El impacto que tuvo el estreno de 'Salvar al soldado Ryan' en 1998 ha llevado a que algunos infravaloren otra película bélica de capital importancia que llegó a los cines ese mismo año. Me refiero a 'La delgada línea roja', el primer largometraje dirigido por Terrence Malick en 20 años que Christopher Nolan reivindica como una de las mayores obras maestras de la historia del cine bélico.

"Una fantástica película bélica"

'La delgada línea roja' nos llega a la isla de Guadalcanal durante la II Guerra Mundial. La historia gira alrededor de cómo una compañía del ejército norteamericano lucha con el ejército japonés para intentar hacerse con el control de una colina que se considera estratégica para el devenir de la contienda.

Hecha con un presupuesto de 52 millones de dólares y con un reparto sencillamente estelar, lo cierto es que 'La delgada línea roja' no terminó de ir demasiado bien en taquilla -recaudó 98 millones de dólares cuando había costado 52-, aunque recibió 7 nominaciones a los Óscar. Eso sí, no logró hacerse con ni una estatuilla.

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Sin embargo, el prestigio de 'La delgada línea roja' no ha hecho más que crecer desde entonces, pero lo cierto es que Christopher Nolan quedó impactado de inmediato. De hecho en un encuentro con Guillermo del Toro con motivo del décimo aniversario de 'Memento' reconoció lo siguiente:

También veo un claro intento de emular lo que vi en Terrence Malick, en cuanto a la representación de los estados mentales y la memoria. Si ven 'La delgada línea roja', fue toda una revelación para mí. Él intercala recuerdos y flashbacks con cortes sencillos; no hay transiciones ni fundidos. Hay momentos en Memento en los que el personaje de Guy recuerda a su esposa que están muy inspirados en aquella película.

Teniendo en cuenta que 'La delgada línea roja' se estrenó comercialmente en diciembre de 1998 y que Nolan empezó a rodar 'Memento' en septiembre del año siguiente, tampoco tuvo demasiado tiempo para asimilar esa influencia. Quizá fue  algo inconsciente que fue notando en años posteriores...

Además, Nolan también confesó en Konbini que "es una fantástica película bélica" y que es una obra "absolutamente poética. No sé si la has visto alguna vez en la pantalla grande, es muy hermosa. Es extraordinaria". Además, ofrece una curiosa anécdota sobre la banda sonora de Hans Zimmer, quien durante años fue su compositor de referencia:

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Hay una pieza llamada Journey to the Line' que que él [Zimmer] llama "la pieza prohibida" porque, cuando trabaja en una película y alguien la usa como sustituto, es imposible reemplazarla, ya que es muy poderosa en sí misma y está modulada de forma exquisita con el tiempo y su desarrollo. Es una pieza musical realmente mágica… muy influyente. Se oyen plagios constantemente. Pero funciona a la perfección en esa película. Es realmente increíble. Realmente hermosa.

Normal que 'La delgada línea roja' esté entre las películas favoritas de Nolan y que la considere una obra maestra. Eso sí, es una obra más inmersiva y exigente que 'Salvar al soldado Ryan', lo cual no quiere decir que sea mejor, pero sí que puede ser menos agradecida de ver para algunos espectadores.

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La novela romántica lleva varios años viviendo una segunda juventud, y Hollywood parece dispuesto a exprimirla hasta la última gota. En plena era de BookTok, cuando un libro puede convertirse en fenómeno viral antes incluso de que nadie se plantee adaptarlo, las historias de amores imposibles, relaciones prohibidas y protagonistas absurdamente atractivos se han convertido en una mina de oro para las plataformas de streaming. 

El último ejemplo llega además desde España con 'Enfrentados: Marfil', adaptación de la bilogía de Mercedes Ron, que se ha estrenado en Prime Video dispuesta a repetir el fenómeno de 'Culpa mía'. La película, protagonizada por Ester Expósito y Hugo Diego García, mezcla thriller y romance alrededor de una joven heredera que acaba enamorándose de su guardaespaldas.

La nueva obsesión de los jóvenes

La industria lleva tiempo mirando hacia BookTok en busca del próximo gran fenómeno audiovisual. 'Romper el círculo', 'Mi año en Oxford' o 'Gente que conocemos en vacaciones' son algunos de los ejemplos más recientes de historias románticas que han encontrado una segunda vida -o directamente a su gran público- gracias al enorme alcance de las comunidades lectoras de redes sociales. 

En este último terreno, Mercedes Ron juega con ventaja. La escritora argentina-española comenzó a publicar sus historias en Wattpad en 2016 con 'Culpa mía', dando el pistoletazo de salida a una saga que acabaría convirtiéndose en uno de los grandes fenómenos románticos de Prime Video. La plataforma adaptó las tres primeras novelas de la serie y, después, decidió repetir la jugada con 'Culpa mía: Londres', una nueva versión en inglés de la primera entrega. Y ahora llega el turno de 'Marfil', publicada en 2019 y también convertida en película.

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La historia sigue a Marfil Cortés, interpretada por Ester Expósito, una joven heredera cuyo padre es un poderoso empresario español. Después de ser secuestrada mientras corre por Central Park y liberada poco después, su padre comprende que el verdadero objetivo de los responsables era demostrar que podían llegar hasta ella cuando quisieran. La solución es contratar a un guardaespaldas que pueda protegerla en todo momento: Sebastián Moore (Hugo Diego García). El pequeño inconveniente es que, además de mantenerla a salvo, Sebastián resulta ser exactamente el tipo de hombre del que Marfil debería mantenerse alejada. Y, como probablemente cualquiera que haya leído una novela romántica puede imaginar, la tensión entre ambos no tarda demasiado en hacer acto de presencia.

Dirigida por Óscar Pedraza, la película se ha rodado junto a su continuación, 'Enfrentados', adaptación de 'Ébano', la segunda novela de la bilogía. Es decir, Prime Video no parece haber tenido demasiadas dudas sobre el potencial de esta historia. Y los primeros resultados parecen darle la razón: la película se estrenó el 9 de septiembre de 2026 y, según los datos de FlixPatrol ya era la película más vista del mundo en Prime Video. 

Teniendo en cuenta la velocidad a la que se ha extendido el fenómeno en otros territorios y el historial de la plataforma con las adaptaciones de Mercedes Ron, parece poco probable que vaya a quedarse ahí. Prime Video ya sabe perfectamente qué público quiere estas historias y cómo encontrarlo. Estas películas forman parte de una estrategia evidente y que todavía tiene cuerda para rato.

La tenéis en Prime Video.

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A sus 52 años de edad, Travis Knight se ha convertido por méritos propios en uno de los reyes del cine de animación contemporáneo y en uno de esos artesanos que nos obligan a contemplar su obra maravillados y con gesto de asombro. Y es que no todo el mundo, tras trabajar en las encantadoras 'ParaNorman' y 'Los Boxtrolls', debuta en la gran pantalla rascando una nominación al Oscar con una joya de la talla de 'Kubo y las dos cuerdas mágicas'.

Laika, sin AI

Diez años después de su debut, y tras sus dos notables escarceos con la acción real en las divertidísimas 'Bumblebee' y 'He-Man y los Masters del Universo', el de Oregon está a punto de estrenar 'Wildwood': un ambicioso largometraje de 140 minutos filmado mediante la técnica de stop motion que, según el prestigioso estudio Laika, es "lo más difícil" que han hecho nunca.

La verdad es que la cinta, que se estrenará el próximo 23 de octubre en nuestras salas de cine, tiene una pinta deslumbrante. No obstante, más allá de la belleza que exuda cada uno de los fotogramas que pueden verse en su tráiler, si hay algo que invita a valorar 'Wildwood' es su abrazo a lo tangible en la era de la inteligencia artificial; una tecnología sobre la que Knight ha hablado recientemente con Vanity Fair. 

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Durante la entrevista, el cineasta ha dejado claro que la IA es antónimo de todo lo que significa Laika y de los valores que representa la compañía. 

La IA no es solo algo propio de la animación o el cine. Es algo que va a suponer una disrupción increíble para el mundo. Me inquieta. Quiero decir, ya sabes, creo que la IA es realmente contraria a todo lo que defendemos en Laika, porque en Laika, en el centro de todo lo que hacemos, está el artista. 

Para el bueno de Travis, la inteligencia artificial, que califica de "tecnología asombrosa", carece de lo necesario para crear arte: alma.

El stop motion, ya sabes, hace gala abiertamente de su humanidad. Y la IA carece de humanidad. Así que es uno de esos casos en los que se trata de una tecnología realmente asombrosa, pero sin alma. Y contar historias, crear arte, consiste precisamente en imbuir de alma lo que haces. Por eso creo que, en mi opinión, ambas cosas no encajan bien juntas.

Mientras queden Travis Knights, el arte estará a salvo.

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Cuando Kenneth Branagh dirigió 'Thor' en 2011, apostó por una identidad visual bastante más marcada de lo que quizá cabría esperar de una película de superhéroes. Una de sus principales señas de identidad fueron los llamados ángulos holandeses: planos en los que la cámara aparece deliberadamente inclinada para crear diagonales en la pantalla, en lugar de recurrir a las habituales líneas verticales y horizontales.

El recurso está presente en numerosas escenas de la película y forma parte del particular estilo con el que Branagh quiso presentar al Dios del Trueno. Sin embargo, no parece que todo el mundo dentro de Marvel Studios estuviera igualmente convencido de la decisión. De hecho, el director ha revelado que en algún momento llegó a plantearse la posibilidad de cambiarla.

Marvel quiso "horizontalizar" Thor

Branagh ha recordado  la curiosa historia durante una entrevista en el podcast 'On Film…With Kevin McCarthy'. Según ha explicado, en algún momento se produjo una conversación dentro de Marvel sobre cuánto costaría "horizontalizar" la película.

La expresión puede sonar un tanto peculiar, pero la idea era bastante sencilla: estudiar cuánto supondría económicamente modificar el aspecto visual de la película protagonizada por Chris Hemsworth para eliminar sus numerosos planos inclinados y convertirlos en encuadres más convencionales. La propuesta, sin embargo, se encontró con un obstáculo considerable. El coste.

"Estoy encantado de decir que el precio en efectivo de ese proceso era tan prohibitivo", ha revelado Branagh. En otras palabras, la cantidad necesaria para llevar a cabo aquella transformación era tan elevada que el cambio terminó siendo inviable.

Y así, los característicos ángulos holandeses se quedaron en la película.

Defiende los planos inclinados

Más allá de la anécdota, Kenneth Branagh considera que aquella decisión tenía una justificación artística. El director ha compartido que el objetivo era conseguir un mayor impacto visual y que la elección estaba relacionada con la naturaleza de la historia que estaba contando.

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La inspiración procedía, además, de las etapas clásicas de los cómics de Thor. Para Branagh, presentar una historia protagonizada por dioses requería una imagen que transmitiera algo diferente a la realidad cotidiana.

"Era más una cuestión de impacto visual", ha explicado el cineasta. Su planteamiento consistía en preguntarse qué podía resultar visualmente impactante en un mundo y una historia sobre dioses.

El director también ha asegurado que, desde su perspectiva, cada decisión tenía un motivo. "Sentía que había una razón para todo", ha afirmado, antes de señalar que aquella forma de rodar también permitía al espectador situarse dentro de la acción y de la historia.

Una decisión que terminó definiendo la película

Thor fue una de las primeras películas del Universo Cinematográfico de Marvel y desempeñó un papel importante a la hora de establecer la versión cinematográfica del personaje de Hemsworth.

En ese contexto, la elección visual de Branagh ayudó a darle a la película una personalidad propia. Y resulta curioso pensar que uno de sus elementos más reconocibles estuvo cerca de ser modificado.

Kenneth Branagh durante el rodaje de 'Thor'

Si Marvel hubiera decidido asumir el coste del proceso, el resultado habría sido una película visualmente muy diferente. Sin embargo, la factura resultó demasiado elevada y los planos inclinados sobrevivieron.

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El Dios del Trueno regresará el 18 de diciembre en 'Vengadores: Doomsday', donde volverá a reunirse con los Vengadores clásicos y coincidirá también con los Cuatro Fantásticos, los Nuevos Vengadores y los X-Men.

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En esta ocasión, todos ellos tendrán que enfrentarse a Doctor Doom. Los avances ya han mostrado un enfrentamiento entre Thor y el nuevo enemigo en el campo de batalla con consecuencias catastróficas para el personaje.

Mientras tanto, Kenneth Branagh también continúa su carrera como actor. El cineasta protagoniza junto a Ryan Reynolds 'Mayday', una comedia de acción para Apple TV. Sus directores han contado recientemente que el homenaje de la película a 'Top Gun' incluso ha recibido el visto bueno de Tom Cruise.

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Recién estrenada en Netflix, 'La timonel' va escalando poco a poco la lista de lo más visto de la plataforma, y podría decirse que estamos ante el nuevo fenómeno juvenil del momento. Aunque a simple vista puede parecer otro drama más de instituto, su premisa tiene cierto gancho y no me extraña que se haya convertido en una obsesión.

La historia nos sitúa en el competitivo mundo del remo y gira en torno a una dinámica tan fascinante como la de una chica que, al no poder remar, se convierte en la líder del equipo masculino. De esta manera, la serie encuentra la excusa perfecta para hablar de los conflictos de clase, los romances previsibles y los trapos sucios familiares. 

El éxito es magnético

Lo primero que salta a la vista en esta serie es la inteligencia con la que se aborda la posición de su protagonista. La timonel no es la persona que ejerce la fuerza bruta, sino la mente fría que dirige, da órdenes y marca la estrategia mirando hacia atrás mientras el resto rema sin ver hacia dónde se dirige. De hecho, creo que es precisamente esta metáfora lo que mejor funciona de la propuesta, que transforma cada competición en una olla a presión.

En el centro del relato tenemos a Teagan, que sostiene con solvencia el peso dramático sin llegar a ser una víctima complaciente, sino un personaje que vive inmerso en sus propios dilemas morales, y que duda entre ganarse el respeto de un vestuario predominantemente masculino y hacer caso a sus ambiciones. Esta constante fricción entre las expectativas sociales y su tenacidad para mandar sobre los chicos acaba siendo muy estimulante.

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Por otro lado, el gran contrapunto de la serie son todos los clichés de la élite académica y las diferencias de clase. La narrativa aprovecha esta brecha para establecer barreras dentro del equipo, generando una serie de rencores irreconciliables que salpican a todos. Y aunque a veces roce los tópicos más manidos, va un poco más allá de ser un mero entretenimiento.

Pero 'La timonel' también tropieza a la hora de resolver su triángulo amoroso. La serie recurre por momentos a malentendidos forzados y tópicos vistos mil veces para estirar la tensión romántica. Y aunque son giros pensados para enganchar al público más joven, terminan restándole impacto al realismo de la historia.

Sin embargo, en el plano visual, creo que merece la pena darle una oportunidad. Las escenas de entrenamiento y las carreras decisivas en el agua se han rodado con una agilidad pasmosa, utilizando la banda sonora y el ritmo de los remos para generarnos cierta ansiedad. La cámara capta de forma muy precisa la claustrofobia, el agotamiento físico y la sincronización, haciendo que cada segundo en el agua sea crucial para la supervivencia del equipo.

Y también se deja en el aire la posibilidad de continuar. Aunque no inventa nada nuevo, 'La timonel' ha sabido colocarse en lo más alto del catálogo ofreciendo justamente lo que promete: tensión, dinámicas de poder y entretenimiento en estado puro.

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La noticia Esta serie juvenil se ha colado entre lo más visto de Netflix porque da justo lo que promete. 'La timonel' es la dosis perfecta de tensión y romance fue publicada originalmente en Espinof por Belén Prieto .

Cada vez da más la sensación de que es inevitable que prácticamente cualquier película acabe pasando en algún momento por el catálogo de Netflix. Poco importa si tuvo un éxito impresionante y debería funcionar como gancho para otra plataforma, ya que Netflix siempre se acaba saliendo con la suya. Un nuevo ejemplo de ello es que ahora va a llegar allí 'Oppenheimer'.

Una película que arrasó con todo

Protagonizada por un excelso Cillian Murphy, 'Oppenheimer' cuenta la historia real del físico que trabajo contrarreloj para crear la primera bomba atómica, aunque luego acabo tremendamente atormentado por el uso que se dio a esa terrible arma.

La aclamada película basada en hechos reales escrita y dirigida por Christopher Nolan tuvo un éxito descomunal en todos los sentidos antes de estar disponible en streaming. Por lo pronto, 'Oppenheimer' se convirtió en el biopic más taquillero de todos los tiempos con una recaudación mundial de 975,8 millones de dólares, aunque este año ha sido destronada por 'Michael', que acumula ya 1.016 millones.

Además, 'Oppenheimer' fue recompensada con 7 Óscar, incluyendo tanto el de mejor película del año como el de mejor dirección para Nolan. Ahora la duda está en si el cineasta logrará superarse a sí mismo con 'La odisea', una película que ya se ha convertido en la más taquillera de toda su carrera, pero su suerte en los premios que entrega la Academia de Hollywood todavía está en el aire.

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Neflix España ha elegido el 21 de septiembre de 2026 como la fecha de estreno de 'Oppenheimer' en la plataforma, dándose la curiosidad de que 'Barbie' también está actualmente disponible allí, por lo que cualquiera que quiera hacerse un Barbenheimer en casa se ha quedado sin excusas para ello. No será lo mismo que en cines, pero ahí está la opción.

Pese a su abultada duración de 180 minutos, lo que la convierten en la película más larga de la filmografía de Nolan, me da que 'Oppenheimer' también va a arrasar en Netflix. Eso sí, fácil tampoco lo va a tener, pues apenas dos días antes llega a la plataforma la mejor película de superhéroes de los últimos años...

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El éxito de 'Solo Leveling' ha marcado tendencia y ha demostrado que los webcomics surcoreanos son un fenómeno riquísimo. Tras la historia de Sung Jinwoo han ido llegando más adaptaciones cada año, entre 'The Beginning After the End' y 'Tomb Raider King', pero ahora llega un nuevo anime que quiere medirse cara a cara con 'Solo Leveling'.

Un nuevo ascenso al poder

'SSS-Class Revival Hunter' sigue el mismo esquema de series anteriores similares de cazadores de monstruos enfrentándose a niveles y niveles de peligros. Una fantasía de poder con un protagonista que gana más habilidades según avanza la historia, un género que se ha vuelto tremendamente popular en internet en los últimos años.

En este caso tenemos a Gongjia Kim, un cazador débil de Rango F que envidia al Emperador de las Llamas, el cazador más destacado de todos los que se adentran en la misteriosa torre llena de monstruos que apareció recientemente. Cuando el Emperador y él unen fuerzas, Gongjia consigue una habilidad que lo cambia todo, pero debe morir si quiere activarla.

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El webcomic de Sinnoa, Neida y Bill K saltará a anime el año que viene, y será uno de los primerísimos animes en estrenarse: la adaptación de 'SSS-Class Revival Hunter' arranca el próximo enero de 2027, con la temporada de invierno. Crunchyroll ya ha confirmado que se encargará de distribuirlo a nivel internacional. Y si le da el mismo cariño que a 'Solo Leveling' podemos tener otro exitazo masivo entre manos.

De la dirección del anime se está encargando Hiroaki Sakurai, director de 'La desastrosa vida de Saiku K.', 'The Demon Girl Next Door' o 'Les Misérables: Sojo Cosette', mientras que el guion es de Sayuri Ōba. Al frente de la animación está Studio Fu, un estudio tremendamente nuevo que se estrena en la producción de anime con 'SSS-Class Revival Hunter', así que habrá que darles un voto de confianza y ver qué tal sale el experimento.

© “SSS-Class Revival Hunter” Production Committee

Por ahora tan solo se ha confirmado el desarrollo, además del fichaje de Takeo Otsuka como Gongja Kim y Satoshi Hino como el Emperador de la Espada. Nos queda ser pacientes, porque el primerísimo teaser la verdad es que enseña lo justo y necesario. Quitarle la corona a 'Solo Leveling' está probando ser complicado... pero por intentarlo que no sea. 

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Si ya tienes cierta edad, desgraciadamente es bastante común ponerte a pensar cada año dónde estabas aquel aciago 11 de septiembre de 2001. Yo andaba en el pueblo de mi abuelo, viendo dibujos animados en Canal Sur, y se nos paró el mundo de repente para engancharnos a la televisión y seguir minuto a minuto la catástrofe que estaba ocurriendo al otro lado del océano. 

El atentado más brutal de la historia de Estados Unidos sacudió por completo el país y marcó un antes y un después para la sociedad. En el terreno musical, este trauma tan profundo también dio pie a todo un nuevo movimiento, y en concreto fue el responsable directo de la creación del grupo My Chemical Romance. Pero a partir de aquí vienen curvas.

El dominó es imparable

Gerard Way hoy en día nos suena de sobra por ser el vocalista de la banda My Chemical Romance, y de paso también se ha labrado una curiosa carrera como guionista y creador de cómics. Por aquel entonces, en 2001, apenas tenía 24 años y se dirigía al trabajo cuando ocurrió el atentado.

El escenario de edificios derrumbándose, humo, polvo y el pánico de la gente le causó un impacto tremendo, un trauma que le llevó a refugiarse en la música como terapia para volcar sus emociones. De ahí surgió el tema 'Skylines And Turnstiles', que se puede escuchar en el album debut del grupo de 2002, con el que Way quiso homenajear a las víctimas del 11-S.

"Empecé a tocar de nuevo, y escribió 'Skylines And Turnstiles'. Entonces llamé a Otter [Matt Pellissier], y luego a Ray [Toro], y liamos a Mikey [Way], y empezamos a conseguir impulso", narró Way en la Comic Con de Los Angeles en 2019. "Se convirtió en mi terapia para mi estrés postraumático, que todos estaban experimentando desde el 11 de septiembre, y me ayudó a poder procesar todo eso". 

La cosa podría haberse quedado ahí, con el grupo siendo uno de los ejemplos más significativos del punk pop y el rock de los 2000 (y un icono para los emos de la época, todo hay que decirlo). Pero el éxito de My Chemical Romance también causó un curioso efecto dominó que dio pie a 'Crepúsculo', '50 sombras de Grey' y, de paso, la caída de Ellen DeGeneres y el Oscar de Christopher Nolan.

En los 2000 Way se había convertido en todo un icono, y sirvió de inspiración para que Stephanie Meyers a la hora de escribir 'Crepúsculo'. La propia autora ha confesado alguna vez que escuchaba My Chemical Romance a menudo, y que las canciones del grupo jugaron un papel importante mientras escribía su saga de vampiros. Vamos, que hasta incluyó algunos temas en la "playlist" oficial de la novela. 

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No solo eso, es un secreto a voces de que el propio Edward Cullen estaba inspirado físicamente en el propio Gerard Way. Después llegarían las películas, y llegado el momento a MCR incluso les ofrecieron escribir una canción para el lanzamiento de 'Luna Nueva'... Pero se negaron en redondo y en su lugar Way escribió el tema 'Vampire Money' para mofarse un poco de la situación. 

Como ya sabemos, 'Crepúsculo' lanzó todo un movimiento cultural muy jugoso que convirtió en estrellas a sus dos protagonistas. No solo eso, también dio pie a sus propios sucedáneos, siendo '50 sombras de Grey' posiblemente el más conocido.

Lo que empezó como un fanfic calentorro sobre Bella y Edward escrito por E.L. James terminó siendo otra saga literaria y cinematográfica tremendamente exitosa. Dakota Johnson, una de nuestras nepobabies favoritas protagonizó las películas, y de paso también destapó a Ellen DeGeneres como mentirosa en su propio programa en lo que tiene que ser uno de los episodios más rocambolescos de la historia de la televisión. Si estábamos viviendo bajo una roca, el "Actually, no, that's the truth, Ellen" tiene su propia página en la Wikipedia y es una lectura divertidísima. 

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La última gran pieza de este dominó posiblemente es Robert Pattinson, al que habíamos dejado colgado pero se convirtió en una superestrella gracias a 'Crepúsculo'. Desde entonces se ha reafirmado una y otra vez como un actor con un talento tremendo más allá de Edward Cullen, hasta llegar a trabajar con Christopher Nolan en 'Tenet'.

Ya sabemos que fue Pattinson quien regaló al director un libro con los discursos del físico J. Robert Oppenheimer, lo que inspiraría a Nolan para producir el biopic 'Oppenheimer'. Fue por esta película por la que Nolan ganó sus dos primeros Oscars después de años persiguiendo el galardón.

Por el camino, no es que Way tampoco se quedase parado. My Chemical Romance rompió y luego se volvió a unir, con tours mundiales de por medio. Pero aprovechando su fama, el cantante también cumplió su sueño de convertirse en guionista de cómics con 'The Umbrella Academy'... Igual os suena porque además de ser un cómic bastante exitoso, también tiene su propia serie en Netflix.

No solo eso, es el co-creador de Peni Parker, una superheroína que pilota un traje mecánico llamado SP//dr y que es uno de los personajes principales de 'Spider-Man: Un nuevo universo'. Un efecto mariposa con muchísimas ramificaciones, y que sorprendentemente sigue creciendo cada año.

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Jane Fonda ha ganado dos Óscar (por 'Klute' y 'El regreso') y es una de las actrices más respetadas de la historia. De hecho, a sus 88 años sigue trabajando y este mismo año la hemos visto en un episodio de 'The Comeback', pero por lo que todo el mundo la recuerda, especialmente en Estados Unidos, es por sus vídeos de hacer ejercicio. Al fin y al cabo, ¡forma parte vital de su vida!

¡A mover el culo con Jane Fonda!

En 1982, 'Jane Fonda's Workout' fue un auténtico exitazo en VHS y empezó una saga que en total vendió 17 millones de unidades e hizo aumentar la compra de reproductores de vídeo en los hogares. En total hizo 23 rutinas diferentes hasta 1995, y después se tomó una pausa antes de volver en 2010 con vídeos especialmente preparados para los más mayores. Eso no significa que ella se sienta mayor, ni mucho menos.

De hecho, en una entrevista con la revista People reconoció cómo seguía ejercitándose pasados los 85: "Esencialmente hago todo lo que solía hacer, pero más lento. Solía ser runner, pero ahora me encanta andar. Me encanta estar fuera de casa en la naturaleza, especialmente subir y bajar colinas". Pero ella misma sabe que lo más importante es no quedarse en una sola rutina.

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Hago ejercicio todos los días, así que es importante mezclar las maneras en que me muevo. Alterno días haciendo trabajos de cuerpo superior y cuerpo inferior para la fuerza. También encuentro la manera de hacer cardio. Caminar fuera es una de mis cosas favoritas. 

Por supuesto, y esto no debería ser novedad para nadie que esté leyendo algo sobre Fonda, la música es muy importante en sus ejercicios: "Tener la música correcta puede conseguir o destruir el ejercicio, especialmente en cardio y el aeróbic. Una playlist positiva es esencial. Eso, y una buena actitud. El ejercicio es una parte tan importante de mi vida, que hacerlo con la tecnología de hoy en día me da una sensación de plenitud". Y por muchos años, Jane. Ya me gustaría a mí, con la mitad de años, estar la mitad de fuerte.

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Una semana después del final de la temporada 3 tenemos muchas cartas mostradas en el universo distópico de 'Silo'. Y entre las respuestas que recibimos con bastante satisfacción se encuentra en qué es exactamente el "Algoritmo", tal como lo conocen en Silo 18. Esa misteriosa voz a la que conviene no cabrear y que pudo sonar a una de las voces más icónicas de la ciencia ficción. Por cierto, spoilers leves a partir de aquí.

Durante el tramo final de la temporada, se sembró la cuestión de que detrás de la voz dichosa no hubiera una máquina, sino una persona... o varias. Ya que la voz es la de uno del que esté en ese momento al mando de la sala de operaciones en el Silo 1. Filtrada, eso sí, con IA para que suene más mecánica. A la hora de diseñar esa voz, se pensó nada menos que en usar la de HAL 9000.

SILO 9000

Así lo desveló el creador de la serie Graham Yost hablando para Deadline. El guionista y showrunner comenta cómo su intención fue usar la voz de Douglas Rain en la icónica '2001: Una odisea en el espacio'. 

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Sin embargo, llegó a la conclusión de que no solo iba a ser complicado, sino que distraería demasiado:

«Mi primera idea era una locura. Quería conseguir los derechos para usar la voz de Douglas Rain (la de HAL en 2001. Una odisea en el espacio) y eso iba a ser tan complejo y difícil y su patrimonio y todo eso. Entonces me di cuenta de que sería demasiado bonito. La gente diría "Oh, ¡es Hal!" y la idea era que para los Fundadores fuera una suerte de broma, pero distraería.»

Esa no era la única opción que barajaron desde la producción. Otro candidato era Colin Hanks, con quien Yost trabajó en 'Hermanos de sangre' y que accedió de inmediato. Sin embargo, el hecho de que Hanks interpretase a Per Stenson hubiera quitado el misterio, por lo que tiraron por otra dirección:

«(...) entonces pensamos que no, que si la gente escuchaba esa voz, lo sabrían. Así que hagamos un constructo de IA pero que las palabras se digan por quien quiera que este en la sala de operaciones de Silo 1.»

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Ahora mismo nos tienen mordiéndonos las uñas con la continuación de 'Kimetsu no Yaiba', pero no es como si en Ufotable estuvieran viendo la vida pasar. En el estudio de anime no paran, y además de centrarse en Tanjiro Kamado y los cazadores de demonios también han estado trabajando en su nueva película de anime: 'Witch on the Holy Night'.

La cosa va de magia

'Witch on the Holy Night' (también conocida como 'MAHOYO') es una novela visual lanzada en 2012, y ahora tendrá su propia película de la mano del aclamado estudio de anime. En Japón se estrena el próximo 20 de noviembre y el tráiler que se desveló hace unos meses ya viene pisando fuerte.

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Incluso aunque no estemos muy metidos en los videojuegos, 'Witch on the Holy Night' apunta a ser una película de fantasía bien potente con el toque único del estudio y la increíble calidad visual a la que nos tiene acostumbrados. Crunchyroll y Sony no han querido pasar de la oportunidad y ya han confirmado que se encargarán de distribuir la película de anime a nivel internacional.

En concreto para España, 'Witch on the Holy Night' se estrenará el próximo 5 de febrero de 2027. Además, desde Crunchyroll también confirma que se podrá ver en cines, aunque pasado cierto tiempo podemos asumir que también pasará a formar parte del catálogo de la plataforma.

'Witch on the Holy Night' adapta el videojuego de Kinoko Nasu y TYPE-MOON, la casa de la franquicia 'Fate'. En concreto, 'Witch on the Holy Night' sigue a Aoko Aozaki, quien parece ser una estudiante normal de instituto pero en realidad es una aprendiz de bruja. Junto con su compañera de piso Alice Kounji, se encarga de proteger su pueblo de amenazas sobrenaturales, y ambas comienzan a investigar una serie de eventos misteriosos.

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La noticia Los creadores 'Kimetsu no Yaiba' cambian los demonios por brujas en su nueva película. 'Witch on The Holy Night' confirma su fecha de estreno en pantalla grande fue publicada originalmente en Espinof por Mariló Delgado .

Reconozco que cada vez que se estrena una serie de época la apunto para tenerla en mi radar y poder verla cuando tenga un hueco. Desde el primer episodio, 'Los Forsyte' deslumbra por su minuciosa ambientación, una elegancia victoriana impecable y un retrato quirúrgico de las tensiones generacionales y de clase. 

Pero lejos de ser un simple melodrama romántico al estilo 'Downton Abbey', esta entrega inicial construye un universo denso, sobrio y fascinante, donde cada gesto y cada silencio tienen un peso brutal. Y ahora que se acaba de estrenar su segunda temporada, os dejo la excusa ideal para echarle un vistazo.

Un triunfo incontestable

Lo primero que llama la atención es la brillantez con la que la serie maneja la lentitud para convertir el acto de contemplar en pura tensión dramática. La narrativa se lo toma con calma para presentar a la vieja guardia familiar, tejiendo con paciencia las dinámicas de poder, el peso de las tradiciones y las brechas invisibles de la sociedad victoriana. Todo esto le otorga al relato cierta riqueza y una profundidad excepcionales, demostrando que no necesita recurrir a efectismos ni a ritmos acelerados para atraparnos.

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Después, el verdadero pilar de la serie está en el desgarrador choque entre el sentido del deber y el deseo de libertad, que se articula a través de los primeros traumas familiares. La química del reparto y la complejidad de las relaciones sostienen el inmenso impacto emocional de la historia, mostrando cómo las rigideces sociales y las decisiones del pasado empiezan a marcar a fuego el destino de todos.

Y aquí destaca especialmente la interpretación de Soames, que desde el minuto uno se consolida como el personaje más complejo y magnético de la pantalla. Nos regala una figura trágica, atrapada entre su torpeza social, su mentalidad posesiva y una dolorosa incapacidad para ser amado. Esta construcción de su personaje es tan deslumbrante que le aporta a cada escena una gravedad escénica monumental, elevando la serie a una categoría superior.

Por otro lado, la figura de Irene funciona como el alma melancólica y el eje de la crítica social. Su sufrimiento silencioso, su elegancia distante y la forma en que encarna la opresión de las convenciones de la época están retratados con mucha delicadeza. Y es la que nos deja los mejores momentos de la primera entrega.

Además, en el apartado técnico, la primera temporada roza la perfección absoluta con un diseño de producción, vestuario y fotografía deslumbrantes. Cada plano de los salones victorianos está iluminado con una precisión pictórica que captura la claustrofobia de las apariencias, mientras que la banda sonora subraya de forma exquisita la tensión. Es un despliegue visual que demuestra el altísimo nivel de producción que maneja la serie.

Al final, podríamos decir que la primera temporada de 'Los Forsyte' es redonda, impecable y ejecutada con una solidez narrativa que demuestra que merece la pena seguir. Y tenemos episodios de sobra para hacerlo si queremos.

La tenéis en Movistar Plus.

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La noticia Hoy en streaming, una serie de época que roza la perfección absoluta y es comparable a los grandes referentes del género fue publicada originalmente en Espinof por Belén Prieto .

La repentina cancelación de 'Spider-Noir' por parte de Prime Video dejó a los seguidores con las ganas, pero su co-creador y showrunner, Oren Uziel, ya tenía trazada la ruta para una segunda temporada que prometía ampliar horizontes. A pesar de que la noticia de la no renovación llegó apenas dos días antes de que la ficción cosechara cinco premios Emmy, las ideas para continuar la historia del detective arácnido interpretado por Nicolas Cage estaban más que vivas sobre la mesa.

Si la producción hubiese tenido luz verde para una segunda parte, la intención de Uziel, según ha compartido en Variety, era sacar a Ben Reilly de Nueva York y explorar geografías clave del género negro. "Si fuera por mí, probablemente habría sido otra ubicación", explica el creativo sobre sus planes narrativos. 

"Hay muchísimos noirs ambientados en Los Ángeles en los que podríamos habernos sumergido. Hay noirs europeos en los que podríamos habernos adentrado. Hay otros lugares a los que ir. Empiezas en 1933. ¿Hacia dónde se dirige eso? Se encamina hacia la época más cataclísmica: la Segunda Guerra Mundial. Había muchísima narrativa que podría haber surgido de ahí".

La idea de trasladar la acción a la Costa Oeste resultaba especialmente atractiva porque la primera entrega se rodó en Los Ángeles simulando ser Nueva York. "¿Los Ángeles por Los Ángeles? ¿Qué tan genial habría sido eso?", reflexiona Uziel. Con un Ben Reilly que conserva sus poderes al cierre de la primera entrega, el detective estaba listo para asumir un nuevo caso. 

Sin embargo, ante la posibilidad de que Sony o Amazon intenten resucitar la serie tras su éxito en los galardones, se muestra cauto: "Aún no hemos llegado a eso. Literalmente no conozco los vericuetos legales y las complicaciones de algo así, pero imagino que es una propuesta complicada".

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Haciendo historia

A pesar de que el anuncio del carpetazo llegó justo antes de la gran noche de la televisión, la gala se vivió con entusiasmo. Uziel admite sus temores iniciales: "Pensé que el momento del anuncio iba a ser decepcionante al principio. No quería que la gente fuera a esta gran noche teniendo que preocuparse o pensar en algo triste. Pero la verdad es que se convirtió en una especie de gran celebración de lo que logramos juntos". 

Y no era para menos: la producción pulverizó el récord de victorias para una serie cancelada tras su primera temporada superando las dos estatuillas de 'Lovecraft Country' y 'Mi mundo' al hacerse con cinco galardones en áreas como efectos especiales, fotografía, diseño de títulos, edición de sonido y rendimiento de especialistas. 

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"Cuando ganamos el primer premio nos emocionamos mucho, y luego empezó a convertirse en una bola de nieve", relata Uziel. "Se sintió como cuando estás en un partido de softball de tus hijos y solo quieres que bateen. Luego empiezan a batear y te empiezas a sentir bien", expresa.

Mirando al futuro

De cara al futuro, Uziel asume la cancelación con filosofía zen y sin remordimientos, recordando que concibieron los ocho episodios como una obra autoconclusiva: "Contamos una historia. Hay una razón por la que homenajeábamos a estos viejos noirs: la historia empieza cuando el cliente entra al despacho del detective privado y termina cuando resuelven el caso". 

Aun sin segunda temporada, el showrunner confía en reunir de nuevo al equipo y a su estrella principal en otro proyecto: "Hacer estos ocho episodios, que fueron su primera serie de televisión, fue simplemente un sueño. Así que me encantaría volver a hacerlo con Nic".

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La noticia Así iba a ser la segunda temporada de 'Spider-Noir': El showrunner revela sus planes antes de la cancelación fue publicada originalmente en Espinof por Victor Mopez .

Hace 25 años se creó la memoria colectiva millennial de que 'Los Simpson' fueron interrumpidos para contar el 11-S. No es cierto (se contó justo después, en los informativos de Matías Prats), pero también merecíamos tener nuestras propias leyendas urbanas. Ha pasado mucho tiempo desde 2001, y las consecuencias de aquel día aún se siguen notando, especialmente en los aeropuertos, pero lo cierto es que el cine y la televisión evolucionaron tras una etapa post-traumática y apenas queda ya censura alguna de aquella época donde cualquier mínima mención de las Torres Gemelas era eliminada categóricamente. Bueno, no queda censura, pero por los pelos: hay un episodio de '101 dálmatas' que estuvo prohibido hasta 2020. Sí, como lo oyes.

¡Un avión se ha estrellado contra... ¿Un molino?!

'101 dálmatas' estaba de moda a mediados de los 90. Tras la primera película en 1961, Disney tardó 35 años en volver a acordarse de su existencia en el live action primigénio, '101 dálmatas: ¡Más vivos que nunca!', con una fabulosa Glenn Close. Eso sí, fue tal éxito que no solo tuvo una secuela, sino que dio luz a una serie de televisión que duró 65 episodios entre 1997 y 1998. Toda una "dalmatamanía" a pequeña escala.

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La serie era todo lo inocentona que estáis imaginando: en total tuvo 105 segmentos cortos que Disney Channel aprovechaba para emitir aquí y allá, donde encontraba un hueco... hasta que llegó el 11-S, y llegó la hora de mirar con lupa cada uno de sus capítulos para evitar herir sensibilidades. Así es como los jerifaltes llegaron al episodio 24, 'Viva y cacareando' ('Alive n'chicken'), en el que, hacia el final, Spot, la gallina amiga de los dálmatas, acaba estrellando una avioneta contra un molino y cayendo al vacío, dándose con unas bolsas de harina. Ya imaginarás lo que pasó.

Inmediatamente, el miedo que llevó a que también se censurasen episodios como 'La ciudad de Nueva York contra Homer Simpson' (de 'Los Simpson') o 'Camino a Rhode Island' (de 'Padre de familia'), hizo que Disney quitara de circulación tanto este segmento como el siguiente, 'Estrella de televisión', que no tenía nada peligroso pero estaba intrínsecamente unido. Lo curioso es que, mientras otras series veían cómo los episodios prohibidos volvían a emitirse poco a poco, en el caso de '101 dálmatas' hubo que esperar hasta junio de 2020, cuando la serie apareció en Disney+ en Estados Unidos (no, en España no está disponible), convirtiéndose así, sin quererlo ni beberlo, en uno de los episodios más malditos del estudio.

Al final, este se convirtió, sin quererlo, en uno de los episodios más polémicos de la historia de la televisión, y hasta el lanzamiento en Disney+ solo se podía ver en YouTube después de considerarse "lost media" durante una buena temporada. Ya le habría gustado a 'South Park' tener la mitad de la polémica de... '101 dálmatas'.

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La noticia Disney prohibió un episodio durante 19 años por culpa del 11-S. La serie era la más inocente de su catálogo fue publicada originalmente en Espinof por Randy Meeks .

Es difícil cuestionar el poder cinemático de un buen thriller policial, pero es también el buen caballo de Troya para blanquear ante nuestros ojos el trabajo de fuerzas de seguridad que en la realidad tienden más a abusar de su poder. Incluso algunos que denuncian la corrupción tienen dificultades para no caer en la defensa de la nobleza que es más anecdótica que sostenida. De ahí que sea tan notable lo que hace algo como ‘Caso 137’ (’Dossier 137’).

Informe crucial

Uno de los mejores thrillers del año es policial, pero se mete por completo en las entrañas del proceso y muestra las fracturas profundas que hay en estos sistemas. Dóminik Moll hace un fabuloso trabajo metódico que tras su paso por cines ya se puede ver en streaming a través de Filmin.

Un joven resulta gravemente herido durante una manifestación en París que se escapa del control de la policía, y los agentes involucrados son investigados por Asuntos Internos. La agente Stéphanie indagará en todas las evidencias fotográficas y testimonios posibles por esclarecer la verdad, aunque el caso esté conectado con su entorno y su vida personal.

Lo que decide mostrarnos ‘Caso 137’ es puro procedimiento casi de cabo a rabo, con pequeños momentos de confrontación de realidad a través de retazos de vida privada de esta agente, a la que da vida una sensacional Léa Drucker. Pura droga para los fans del cine de detalles, de métodos exhaustivos, donde observamos hasta cómo se rellenan documentos para pedir metraje de cámaras de seguridad.

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Todo lo que parece trivial es lo que Moll convierte en una formidable travesía que en cierto modo es cómo la de Sísifo llevando la roca a lo alto de la colina. ‘Caso 137’ no es para nada inocente sobre cómo un cuerpo policial como el francés encuentra los resquicios para protegerse a sí mismo y eludir responsabilidades.

Esto la hace una película en cierto modo anticlimática, porque indaga en las limitaciones para hacer el bien desde dentro de un mal sistémico. Pero el cineasta francés hila bien discurso y códigos de género bien subvertidos, además de valerse de la que es ahora mismo una de las actrices más infalibles del momento.

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La noticia Meses después de su paso discreto por cines, se estrena en streaming uno de los mejores thrillers del año fue publicada originalmente en Espinof por Pedro Gallego .

Ya han pasado casi doce años desde que nos despedimos de 'Avatar: La leyenda de Korra'. En ese tiempo la franquicia animada ha vivido un nuevo renacimiento, con numerosos proyectos a la vista, un remake en acción real para Netflix y una película que se estrenó este mismo verano. Pero sin duda el más intrigante es la nueva serie secuela: 'Avatar: Seven Havens'. 

Un antes y un después

El reloj también ha corrido dentro de la pantalla, pero si para nosotros han pasado doce años ahora sabemos que dentro del universo de 'Avatar' han pasado más de doscientos. En 'Avatar: Seven Havens' el mundo es muy distinto al de las dos anteriores series, y es el turno de una nueva Avatar llamada Pavi.

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Ya habíamos visto algunos vistazos limitados, pero con el estreno de 'Avatar: Seven Havens programado para el próximo 9 de octubre en Paramount+, ahora en Avatar Studios han compartido un nuevo tráiler que nos deja el mejor vistazo a la serie hasta ahora.

Bryan Konietzko y Michael DiMartino, los creadores de 'Avatar', ya venían avisando que esta nueva secuela iba a tener un tono mucho más de fantasía que las anteriores, con el mundo tratando de recuperarse de un gran desastre. Entre escenarios inspirados en el arte de Moebius, nos juntamos con una gran importancia al mundo de los espíritus y una ambientación incluso un tanto futurista. Algo que se está dejando ver de sobra en el tráiler, y también el cambio del estilo de la franquicia para acercarse más al anime. 

En el tráiler de 'Avatar: Seven Havens' también tenemos por fin un mejor vistazo a los personajes principales. Tenemos a la nueva Avatar Pavi, su gemela Nisha con la que se reencuentra después de años separadas y a Jae, un maestro del aire que servirá como mentor de las hermanas. Aunque el tráiler sigue generando muchas preguntas, especialmente porque parece que Korra se fue con un zambombazo y quizás tuvo mucho que ver con el cataclismo que cambió el mundo para siempre. 

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Tras anunciar oficialmente que después de 'Vengadores: Secret Wars' llegará el turno de los mutantes en Marvel, el estudio ha empezado a montar su grupo de 'X-Men' perfecto. Lo más interesante para los seguidores casuales son los actores que escogen para los papeles mientras, al mismo tiempo, los fans nos regodeamos al ver el grupo que están montando. Ahora, a Jean Grey, Cíclope, Emma Frost, Pícara, Tormenta y el Profesor X se sumará un miembro clásico del grupo: Ángel.

Una cara angelical

Lo curioso es que Marvel no ha tenido que rebuscar mucho para encontrar al superhéroe alado: era uno de los protagonistas de 'Gen V', el spin-off de 'The Boys' y una de las series superheroicas de referencia en el siglo XXI. En particular, tendrá la cara de Asa Germann, según ha confirmado Variety, que en la serie de Amazon interpretaba a Sam Riordan, un adolescente esquizofrénico casi invulnerable y con super-fuerza.

Ángel, por su parte, formó parte del grupo inicial de X-Men allá por 1963, y desde entonces ha formado parte vital del grupo, llegando a evolucionar y convertirse en Arcángel en los años 80. De momento, todo parece indicar que Warren Worthington III conservará su identidad superheroica inicial, la más inocente: si los planes de Marvel se cumplen, siempre habrá tiempo para evolucionar.

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A Germann le has visto también en 'Scream 7' (el muchacho obsesionado con los asesinatos de Woodsboro, Lucas) y en un episodio de 'Monstruo: La historia de Jeffrey Dahmer'. Marvel sigue con la estrategia de mezclar caras conocidas como las de Adam Driver, Kit Connor y Sadie Sink con las de recién llegados a la industria para crear un grupo lo más variopinto posible. ¡A mí, mis X-Men!

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La noticia 'X-Men' acaba de fichar a otro de sus personajes legendarios. Marvel ha encontrado a su actor directamente en 'The Boys' fue publicada originalmente en Espinof por Randy Meeks .

Lo que empezó como uno de tantos fenómenos extraños nacidos en internet está a punto de convertirse en una franquicia cinematográfica. 'Backrooms', la película con la que Kane Parsons llevó a la gran pantalla su particular interpretación de uno de los mitos más populares de la cultura de internet, ha sido todo un fenómeno de taquilla, recaudando alrededor de 394 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto de apenas 10 millones. 

La película dejó además varias preguntas sin respuesta sobre Async, Mary, las copias humanas y la expansión de las entradas a ese universo de espacios liminales. Y parece que la secuela está cada vez más cerca de hacerse realidad.

A través de la pared

Kane Parsons imaginó la mitología de 'Backrooms' mucho antes de convertirla en un largometraje. Cuando todavía publicaba sus cortometrajes de bajo presupuesto en YouTube, el cineasta ya estaba construyendo una historia mucho más amplia alrededor de estos espacios infinitos y perturbadores. 

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Por eso, la primera película estaba concebida en buena medida como una puerta de entrada a ese universo, y no como una historia cerrada. El propio Parsons ha explicado que quería ofrecer una versión accesible de un concepto que, al no contar con una única interpretación oficial, podía resultar especialmente difícil de trasladar al cine. Y parece que todavía queda mucho terreno por explorar. 

La historia dejó en el aire cuestiones como lo que pasa con Mary (Renate Reinsve), Async, el fenómeno de las copias humanas y las entradas que aparecen y se multiplican, elementos que podrían tener un papel importante en una futura continuación. De momento, no se ha confirmado cómo seguirá exactamente la historia, pero hay material de sobra para seguir ampliando una mitología que nació en internet y que ahora ya tiene dimensión de superproducción.

De hecho, según un nuevo informe de Dread Central -que ha recopilado Collider-, Parsons habría firmado oficialmente para dirigir 'Backrooms 2' para A24. La compañía todavía no ha hecho ningún anuncio al respecto, por lo que conviene tomar la información con cautela hasta que llegue la confirmación oficial. Pero, de ser cierto, supondría además la consolidación de una franquicia que partió de un fenómeno puramente digital y que ha conseguido resultados de taquilla difíciles de imaginar cuando Parsons comenzó a experimentar con el concepto. 

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¿Alguna vez has intentado estar más de cinco minutos aplaudiendo? Yo lo hice una vez, para un podcast en el que hablábamos sobre 'Top Gun: Maverick', emulando su ovación en Cannes, y es absolutamente ridículo, con dolor de manos incluido. Quizá por eso choca tanto leer que en Venecia acaban de pasarse casi 25 minutos de aplauso continuado (24,5 para ser concretos) para celebrar un documental que llegó a última hora y, para sorpresa de todo el mundo, se ha llevado la mayor ovación de la historia del festival. De cualquier festival, de hecho.

Desde el río hasta el mar

El año pasado, el festival de Venecia ya batió todos los récords con su aplauso de 22 minutos a 'La voz de Hind', y este año el público lo ha superado tras el pase de 'NAZA'. De hecho, tal y como cuenta Variety, nunca ha habido una ovación mayor en ningún festival del mundo. El documental, de pura actualidad, trata en detalle los sistemas tras la matanza de civiles palestinos en Gaza, y el público ha aplaudido como merece a sus autores, Yuval Abraham y Rachel Szor, directores también de 'No other land'.

'NAZA' se rodó en secreto en los tejados de Tel Aviv, y muestra todo tipo de entrevistas con hasta 24 oficiales y soldados israelíes. De hecho, NAZA es el término que utilizan para el daño colateral, indicando el número de civiles que morirán por los ataques aéreos. Se ha rodado tan clandestina que ha tardado tres años en editarse y estar preparada para un festival de estas características.  

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Mañana sabremos quiénes son los ganadores de Venecia, pero, desde luego, 'NAZA' tiene muchas posibilidades de llevarse el León de Oro (si se lo permite 'Possible love' o 'Wild horse nine', entre otras) y conseguir así propulsarse hacia los Óscar, llevando su mensaje lo más lejos que pueda. De momento, se lleva 24,5 minutos de aplauso y la certeza de que es difícil mirad hacia a otro lado.

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La segunda temporada de 'The Gentlemen' no escatima en lujos, mafiosos, aristócratas y negocios turbios, pero uno de sus elementos más curiosos aparece en el primer episodio y puede pasar desapercibido entre persecuciones en moto, amenazas de muerte y millones de libras. Susie Glass (Kaya Scodelario) y Eddie Horniman (Theo James) reciben el encargo de comprar un Botticelli para ganarse el favor del mafioso italiano Marco Moretti (Sergio Castellitto). Aunque esta operación les acaba saliendo mucho más cara de lo previsto. 

De hecho, aunque la escena podría parecer una de las muchas exageraciones de Guy Ritchie, en este caso la realidad supera a la ficción, porque el cuadro existe de verdad y protagonizó una espectacular subasta en Londres apenas un par de años antes del estreno de la temporada.

El Botticelli real

El cuadro que aparece en la serie es 'La Virgen con el Niño con San Juan Bautista y San Juan Evangelista', una obra de Sandro Botticelli que representa a la Virgen María con el Niño Jesús y que está fechada alrededor de 1470. Se trata de una pieza perteneciente a una etapa temprana de la carrera del artista florentino, cuando todavía no había desarrollado el enorme taller que tendría posteriormente. 

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La historia real del cuadro ya parece sacada de una serie de televisión. La obra había sido adquirida por Lady Wantage en 1904 y permaneció en la misma colección familiar hasta que salió al mercado en 2024. Su estimación inicial era de entre 2 y 3 millones de euros aproximadamente, pero la expectación que generó hizo que nueve compradores se disputaran la pieza. Finalmente, el precio ascendió a los 9,96 millones de libras, una cifra espectacular que convirtió al pequeño Botticelli en uno de los grandes protagonistas de aquella temporada de subastas de arte antiguo.

Y 'The Gentlemen' utiliza precisamente esa fascinación por el mercado del arte para convertir el cuadro en una pieza más de su particular mundo criminal. En la ficción, Cico Maldini asegura que Marco Moretti quiere el Botticelli y propone comprarlo como una especie de tributo para evitar pagarle 40 millones de euros al mafioso italiano. Eddie desconfía de la operación, pero Bobby Glass recibe una señal bastante más peculiar: el Bannik, una criatura de la mitología eslava que se ha convertido en una de las nuevas excentricidades de la temporada, les indica que deben comprarlo.

Es entonces cuando llega la gran diferencia entre la realidad y la ficción. En la serie, la puja se dispara hasta los 16 millones de libras, muy por encima de los seis millones que esperaban pagar, y Susie termina llevándose el cuadro. Poco después, unos motoristas lo roban durante el traslado y Eddie y su equipo se lanzan a recuperarlo. La operación acaba revelando que Cico los ha engañado y que toda la historia del cuadro formaba parte de una jugada mucho más elaborada.

Lo más divertido es que Guy Ritchie no necesitaba inventarse un Botticelli para que la historia funcionara, porque el cuadro real ya tenía una historia de coleccionismo y una guerra de pujas millonaria que no tiene nada que envidiarle a cualquier trama cinematográfica. La producción rodó la secuencia de la subasta en el Adelphi Building de Londres, transformado para la ocasión en una casa de subastas, y después convirtió la compra del cuadro en una persecución con motos. Así que, aunque el atraco, la mafia y los 16 millones son pura ficción, el Botticelli que desencadena todo sí pertenece a la realidad.

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