Willem Dafoe. Pese a que en cines tuvo una repercusión limitada, 'Los elegidos' ganó mucha fama cuando se lanzó en formato doméstico, dando pie diez años después a una secuela que volvió a contar con Reedus y Flanery.

"Ma parece un imbécil"

Fue precisamente entre medias cuando Duffy hizo unas declaraciones incendiarias en el documental 'Overnight', en el cual se narraba cómo pasó de ser un camarero a un cineasta de Hollywood. Allí decía lo siguiente sobre el protagonista de 'Matrix' y 'John Wick':

Odio a Keanu Reeves. Me parece un imbécil. Jamás haré una película con él.

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Por desgracia, Duffy no entra para nada en detalles al respecto, algo que tampoco ha hecho en años posteriores. Lo mismo sucede con otra afirmación en la misma línea hacia otro actor muy querido de Hollywood: "Creo que Ethan Hawke es un idiota sin talento".

Por cierto, que conste que no todo fue odio de Duffy hacia actores famosos en ese documental, pues también llegaba a afirmar que Mark Wahlberg era "el mejor actor que jamás haya visto". Al final cada cual tiene sus gustos, pero yo tengo bastante claro que tanto Reeves como, sobre todo, Hawke superan con creces a Wahlberg.

El propio Duffy habló el año pasado en su podcast sobre 'Overnight' tras años de silencio, afirmando que los directores Tony Montana y Mark Brian Smith contaron su historia, pero dejando multitud de información fuera que daba más contexto a lo que allí se muestra. Además, Duffy reconocía que en el documental "hay cosas que le dan vergüenza ajena", quizá en referencia a sus declaraciones sobre Reeves y Hawke.

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La noticia "Odio a Keanu Reeves". El director de una película de culto de 1999 juró no trabajar jamás con la estrella de 'John Wick' y 'Matrix' fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

La última película lanzada por Warner antes de convertirse en Skydance tras su fusión con Paramount es la que mejor demuestra los problemas actuales de la antigua major: 'Digger' ha costado entre 125 y 180 millones de dólares, y en Estados Unidos ha entrado directa al puesto 5 de taquilla, mientras que en España se ha tenido que conformar con el 7. No es lo que pensaban que iba a pasar al unir a Tom Cruise con Alejandro González Iñárritu, desde luego.

Digger que no la quiero

Ese es el gran titular que nos deja la taquilla de este fin de semana: 'Digger' no levanta cabeza y se conforma con 8 millones de dólares en la taquilla estadounidense (para un total mundial de unos 20 millones). Hará perder muchísimo dinero a Warner, que ha tenido que ver cómo una película mucho menor, 'Verity', se ha alzado con el primer puesto de taquilla superando con creces los 32 millones de dólares (para 62 millones en el global, superando ya su presupuesto de 40 millones). 

En el puesto 2, aún perdiendo un 45,7% en su tercera semana, aguanta 'Resident Evil', que ya ha superado los 245 millones de dólares y es ya la tercera película de la saga en recaudación, con opciones de llegar a 314 millones y quitarle el puesto a 'El capítulo final'. Mientras tanto, le toca hacer frente a 'En el corazón de la bestia', en el top 3, que suma otros 11 millones y roza los 100 millones en todo el mundo, superando su presupuesto de 82 millones y con opciones a dar beneficios. 

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Tom Cruise acaba de sufrir el mayor fracaso de su carrera con 'Digger', pero el actor está "muy orgulloso" de la película de Iñárritu

Pero para beneficios, los de A24 con 'Primetime': lo nuevo de Robert Pattinson costó 14,5 millones, lleva en todo el mundo más de 34 y en Estados Unidos aguanta en el top 4 como si nada. Ojalá pudiera decir lo mismo 'La isla olvidada', que pierde un decente 44,8% pero no evita que mundialmente llegue solo a los 38 millones de dólares, convirtiéndose así en uno de los fracasos más sonados de la historia de DreamWorks.

Casi todo el resto del top 10 son viejos conocidos: en el 7, 'Vengadores: Endgame - Encore', que ha ayudado a que la película supere ya a 'Avatar' en esta carrera de fondo; en el 9, 'Prácticamente magia 2', que vuelve a señalar el annus horribilis de Warner rozando, en sus últimos estertores, los 100 millones en todo el mundo (costó 75 millones); y en el 10, tras 10 semanas, 'Spider-man: Brand New Day', que se despide de la taquilla superando por los pelos los 2500 millones de dólares. No podría haber tenido mejor final. 

¡Ah! En el 8 tenemos cine de Bollywood: la tercera y última entrega de la saga 'Drishyam' que se ha estrenado en 541 cines y tiene la segunda mejor media por sala del top 10. La semana que viene llega 'Your mother your mother your mother', que tiene el morbo de recuperar al equipo original que podría haber hecho 'Blade' en Marvel, y 'El precio de la red', la secuela de 'La red social' cuyo resultado en taquilla es aun una incógnita. Habra que ver su resultado mientras esperamos a que 'Whalefall' y 'Street Fighter' se lo repartan todo la semana siguiente.

En España nos tienen negros

¿Alguien lo dudaba? Por segunda semana consecutiva (y quedan unas cuantas, por lo que parece) 'La bola negra' se alza con el primer puesto de taquilla, demostrando que es todo un fenómeno: la gente habla de ella, quiere verla y el runrún de los Óscar la ha ayudado sobremanera. Es más, este fin de semana ha mejorado incluso el rendimiento de la semana pasada con 5,8 millones de euros recaudados. En solo 10 días suma más de 2 millones de espectadores y casi 15 millones en el total. Y sí, todo apunta a que acabará superando a 'Torrente Presidente'. 

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Me ha encantado el guiño de 'La bola negra' a un conocido pintor y creo que es un homenaje genial de Los Javis a la cultura queer

En el puesto 2 sigue aguantando Brad Pitt con 'En el corazón de la bestia', demostrando que en España somos muy de Pitt; y en el 3 hace lo propio 'Resident Evil'. Hay que irse hasta el top 4 para encontrar el primer estreno, 'Verity', que no repite el éxito de 'La asistenta' y se queda a medio gas, sin encontrar del todo su hueco en la taquilla hispana. Es lo mismo que le ha pasado, tristemente, a 'La isla olvidada', que, por lo menos, resiste en el top 5. Menos da una piedra (mágica), supongo.

Al menos no es 'Digger', que languidece en el puesto 7 con apenas 309.707 euros, incluso detrás de 'Vengadores: Endgame - Encore', en un resultado francamente lamentable e inesperado, el primer gran fracaso de Tom Cruise en 20 años (las últimas 'Misión imposible' no dieron beneficios pero no pueden considerarse fracasos tampoco). Cerrando la tabla tenemos 'Coyote vs ACME', que ha resistido a la perfección (de hecho, sería mágico verla superando a 'Digger' en un último estertor), 'Tadeo Jones y la lámpara maravillosa' y 'La Odisea', que se despide así de la taquilla tras tres sorprendentes meses en ella. 

Me cuesta creer que la semana que viene 'El precio de la red', 'Naza' o 'La otra madre' vayan a hacer pupita a 'La bola negra', pero nunca se sabe. Por si acaso, yo no apostaría contra Los Javis: este año han sacado bola blanca de manera continua. Y lo que les queda.

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La noticia Warner esperaba salir del hoyo con 'Digger', pero solo ha cavado más hondo. Por suerte, Los Javis y 'Verity' han aprovechado su oportunidad fue publicada originalmente en Espinof por Randy Meeks .

Uno de los grandes problemas que tiene ahora mismo Studio Ghibli es que todo el peso creativo parece reposar en los hombros de Hayao Miyazaki. Hace treinta años la situación era un tanto distinta, con el estudio apostando por otros directores para capitanear sus futuros proyectos.

A principios de los años 2000 le llegó su gran oportunidad a Mamoru Hosoda, que por aquel entonces había trabajando en 'Digimon Adventure', 'One Piece' , pero se iba a estrenar como director de largometraje en Studio Ghibli. 

La vida da muchas vueltas, y para bien

En 2001 la carrera de Hosoda recibió un impulso tremendo cuando se anunció que dirigiría 'El castillo ambulante', la adaptación de la novela del mismo nombre de Diana Wynne Jones. La película llevaba ya un año en producción y tenía su estreno previsto para 2003, pero las cosas no fueron rodadas para el director y Ghibli. 

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Miyazaki ya había realizado diseños y una propuesta para la película, y Hosoda se metió al proyecto con muchísimo entusiasmo. Venía muy recomendado por sus supervisores y compañeros de Toei Animation, especialmente tras su etapa en 'One Piece' y el corto de 'Digimon Adventure' que dirigió, pero tras meses trabajando en Ghibli, Hosoda no terminaba de sentirse cómodo.

Nunca se ha desvelado de manera oficial por qué Hosoda dejó 'El castillo ambulante', pero con el tiempo se han ido dejando caer ciertas pistas que apuntan a que desde Ghibli en realidad querían un director de encargo que hiciera la película como si la estuviese haciendo el propio Miyazaki. Y, en su lugar, Hosoda tenía sus propias ideas de cómo debía ser la película, algo que no casaba con la visión que tenían en Ghibli.

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"La diferencia entre la película que yo quería hacer y cómo ellos querían hacerla era demasiado grande, así que tuve que dejar el proyecto", confesó Hosoda en una entrevista con Polygon. "Yo estaba muy emocionado, pero con Ghibli hay un cierto... tono, unas reglas que tienes que seguir". 

Tener que dejar Studio Ghibli puede parecer el fin de la carrera de un animador, especialmente cuando aún está despegando, pero a Hosoda le salieron las cosas rodadas. El director terminó volviendo a Toei y estrenó su primera película como director en 2005: 'One Piece: El Barón Omatsuri y la Isla de los Secretos', que sin duda está considerada como una de las mejores de la franquicia. 

No solo eso, al año siguiente estrenaría 'La chica que saltaba a través del tiempo', un romance de ciencia ficción que le propulsaría al estrellato y abrió la puerta a lo grande para su carrera. Después vendrían 'Summer Wars', 'Los niños lobo', y una larga lista de obras originales que ya ha venido desarrollando desde el estudio que él mismo fundó, Studio Chizu.

Así que, que te despidan de Ghibli no tiene por qué significar el fin del mundo. Por su lado, Hayao Miyazaki terminó dirigiendo 'El castillo ambulante' con un potente alegato contra la guerra de Irak, a su gusto y como él mismo sabe, dejándonos una de las películas más bonitas de su filmografía. Al final, terminamos ganando todos. 

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La noticia Que te despidan de Studio Ghibli no es el fin del mundo. Mamoru Hosoda se negó a dirigir 'El castillo ambulante', pero al final salimos todos ganando fue publicada originalmente en Espinof por Mariló Delgado .

El nombre de Gerard Butler se ha convertido en sinónimo de cine de acción. Obviamente, algunas de sus incursiones en el género son mejores que otras, pero personalmente creo que su cima personal sigue siendo 'Juego de ladrones', un  notable thriller que en 2025 tuvo una entretenida secuela que hoy puede verse totalmente gratis en televisión

Teniendo en cuenta que 'Juego de ladrones: Pantera' se estrenó oficialmente en cines el 10 de enero de 2025, esto supone que los fans del actor apenas han tenido que esperar algo más de un año para poder verla en abierto. Toda una sorpresa, pues es cierto que los tiempos para la llegada en streaming se han acortado mucho durante los últimos tiempos, pero parece que eso también se está notando en la pequeña pantalla.

'Juego de ladrones: Pantera' recupera la historia donde se quedó al final de la primera entrega. Por un lado, Donnie (O'Shea Jackson Jr.) está planeando el mayor robo de diamantes de todos los tiempos, mientras que Big Nick (Butler), el policía que intentó darle caza en el pasado, se ha cansado de su situación actual y le ofrece una alianza un tanto forzosa para formar parte del atraco.

Una de las virtudes de 'Juego de ladrones: Pantera' es que no se limita a ser un más de lo mismo, ya que la primera entrega se acercaba más a 'Heat', uno de los thrillers más importantes de la historia del cine, mientras que esta secuela opta por un tono más juguetón, coqueteando más con cintas como 'Ocean's Eleven', aunque con un toque también más propio de 'Corrupción en Miami'.

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El resultado final es ligeramente inferior que su predecesora, pero se nota que detrás de ella está el mismo equipo -Christian Gudegast vuelve a firmar el guion y a ocuparse del trabajo de dirección-, lo que ayuda a que sea un pasatiempo de acción bastante eficaz para pasar un rato entretenido sin tener que aceptar a cambio cualquier cosa.

'Juego de ladrones: Pantera' se emite esta noche en La 1 a partir de las 22:35. Si por lo que sea os apetece verla pero no podéis entonces, porque luego estará disponible totalmente gratis en streaming a través de RTVE Play durante unos días.

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El reinado de 'Avatar' como la película más taquillera de la historia acaba de llegar a su fin, pues 'Vengadores: Endgame' acaba de superar oficialmente la recaudación de la popular película de ciencia ficción dirigida por James Cameron.

El largometraje de Marvel ha llegado hasta los 2.925 millones de dólares, superando así los 2.923,7 millones de 'Avatar'. Y que nadie diga que se ha cometido una injusticia por el lanzamiento de 'Vengadores: Endgame - Encore', ya que 'Avatar' solamente volvió a ser la película más taquillera de la historia gracias a un reestreno en 2021.

¿Cuál será la primera en superar los 3.000 millones?

La cuestión ahora está en saber cuál será la marca de 'Vengadores: Endgame' antes de abandonar de forma definitiva los cines. A priori, lo tiene complicado para convertirse en la primera película en superar los 3.000 millones en taquilla, por lo que la distancia con respecto a 'Avatar' no va a ser demasiado grande.

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Todo eso abre la puerta a que 'Avatar' pueda recuperar de nuevo el número 1 con algún reestreno posterior. Y conviene recordar que en 2029 se celebra el 20 aniversario de su estreno en cines, por lo que ya hay una fecha perfecta para que la aventura comandada por Sam Worthington vuelva a los cines una vez más.

Eso sí, tampoco conviene descartar por completo la posibilidad de que 'Vengadores: Doomsday' tenga un éxito tan atronador que logre hacerse con el número 1 y alcance una cifra fuera del alcance de 'Avatar'. Es muy pronto para saber si es una posibilidad real, pero los primeros datos de preventa de entradas están siendo espectaculares.

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La noticia Ya es oficial. 'Vengadores: Endgame' destrona a 'Avatar' y se convierte en la película más taquillera de la historia del cine fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .